Alcanzado el ecuador del mes de Noviembre, entramos en una época de recomendaciones navideñas, donde nuestro buscador de regalos y sugerencias de listas de reyes magos hace horas extras para intentar quedarse con lo mejor de lo mejor que regalar (o auto-regalar) durante la inminente época navideña. Aquí van dos muy buenos ejemplos de posibles regalos, aunque para ello debamos retrotraernos a una época más veraniega, donde el sol brillaba sobre el cielo de Gijón durante el día y buena parte de la noche, además de alguna que otra estrella internacional que caminaba por las calles del festival Metrópoli Gijón. Y es que en la pasada Metrópoli Comic Con, uno de los platos fuertes del festival de la ciudad asturiana fue la doble presentación de Claudio Castellini de dos novedades editoriales que se pusieron a la venta precisamente durante los días del festival. Fue a principios de Julio cuando Panini Comics y SD Distribuciones nos ofrecían a todos nosotros esa joya perdida que es Estela Plateada: La Oscuridad Más Allá de las Estrellas (enmarcada en la línea Marvel Limited Edition pero con un formato y tamaño a la altura de la obra) y que Aleta Ediciones aprovechaba para reeditar los primeros números de Nathan Never (personaje del cual Castellini es co-creador) con una nueva portada para la ocasión. Así pues, como no podía ser de otra manera, el propio Claudio regresó al festival (ya había estado en la primera edición, manifestando por aquel entonces su deseo de ver esta obra editada de esta manera) para descubrirnos los secretos detrás de su creación en una magnífica mesa redonda moderada por Miguel G. Saavedra y en la que director de las jornadas del Cómic, Pepe Caldelas, nos advertía al comienzo de la charla que «veríamos cosas que nunca habíamos visto hasta el momento». Y no podía tener más razón. Os dejamos con las declaraciones que nos dejó Claudio Castellini.
Claudio Castellini habla de Marvel Limited Edition: Silver Surfer y Nathan Never
Por lo que me dijiste has estado casi un mes trabajando a destajo para que esta edición saliera como tú querías.
Claudio Castellini: Sí, ha sido un trabajo intenso para que ésta sea la mejor edición publicada hasta ahora. Lo primero que se puede destacar es la diferencia entre las capacidades técnicas que había entonces y las que hay hoy en día, los escaneados en aquellos años se hacían en mapa de bits. Para quien no lo sepa esto quiere decir que el escáner no grababa el nivel de gris del dibujo, tan solo lo convertía en blanco y negro. Entenderéis fácilmente que esto ya de por sí alteraba la imagen, simplificándola, y se perdían todos los tonos intermedios de grises. Con los medios de ahora ya se puede escanear de forma más sencilla. Los nuevos archivos de las pagina escaneadas en color/escala de grises ya marcaban la diferencia en términos de calidad visual de la impresión, pero yo quería añadir un valor más, por lo que he añadido en digital más matices de grises usando unas técnicas de Photoshop, de manera que no se note en comparación con el trabajo manual. La versión española va a ser totalmente única, digamos remasterizada, no solo por un asunto de escaneados actualizados sino también porque contiene tonos y matices nuevos. Un nuevo tratamiento de belleza.
Aparte de las escalas de grises, también sabemos que has hecho otros retoques y ajustes gráficos.. Querías que saliera perfecto.
C.C.: Si, tienes razón. Las ediciones anteriores tenían todas un gran problema en común; la mayoría de las páginas dibujadas – entre las cuales todas las dobles – no estaban bien posicionadas en el espacio de las páginas del tomo, es decir, estaban reducidas en el medio con un borde vacío alrededor.
Para usar un término técnico, no estaban «a sangre», el dibujo no llegaba hasta el borde de la página impresa como era en mi intención inicial , debido al hecho de que el tamaño del volumen no se conformaba bien al de las páginas originales.
En la edición española hay dibujos que nunca se habían visto tan grandes, como las «splash-pages», las páginas dobles. Otras páginas, al revés, habían sido ampliadas por razones desconocidas y entonces para encuadernarlas tuvieron que cortar a los lados. Y no hablamos de un milímetro o dos milímetros..si no de amputaciones!.. Me acuerdo de una página ( en la versión alemana) donde cortaron todas las piernas de Cuervo Blanco y medio cuerpo de Estela Plateada.. fue brutal!
Lo primero que hizo Alejandro de Panini fue elegir el tamaño del volumen para que se adaptara bien al de las páginas, evitando que un borde demasiado ancho alrededor redujese la grandeza del dibujo.Aún así las páginas no estaban perfectamente proporcionadas, o mejor dicho, para ponerlas a sangre necesitaban ser cortadas un poco. Decidimos ponerlas hasta alcanzar la mínima distancia del borde dejando un marco lo más pequeño posible para conservar la integridad del dibujo.
Así que por primera vez en esta edición por fin no hay cortes! Y no solo eso.. decidí hacer otro trabajo más sobre algunas páginas más importantes – como la 2-3 – y que quería totalmente a sangre añadiendo en digital otro margen de dibujo para que la imagen llegase perfectamente hasta el borde de la hoja, sin ni siquiera unos milímetros de borde vacío alrededor.
Otra preciosa intervención de Panini fue reducir el tamaño de los bocadillos para que no cubrieran demasiado el dibujo. Tuve hasta la oportunidad de decidir la colocación de cada bocadillo en los sitios donde no «hacen daño» cubriendo partes interesantes del dibujo, aquellas zonas neutrales que tan solo el autor puede conocer. Y es que normalmente el dibujante de cómics piensa en dejar un hueco en un lado para que pongan ahí el bocadillo… pero puede pasar que el que lo pone no entienda bien cuál es el espacio que el dibujante ha dejado para él, y te lo acaba poniendo en la cara del personaje o por encima de aquel detalle que has empleado horas para hacer.. [Risas].
En serio, esto es muy importante para disfrutar de la obra en su plenitud, se puede decir que en esta nueva edición se desvelan partes del dibujo que antes estaban ocultas por los bocadillos, partes inéditas también para los que ya poseen las otras versiones.
Y ahora con estos nuevos arreglos se aprecia claramente mucho más la cantidad de detalles que pusiste en esta obra en los ’90, que además es algo que se puede ver muy bien en la exposición de originales en la feria de Gijon, donde se pudo disfrutar de todo el trabajo manual que solía hacerse en la época, sin ninguna intervención al Photoshop.. hasta se puede distinguir el Tipex en el dibujo.
C.C.: Pues gracias. Esta novela gráfica fue el primer trabajo que me ofreció Marvel dejándome hasta elegir mi personaje favorito , así que puse todo lo que tenía, toda mi pasión y capacidades, quería que se destacase por un nivel de detalle que nunca se había visto hasta entonces… fue y aún es mi obra maestra. Lo primero que intenté hacer era que este comic reflejase un punto de vista más cinematográfico y apliqué la misma filosofía que, como aficionado del cine de ciencia ficción, he heredado de la lección de Star Wars. Cuando Star Wars salió en los años setenta y ochenta tuvieron muchas ideas geniales e innovadoras. Sus naves espaciales estaban absurdamente llenas de pequeños detalles. ¿Y esto por qué? Es muy sencillo, es un asunto de «ilusión óptica». Cuando ves una superficie que es lisa, no te trasmite una idea precisa de su tamaño real. Pero si tú a esta superficie le pones un montón de detalles, la superficie te parece mucho más grande, enorme. Así que yo empleé esta misma técnica. Además, también puse frecuentemente la cámara muy cerca o por debajo del personaje, para que se viera muy en perspectiva. Por ejemplo en el caso de la nave-casa de Galactus en las páginas 1 y 2… La morada de un ser que come planetas tiene que estar a su altura. Pensé en poner unos planetas en primer plano por delante de la nave nodriza, muy pequeños en comparación con ella, para hacer que el lector percibiera mejor su grandeza desproporcionada e imposible, tan grande casi como un sistema estelar! Respecto al Tipex que has notado en las páginas originales de la expo, como tú has bien comentando en la pregunta, en aquellos años cuando un dibujante quería retocar algo no había un programa de ordenador al que se pudiera acudir para hacer ajustes o mejoras, así que había que emplear tipex. Si querías corregir o simplemente ampliar o reducir algo, teníamos que hacer una fotocopia a un tamaño mayor o menor y luego pegarlo encima del dibujo original.
Es lo que decías respeto al efecto grandeza , que al ser encima tan pequeñito también Silver Surfer, se ve el resto mucho más grande.
C.C.: Eso es. En la pagina doble 1-2 hacer la figura de Estela un poco más grande habría sido un error, porque le restaría importancia a Galactus.
El estilo Marvel tradicional te habría dicho que destacaras más al héroe, ¿no?
C.C.: Si, pero aquí el protagonista era la misma nave, Estela Plateada solo es, tal como los que miran el comic, un espectador. Además, aunque sea esta nave la misma que siempre se había representado, la que había creado Jack Kirby y que no deja de ser parecida al símbolo de infinito, la diferencia fue que añadí muchos más detalles estructurales y la imaginé come si estuviera rodando una película de cine. Hasta entonces solo se había visto muy desde lejos mientras que yo he preferí ponerme por debajo de esta nave representándola desde un punto de vista muy en perspectiva para aumentar aquel «sense of wonder», el aturdimiento y la sensación de sentirse muy pequeños e inferiores delante de ella.
Esta novela gráfico supuso una innovación gráfica en su momento de publicación, ya que ganó el premio Yellow Kid, que es el más prestigioso del continente europeo. El reconocimiento de casi dos años de trabajo, ¿no?
C.C.: Sí, un poco más de un año y medio. También hay que considerar que mientras desarrollaba este proyecto ya había empezado a publicar para Marvel todas las portadas de «Fantastic four Unlimited». Por supuesto fue un honor que reconocieran a mi obra este importante premio y una gran satisfacción que me ha compensado por los esfuerzos que puse en ella. Pero a decir la verdad, y no es retórica, la mayor satisfacción la recibí de mis aficionados, que me han premiado por la alta consideración e importancia que siempre han dado a esta obra.
Después de tantos años de distancia, aún no se olvidan de ella.
De hecho, comentaba Ron Marz que tú mismo quisiste llevar los originales en persona, ¿no?
C.C.: Si, no confiaba en correos en este caso. Imaginate que se hubiera perdido tras un año y pico de trabajo. Los llevé hasta las propias oficinas de Marvel y aún así allí mismo seguí añadiendo detalles y haciendo retoques. De hecho me quedé dos semanas allí en el Bullpen [Risas]. Decían que tuvieron que quitarle las páginas de las manos a aquel italiano loco [Risas]. La verdad es que un dibujo nunca se acaba. Hay un momento en el que tienes que admitir que ya es suficiente para entregarlo, pero siempre hay un margen de mejora.
¿Crees que el lector común es capaz de apreciar este enorme esfuerzo que has hecho en la novela gráfica?
C.C.: Pues eso espero. Estoy seguro de que sí, los detalles están y se pueden captar, aunque hay muchos tipos de sensibilidades artísticas y supongo que habrá personas que darán mayor importancia a la lectura sin detenerse a mirar de cerca todos los detalles de cada viñeta.. La edición limitada a 1500 copias y la propuesta del volumen en blanco y negro de hecho va a realizar una selección entre los usuarios de este volumen. Y el trabajo ya solo merece la pena por el público que lo agradece, además de por la pasión personal de haber podido realizarlo. No todo se hace por dinero sino por el gusto de realizar algo que se quede en la memoria de los lectores y para que los aficionados disfruten y lo valoren. Ademas, ya desde el principio en los 90, esta obra nunca ha sido concebida para una amplia audiencia, incluso en la forma de contar la historia.
Me gusta definirla como un cómic «avanzado», pensado para los que leen cómics a menudo y desde hace años, y que pueden agradecer un cierto tipo de lenguaje gráfico como la misma distribución de las viñetas, libre y diferente de la configuración ortogonal clásica. Aquí hay viñetas oblicuas, que se encajan una en la otra, a menudo hay partes del dibujo que desbordan para entrar en el espacio de otras viñetas, etcétera.. Soy consciente de que este tipo de composición de la pagina, junto con la gran abundancia de detalles, puede ser desconcertante para muchos lectores ocasionales hasta llegar a ser de difícil lectura. Pero, vuelvo a repetir, he pensado este comic para los que aman disfrutar del puro dibujo artístico. La lectura en este caso, de acuerdo con el guionista Ron Marz, era de segundaria relevancia.
Ron Marz decía que tu versión de Galactus es una de las grandes aportaciones de esta novela gráfica.
C.C.: Aquí aplica la misma lección que comentaba antes. Estamos enfrente de un ser enorme que yo quise representar aún más grande de su representación clásica. Exageré las proporciones, es mucho más alto de lo normal. Además, su casco, por el mismo concepto y razonamiento de la nave nodriza, tenía que estar lleno de detalles para transmitir el sentido de algo enorme. Por eso su casco se parece casi una nave espacial de Star Wars (risas) Se nota mejor cuando está primer plano.
Yo creo que esto es importante porque en el momento en el que conviertes a Galactus en alguien que cualquier superhéroe puede tumbar de un puñetazo ya pierde la gracia…
C.C.: Exacto. Además me gustaba presentar a Galactus casi sin expresión facial. Él, siendo un ser superior y alienígena, tiene que ser impasible, su espectro facial no tiene que mostrar emociones.. ahí está la gracia. Si expresara muchas emociones como un ser humano dejaría de ser Galactus. En los cómics se le ha visto en unas ocasiones enfadado, pero para mí en esos momentos perdía su carisma. Aquí en esta historia al final Galactus no gana, pero se lo tomará digamos que deportivamente, con dignidad. Su rostro se queda imperturbable aún delante de una derrota.
A todo esto… ¿A qué viene el cambio de título? ¿Por qué poner “La Oscuridad más Allá de las Estrellas” en lugar de “Dangerous Artifacts”?
C.C.: Por una razón muy sencilla. Ese fue el título original de la primera italiana . Y es que incluso en su día, con antelación respeto a la edición americana, ya salió una versión en blanco y negro en Italia. Por supuesto no tenía la calidad de esta edición Marvel Limited Edition, que está muy cerca de la perfección en términos editoriales( la perfección total nunca se alcanza..). Digamos que fue una versión no definitiva. De hecho, aquella edición también tenía los textos y los bocadillos diferentes de los que fueron escritos en la versión definitiva en color, Ron Marz volvió a rehacerlos todos. Pero como Panini Italia tenía ganas de publicarlo pues se hizo así, con el título » La oscuritá oltre le stelle», mientras que despues fue cambiado en «Dangerous artifacts». Aquí en España tanto Alejandro [Viturtia] y yo hemos estado de acuerdo en volver al título italiano, que nos parecía más poético y evocador.
Sí, queda más original, se distingue por ser más poético. Ya que has mencionado a Alejandro me gustaría compartir con los presentes una anécdota muy divertida.
C.C.: [Risas] Sí, sí. Fuimos juntos a la imprenta para que yo pudiera firmar las 1500 copias de la novela gráfica que ha distribuido Panini. Y puedo aseguraros que firmar 1500 copias es una locura tremenda, un trabajo muy duro… seis horas firmando. Alejandro me pasaba los tomos y yo los firmaba uno a uno sin levantar la cabeza. Una mini pausa para comer y seguir firmando.
Yo creo que la gente se imagina que un director editorial está en la oficina con el puro. Pero está bien que se sepa que el director editorial está al servicio del artista. En este caso literalmente.
C.C.: Estuvo muy bien. Yo no esperaba que me fuera a ayudar hasta este punto. Hasta la página 1500. Fue divertido pero….. he acabado odiando mi nombre..(Risas)
¿Qué más cosas trae esta edición?
C.C.: Pues además de lo comentado, me gustaría recalcar que el tamaño va a ser el más grande publicado hasta ahora. Además, la calidad del papel, que va a ser de color hueso, de color pergamino, para reproducir el efecto del mismo original. Y esto en parte es porque el papel del dibujo original ya no es blanco, se ha convertido un poco en amarillo con el paso de los años, así que para reproducir su misma pinta hemos escogido el color más similar. Lo eligió Alejandro y queda muy bien, porque además es muy grueso, lo más grueso que personalmente he visto en un comic book..!
Otras cosas más que esta edición trae son los extras, 12 páginas de contenidos, inéditos en una publicación editorial, que incluyen muchos bocetos preparatorios, varias portadas y «commissions» para coleccionistas.
En España no es muy habitual, pero en Estados Unidos sí. Es el que se usa en las Artist Editions, las ediciones más cuidadas que han salido publicadas jamás de los comics Marvel por parte de IDW. Aquí nunca se había hecho así hasta la época, pero esto es lo más parecido. ¿Siempre habíais pensado en sacarlo en blanco y negro?
C.C.: Esa fue mi idea, si. Al principio Alejandro quería publicarlo en color pero yo le pude convencer de no hacerlo. Yo entendía que hay que pensar en los gustos de la mayoría, pero yo tenía mis razones. La versión en color de los 90 no era muy buena, Joe Rosas, el colorista, hizo un buen trabajo pero algo salió mal por límites técnicos de entonces y además creo que cualquier coloración acabaría cubriendo mucho del trabajo que puse. Yo quería mostrar a los lectores lo que nadie todavía había visto de esta novela gráfica, el dibujo tal como era en los originales, con sus tintas negras imperfectas y matices de grises. Así que finalmente Panini me dio carta blanca y empezamos con Alejandro a hacer pruebas. Al final, sin embargo, decidimos que no sería solo una artist edition, (ademas por el hecho de que una verdadera artist edition debería tener el mismo tamaño que las páginas originales – como las de IDW – y esas son aún más grandes que este volumen), sino algo muy parecido, con la edición de retoques y nuevas matices de grises en digital, una versión «remasterizada».
Quería destacar otro detalle, como prueba del cuidado y del respeto que Panini ha puesto en la producción de este volumen: incluso el logo de Estela Plateada con el título en la portada es muy pequeño, discreto y no invasivo, para cubrir la ilustración menos posible.
Tenemos también a Cuervo Blanco, que es un personaje creado para la ocasión y que me comentabas que habías disfrutado usándolo en la historia.
C.C.: Para mí siempre es muy divertido crear personajes y en este caso también. En Marvel me pidieron crear esta mujer mercenaria (bounty killer) y por supuesto me dieron carta blanca. Al igual que hice con Nathan Never, me ha gustado jugar con el cabello de esta mujer, creando patrones, marcas con las que caracterizar el personaje… con NN una parte negra por debajo y una parte blanca por encima. En Cuervo Blanco hice algo parecido, pero en su caso la mancha blanca en el pelo señala a la forma estilizada de un cuervo blanco, de ahí su nombre… y es el mismo símbolo que lleva en su chaqueta.
¿Qué nivel de detalle tenía el guión de Ron Marz?
C.C.: Me dejó hacer lo que quisiera, como la mayoría de los guionistas americanos. Describen la narración como si fuera una película y dejan al dibujante interpretar este guión con libertad de expresión artística. Yo siempre suelo hacer una comparación entre el cómic y el cine. Dibujar un cómic es básicamente rodar una película con dibujos, extrapolando los fotogramas más significativos, al no haber una parte animada. Además, el dibujante es el verdadero director que decide en cuanto a luces, ángulo de disparo de la cámara, el que hace recitar a los actores, construye los fondos para crear el teatro de acción de los personajes, etc.… Esto es para hacer entender que el mismo guión en las manos de dibujantes diferentes producirá cómics diferentes, porque cada artista tiene su punto de vista, su personal enfoque para interpretar la misma narración.
También nos gustaría hablar de Nathan Never. Fue el primer proyecto de ciencia ficción de Bonelli, publicado en el año 92 aquí en España por Planeta
C.C.: Sí, fue un proyecto muy diferente de todo lo que había publicado Bonelli hasta aquel momento, nunca había experimentado un personaje de ciencia ficción. Me encargaron ser el creador gráfico de Nathan Never y de su mundo imaginario, teniendo en cuenta las directrices de los escritores literarios. Esto pasó antes de Estela Plateada, en el ’91… Este año Aleta quiso producir una nueva edición de lujo de mi primer número de NN y me involucró en el proyecto. Joseba, el editor de Aleta, me pidió que dibujara una nueva portada, en exclusiva para esta edición española, y tenía que representar al personaje y a su mundo como si fuera la primera vez, un nuevo comienzo. La idea que tenía bien clara, y que encontró la aprobación de Joseba, era que la nueva portada habría tenido que ser una reelaboración de la primera original, un homenaje. Por eso he replicado la misma situación pero actualizándola y ampliándola. He querido mantener esa mano robótica, como también estaba presente en la del año 91, probablemente el elemento que más caracteriza visualmente la portada. Pero a la vez quería hacer algo distinto, porque si no no tenía mucho sentido hacer una nueva portada que fuese solo una copia de la primera. En la versión del 91, Nathan tiene una postura dinámica mientras que en la nueva he preferido una posición un poco más estática pero, en mi opinión, mucho más iconográfica y evocadora. La tecnología y el dibujo en general digamos que tenían entonces una concepción más sencilla, pero esto se debe al hecho de que he crecido en sentido artístico y la nueva portada es mucho más compleja. Otro cambio que hice fue poner en el fondo también el palacio de la Agencia Alfa, la agencia para la cual trabaja Nathan Never, en lugar de solo edificios genéricos de la ciudad futurista. Además he querido añadir un toque más dramático con la lluvia y el relámpago, que siempre hace un cierto efecto. La noche que se rompe por la luz de un relámpago crea más atmosfera. Otra diferencia que hay que destacar es que la portada esta vez la he coloreado yo, y las elecciones del color son ahora como hubiera querido desde el principio…. no soy el responsable de esos edificios verdes de la version original [Risas].
Los títulos de Bonelli venden mucho. Cuando salió Nathan Never llegó a vender 600.000 ejemplares, que aquí parece una cifra de otra galaxia, y además que todos los canales de televisión y periódicos se hicieron eco de ello. ¿Cuánto te llevó terminar el cómic?
C.C.: Más o menos un año. En realidad me llevó mucho más acabar el de Estela Plateada y para hacer menos páginas. Pero en Italia se trabaja de distinta manera, porque estamos hablando de una colección mensual que tiene casi cien páginas cada número, entonces tienes que dibujar todo con mucha antelación para poder dibujar varios números seguidos. Se decía que había en total 1000 páginas dibujadas antes de publicarse el primer número de la serie a cargo de varios dibujantes.
Será posible que se acabe haciendo un tomo recopilatorio de las 59 portadas que hizo Claudio Castellini para la serie y publicando también las historias para la revista italiana Comic Art?
C.C.: Pues, puede ser, esta será una decisión de Aleta para el futuro. En esta revista Comic Art salieron dos historias, tituladas «Luna» y «Talia», mucho más curtidas que las de la Bonelli. Aquí en España estas no se han visto nunca y podría ser el próximo proyecto de Aleta, a ver cómo van las cosas.
En definitiva, en la época para mí fue un gran privilegio que Bonelli me eligiera como creador gráfico de Nathan Never, y hoy siento una emoción igualmente grande por el hecho de que en España vaya a salir esta edición de su primera aventura y que además sea una edición mejor que la versión italiana! Es más grande, el papel es de calidad, tiene contenidos extras, una nueva portada… Estoy muy satisfecho del trabajo de Aleta.
Se ha hablado mucho de influencias… Blade Runner, por ejemplo.
C.C.: Entre las directrices que los creadores literarios me dieron estaba la instrucción de que se asemejase un poco al protagonista de Blade Runner, Deckard. Su parecido está en el traje, tal como el abrigo que llevaba Harrison Ford. Pero en mis manos este abrigo se convirtió prácticamente en una capa, ya que por aquel entonces ya me gustaban los superhéroes. Era un abrigo-capa, para además aumentar el sentido del drama, porque siempre hay un viento que levanta un poco la capa y eso permite crear la atmósfera convirtiéndolo a él en un personaje caballeresco, pintoresco… Luego estaba Legs, que tenía que asemejarse a Sigourney Weaver, la actriz de Hollywood, y tenía que ser una figura femenina con algunos rasgos duros, con personalidad. Respecto al mundo de Nathan Never, la referencia era principalmente la tecnología del comic manga, aunque he podido aportar mi toque personal.
Y como os habíamos prometido, además de Estela Plateada y Nathan Never, también nos gustaría hablar de otro proyecto olvidado de Claudio. De hecho, éste ni siquiera se llegó a publicar en su país de origen. Hablamos de un proyecto con nada más y nada menos que Superman de protagonista.
C.C.: Este fue mi último proyecto antes de que decidiera dedicarme al mundo del coleccionismo y las comisions. Tenía que ser una historia que iba a publicarse en Superman: Confidential. Recodaréis que es una serie de Superman que salió hace cinco o seis años y en la que distintos equipos creativos contaban distintas aventuras de la historia de Superman. Lo que pasó es que mientras yo acababa mi encargo, que era de cuatro números, esta colección cerró. ¿Por qué? Pues probablemente porque en esta serie se desarrollaba el lado más humano del personaje. En pocas palabras, había muy poca acción. Y esto supongo no gustó mucho al lector norteamericano, que prefiere las narraciones donde hay lucha o enfrentamientos. Pagué el precio del poco éxito de esta serie, que indujo a DC Comics a cerrar Superman: Confidential. Tenemos una historia completa acabada pero hasta ahora no se ha publicado, aunque ya hayan hecho la inversión. Por lo que puedo entender en DC perdieron el interés por esta miniserie por la razón de que refleja las mismas características que han demostrado no gustar al público norteamericano. En esta historia casi no sale Superman, es Clark Kent muy joven, y por esa razón el título que teníamos en mente era “Superman: 21”, porque aquí tenía 21 años y acaba de llegar a Metrópolis desde Smallville en busca de un trabajo. Por primera vez se encuentra a Lois Lane y por primera vez se enfrentará a Lex Luthor. Es una persona muy diferente del Superman clásico que todo el mundo conoce, no se siente seguro de sí mismo todavía y comete muchos errores.. Él es consciente de que tiene el deber de usar sus poderes para ayudar a las personas aunque tampoco quiere asumir este papel porque no se siente a la altura. Hay un momento muy intenso en el que él , después de un gran fracaso, devuelve el traje de Superman a sus padres, y casi se niega a su misión. Solo al final se convierte en el verdadero Superman. Creo que sea una historia más para el paladar europeo que el americano. Así que quizá por eso estaría bien una edición europea. En Italia ya se está hablando algo de esto… Espero que se pueda hacer y también , quien sabe, aquí en España.
[Claudio nos enseña varias de las páginas en el proyector] ¡Cómo es posible que esto no se haya publicado! Espero que pueda publicarse aquí en los próximos años. La última vez que viniste a Metrópoli Gijón lo hicimos realidad en dos años. Espero que vuelva a pasar.
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Creo que he perdido la cuenta del número de veces que he leído «La oscuridad más allá de las estrellas», y no hace tanto que salió, pero la he dejado sobre mi mesilla de noche y acudo al tomo con frecuencia.
El dibujo es tan bueno que a estas alturas el penoso guión de Ron Marz me está empezando a parecer Shakespeare puro y duro.
Claudio si lees esto, por favor, vuelve a dibujar series, la que sea, da igual, el mundo del cómic te necesita.
Castellini es un autor que me encanta. Espero poder conseguir su Estela Plateada aquí en Argentina, y rezo a Rao porque su Superman: Confidential vea la luz.