Top ZNDC 2020 – Lo mejor del año

Antes de entrar en materia y desvelar cuales han sido las cinco mejores series de DC este 2020, hay que señalar cuales son algunas de las que se han quedado fuera del mismo, para que el análisis, la foto fija, de lo que este año ha representado DC en España quede más clara.

DEATHSTROKE

Adentrarse en la historia que Christopher Priest lleva tejiendo durante varios años es un ejercicio estimulante, un reto de lectura, que invita a revisitar todos los números previos, logrando que la experiencia sea algo profundamente gratificante. Densa, retorcida, inteligente, emocionante y profunda, sabe introducirse entre los pliegues psicológicos de Slade, sin desmerecer en ningún momento la parte más aventurera del género. Desde Zona Negativa no nos vamos a cansar de recomendar esta serie, que con sus más y sus menos, como siempre ocurre cuando un guionista se hace cargo durante tanto tiempo de un personaje, se erige como una de las series fundamentales del catálogo actual de DC en nuestro país. Una obra retadora, llena de acción, excelentes diálogos, cuidada narrativa y exigente trama, que no defrauda a quién decide darle una oportunidad. Una serie que ha logrado este año se deshacerse del estigma del baile de dibujantes, centrando su parte gráfica en las sólidas y solventes manos de Carlo Pagulayan y Fernando Pasarín, que muestran un estado de forma envidiable.

NAOMI

Hoy en día no es sencillo lanzar una nueva serie al mercado con un personaje de nueva creación. El saturado mundillo del cómic de superhéroes tiende a escupir, tras masticar de forma inmisericorde, a cualquier intento de destacar en medio de la enorme oleada de series que se publican, ya no solo la propia DC, sino Marvel y demás editoriales que trabajan el género. Y, sin embargo, Brian Michael Bendis y David F. Walker junto a Jamal Campbell, logran hacer de Naomi una de las series más interesantes de actual panorama. U trabajo que podría catalogarse como el más sólido del guionista de Superman en DC, que sorprende por la profunda caracterización de su protagonista y lo interesante de su propuesta.

Las claves de Naomi se reducen a como Bendis vuelca su propia experiencia, como padre de dos niños adoptados, en Naomi, una joven también adoptada, que necesita saber cuáles son sus orígenes que desencadenan una serie de acontecimientos que van a cambiar su anodina vida en un perdido pueblo de los Estados Unidos. Y es que Naomi es mucho más que un personaje nuevo con poderes en el Universo DC, es un trabajo sobre la identidad del ser, lo que nos define y lo que aspiramos a ser, mientras aceptamos los cambios que de forma inexorable tiene la vida. La propuesta no puede resultar más atractiva. Construida sobre las sólidas bases del género, se desmarca gracias al buen hacer de sus dos guionistas que saben aprovechar los clichés para asentar a un personaje que ha de luchar por hacerse un hueco en el apretado mundo editorial superheroico.

LIGA DE LA JUSTICIA OSCURA

La división de la Liga centrada en enfrentarse a amenazas de corte más místico se cuela entre lo mejor del año de forma inesperada, gracias al cambio de rumbo que ha ido experimentando a lo largo de sus últimos números. Por fin la serie y el grupo, han logrado tener relevancia editorial. James Tynion IV a conseguido volcar en la serie todas sus ideas alrededor de la magia, compilando a un equipo equilibrado, bien perfilado, donde se puede leer a las mejores versiones del momento de Diana y John Constantine, cosa que no se puede hacer en sus propias series. Hay folclore y leyendas en cada historia, en cada conjuro al que han de hacer frente, mientras el mismo tejido de la realidad es amenazado. La magia es impredecible, es locura, es corrosiva, es mortal.

El escritor de Nueva York se toma su tiempo, con los dibujos tanto de Álvaro Martínez Bueno como Daniel Sampere, ahondando en las relaciones de equipo, algo que le trajo aclamación crítica en su etapa al frente de Detective Comics. Vemos a una Zatanna con conflictos paternofiliales abordar su problema con Constantine, así como a Kent y Khalid conociéndose a través de sus propias experiencias o a Man-Bat y sus problemas de autoestima y crisis de identidad, con resonancias a Stevenson y su Jekyl y Mr. Hyde. Y es que si algo hace de esta serie algo distinto es precisamente las sinergias que su escritor ha logrado crear entre todos los miembros del grupo. Una serie infravalorada por muchos lectores que merece más atención y que esperamos el año que viene pueda subir puestos hasta colocarse en el top 5.

BATMAN

La serie que durante muchos tops anteriores había estado arriba gracias a la labor de Tom King, se desploma en sus números finales y con la llegada de James Tynion IV no alcanza la relevancia suficiente como para poder estar en el top 5. Para los aficionados a Batman puede resultar doloroso ver a su personaje fuera de top de 2020, pero la serie nunca a estado exenta de polémicas dado el particular estilo de King en la misma. A mayores el guionista es respetuoso con el trabajo previo, contando en esta nueva etapa a dibujantes como Guillem March o Carlo Pagulayan. El héroe trata de sobrellevar lo sucedido con Alfred como puede mientras que Lucius Fox acata el rol del mayordomo como principal apoyo logístico del héroe (y a la vez cumpliendo su función de aportar nuevo arsenal para el justiciero enmascarado), que no emocional ya que ese rol ahora es de Selina Kyle, Catwoman, que se mantiene como otra de las grandes protagonistas del título. Tynion tiene ante si el reto de saber explotar tan bien los recursos disponibles, como ya hiciera en Detective Comics, para determinar si es capaz de sacar partido al personaje en su enfoque más individual. Este 2021 llega la Guerra del Joker, el evento al que ha conducido todo el trabajo del guionista de la LJO y solo queda esperar a ver el resultado de este entre los lectores.

Y sin más preámbulos os damos paso al Top 5 de las mejores series de DC 2020.

5.- EL GREEN LANTERN / ESCUADRÓN SUICIDA

Tenemos un empate en el quinto puesto, las primeras series regulares (con permiso de Green Lantern) en las que se encuentran cara a cara dos interesantes propuestas de dos guionistas diametralmente opuestos.

En El Green Lantern, Grant Morrison continua su particular paseo por la iconografía del Green Lantern Hal Jordan, tratándolo como un policía espacial, que debe hacer frente a toda una trama galáctica en la que se esconden amenazas de todo tipo. Y es que en manos de Morrison todo se vuelve metatextual, incluso un personaje tan incrustado en la ciencia ficción.

Decir que el escoces es un escritor nada convencional no sorprende ya a nadie. Sus trabajos siempre generan controversia, se aman y odian en la misma proporción, pero resulta innegable que sus ideas son siempre frescas y revitalizadoras, por lo que su llegada a la colección generó una gran expectación. Green Lantern necesitaba de un cambio radical que se la alejara de lo que durante años se había estado leyendo para moverse por nuevos senderos que apartaran ya ese espectro emocional y mirar a las estrellas donde todavía hay muchas historias que poder contar. Y lo que empezó siendo un cambio de estatus, ha ido virando de forma drástica a todo un festival narrativo del escoces y su dibujante, Liam Sharp, que despliega todo su talento para la ciencia ficción más estrambótica.

En cuanto a la trama que hemos venido a leer, Morrison prosigue por su camino marcado, inmutable ante el resto del universo DC. El calvo de Glasgow solo se acuerda de lo que acontece en su editorial para meterse con ella. Así, continúa su interesante historia con el verde policía espacial, centrando sus esfuerzos en este inicio de temporada en construir cimientos que desencadenen en importantes argumentos para una gran obra. Un trabajo diferente, exigente, necesario y con fecha de caducidad, pero de momento disfrutemos de lo que nos esta regalando Morrison y ya tendremos tiempo para lamentar su partida el próximo mes de marzo de 2021.

La otra serie con la que debe compartir puesto Green Lantern, es la de Escuadrón Suicida, escrita por Tom Taylor, que demuestra su bien estado de forma al meter dos series en el top 5. ¿Cuál puede ser la otra?

Taylor no es un escritor que se ajuste bien a las directrices de la continuidad. Sus proyectos, alejados de esta, así lo anuncian. Su talento se despliega mejor cuando no debe verse sometido a las reglas de un universo compartido como es el Universo DC. Con su fichaje en la nueva encarnación del Escuadrón Suicida viene a demostrar que tal vez se haya juzgado muy a la ligera tal afirmación.

El escritor australiano ha manifestado en muchas ocasiones que le gusta hacer que los lectores se sientan cómodos con los personajes, que lleguen a conocerlos muy bien y cuando eso ocurre poder dar un volantazo que permita romper esa conexión con un giro absolutamente inesperado. Sin duda, dado el historial pasado de este peculiar grupo, la serie del Escuadrón Suicida es el mejor escenario para proceder de tal forma.

Junto a su fiel compañero de andaduras Bruno Redondo, Taylor llega a la serie y la analiza, estudia bien cuales son sus fortalezas, cuáles son los aspectos que funcionan y los que no, para determinar que puede romper y que debe mantener. Su fino olfato e intuición lo deja muy patente cuando aplica un drástico cambio al eliminar la monstruo más peligroso del Escuadrón Suicida, Amanda Waller, para reemplazarlo por Lok. Primer disparo en la frente.

Taylor es fiel a si mismo, tocando infinidad de temas, pero sin que por ello la historia se espese. Su trabajo es liviano, pero profundamente lleno de matices que hacen de su lectura toda una experiencia. Secundado por Bruno Redondo, la serie se encuentra en uno de sus mejores momentos creativos desde hace ya demasiado tiempo. ¿Qué diablos hacéis que no estáis ya leyéndola?

4.- DCSOS-INMORTALES

Ocurrió antes con DCSOS (2019-2020), la miniserie en la que todo se ponía en marcha de la mano de Tom Taylor(Injustice) y ha vuelto a suceder con la nueva miniserie que regresa a una Tierra poblada por zombies infectados por la Ecuación de la Antivida, en la que los héroes supervivientes la han abandonado, dejando atrás a algunos villanos que van a ver sus vidas cambiar drásticamente.

Taylor no cuenta mucho en estos trabajos, pero lo que cuenta lo hace de forma tan contundente, tan aplastante, tan brutalmente directa, que remueve de forma visceral al lector por encontrarse con una historia en la que puede pasar cualquier cosa. Y ese factor de impredecibilidad es lo que hace grande a DCSOS Inmortales. Y todo ello sin recurrir a violencia gratuita, que es lo fácil en este tipo de trabajos, sino que su carisma está escondida en las relaciones que pone en marcha entre sus protagonistas, villanos, antihéroes y héroes, obligados a colaborar si quieren poder sobrevivir.

Tanto el guionista del Escuadrón Suicida como el dibujante Karl Mostert no esconden sus enormes habilidades para jugar con los protagonistas que se debaten en sus fuegos internos, en su propia inmortalidad, lo que genera, de forma inevitable, el conflicto interno en el grupo. Hay espacio para el horror, la tragedia, la angustia, el dolor, la esperanza e incluso el amor, siendo esta obra todo un ejemplo de lo que es posible contar en tres números de forma clara y directa. Un ejercicio de concreción de manual.

3.- LA TUMBA DE BATMAN

Tener en el tercer puesto al dúo que nos dio la serie The Authority (1999), es toda una fantasía para los aficionados al Hombre murciélago. Un tándem creativo que supo sacarle partido a tan peculiares antihéroes, añadiendo un importante grado de violencia a sus historias, con dos personajes que de alguna forma recordaban a Superman y Batman. Nos referimos a Midnighter y Apolo.

Warren Ellis no repite jugada y no traslada nada del personaje de Midnighter a Batman y lo muestra más libre de traumas que en otras ocasiones, al mostrarlo de forma menos pesimista, por lo que puede parecer que estamos ante un Batman muy distinto a que últimamente ronda por el Universo DC. Además, Ellis, trae a un Batman mucho más urbano, más detective, algo que también se añora en sus series regulares en las que hace gala de algunas características especialmente salvajes para tratarse de un simple ser humano con muchos recursos financieros.

El guionista de Frecuencia Global tiene en la historia su particular interlocutor con el lector, Alfred, que le sirve como caja de resonancia en todo momento, pues lo usa para verbalizar su personal crítica a la sociedad.

Batman comienza investigando un caso, aparentemente de poca trascendencia, de alguien obsesionado con el murciélago. La trama no tiene ninguna prisa, ocupa el primer capítulo y medio. Después Gordon proporcionará una nueva investigación al detective que, curiosamente estará ligada a la anterior, desencadenando una serie de acontecimientos mucho más grandes de lo que parecían en un principio.

Bryan Hitch en su parcela es amo y señor de las escenas de acción, que parecen coreografiadas para que el dibujante pueda dejarse llevar y plasmar combates, que abundan, con resultados espectaculares. Sin duda el mejor Hitch de los últimos años. Ellis le deja hacer y escribe de tal forma que tenga sus momentos de lucimiento y desahogo para que luego no le rechinen los dientes cuando la historia necesita de un momento pausado para centrar la trama y hacer que todo tenga sentido.

Un dúo de autores de calibre. Un personaje como Batman que regresa a sus raíces más clásicas. Doce números. Una serie que se hace con el bronce en este 2020, en el que la serie regular del murciégalo no ha logrado meterse en el top 5. Es para pensarlo unos instantes.

2.- JIMMY OLSEN, EL AMIGO DE SUPERMAN

Y la medalla de plata es para una maxiserie en la que el guionista de Sex Criminals, toma el control de la vida de Jimmy Olsen, el amigo de Superman. Matt Fraction, centrado en sus proyectos más personales, no quiere perder la costumbre y se centra en Jimmy, el fotógrafo del Planet, torpón, entrañable, liante, todo corazón, que corretea en la vida de Clark Kent desde tiempo inmemorables.

Fraction no esconde en ningún momento el homenaje claro a la serie que ya protagonizó en su día, Superman´s Pal Jimmy Olsen (1954-1976), en las que el protagonista aparecía en portada en situaciones variopintas, rozando el absurdo, disfrazado de tortuga gigante o jugando a las canicas con Superman, por citar algunas.

Lo que os vais a encontrar aquí es un cómic de humor absurdo y sin complejos con multitud de tributos a esas historias, así que es mejor tener la mente abierta. También el guionista ha decidido respetar el marco actual en el que está ahora el Daily Planet, es decir, bajo la gerencia de la Doña de la Mafia Invisible, Marisol Leone, que introdujo Bendis en su etapa en Action Comics, por lo que esta serie está plenamente introducida en la continuidad actual.

La maxiserie narrada de forma muy peculiar, con historias cortas, con su entradilla, para acrecentar la sensación de estar leyendo un cómic de otra época. Un trabajo que genera incertidumbre en el lector, que puede tener un sentimiento de desafección por su indefinición, estructura y tono, alejado de otras series actuales de DC. Y, sin embargo, convence en su extraña propuesta de forma clara gracias a su fino sentido del humor y tener voz propia en un momento de tremenda uniformidad en el género.

Una serie de este tipo necesita de un dibujante acorde con lo que Fraction desea plasmar y para ello los lápices de Steve Lieber, se muestran perfectos. Un estilo de línea limpia, fina y ajustada en los detalles, con especial interés en las expresiones faciales (fundamentales para poder narrar de manera adecuada la historia), logran acrecentar la sensación de haber viajado en el tiempo cuando un encara su lectura.

Un trabajo diferente, que logra convencer de manera entusiasta a la redacción que se decantan por ella como la segunda obra más relevante del 2020.

1.- LOIS LANE

Y el primer puesto es para la reportera más importante del Daily Planet, Lois Lane, que triunfa entre la redacción gracias a un nuevo caso de investigación periodística del más alto nivel. La gestión de ser quien es en un mundo como el nuestro, hacen de esta serie un producto de compra obligada para todo lector. Uno de los personajes femeninos con más carisma del Universo DC no viste mallas ni luce ningún superpoder. Sin embargo, es toda una heroína por definición y así lo quiere dejar muy claro, Greg Rucka, que toma a Lois Lane bajo su tutela y la lanza a toda una historia de pura investigación, en la que el cuarto poder tiene mucho que decir a través de la afilada pluma de la mejor reportera de metrópolis.

La miniserie de doce entregas, que ECC reduce a seis al publicar en grapa doble, de las cuales se han publicado cuatro entregas en 2020, llegó a España con el ruido de fondo de las buenas críticas recibidas al otro lado del atlántico. Unas críticas que responden a la perfección al buen hacer del equipo creativo que se consagra cómo la mejor serie de 2020. Y lo hace de forma aplastante, ganando la medalla de oro con contundencia, con un Rucka pletórico y un Mike Perkins que sabe plasmar el tono oscuro que necesita esta trama de intriga periodística. Su estilo realista, detallado, muy persistente en la retina y con una elegante narrativa, hacen que la conjunción guion y dibujo sea perfecta tanto para el fondo como la forma de esta historia.

El mejor Rucka de sus novelas y trabajos más personales, haciéndose cargo de uno de los mejores personajes femeninos del Universo DC. Nada puede salir mal.

5.- SWEET TOOTH / JOKER SONRISA ASESINA / BATMAN: ASESINO DE SONRISAS

Triplete de Jeff Lemire para inaugurar este top 5 Black Label, en el que el guionista canadiense logra convencer de forma unánime a los redactores. Y es que Lemire goza en estos momentos de las mieles de la inspiración y con cada uno de estos trabajos (aunque uno de ellos sea de los primeros que realizó en USA, llegó en 2020 a España), junto con Question, se erige como el guionista más relevante de este 2020 en Black Label, al tener cuatro obras en el top.

SWEET TOOTH

Sweet Tooth se ha hecho esperar. 10 años desde que arrancó su publicación, 7 desde su finalización en USA, es el tiempo que ha tardado en llegar a España una de las obras más potentes del catálogo del escritor canadiense.

En esta obra, como en todas las primeras de Lemire (y en aquellas con las que siente una especial afinidad emocional) se encarga tanto del guion como del dibujo, con el color aplicado por un eficaz José Villarrubia. Un trabajo con un grupo de artistas muy limitado, que conforman una historia opresiva, dura, melancólica y contundente, que esconde en su interior todos y cada uno de los tropos, vicios y obsesiones del autor de Black Hammer, que continúa creciendo como artista en una de las obras más largas de su catálogo.

La pérdida de la inocencia, la negación de un dios todopoderoso, salvador o castigador, con espacio para la redención desde una corrupción insana y aparentemente inamovible, es lo que define a un cómic que se ancla en el eterno conflicto entre el bien y el mal que se expresa de manera directa entre las rendijas de alma de esos niños marcados por el estigma de sus deformidades animales. Un estigma que no es sino una metáfora sobre lo que es diferente y cómo reacciona la sociedad frente a eso que no comprende y no puede controlar. Una metáfora donde cabe todo y cada lector llena con su propia experiencia de vida.

Valores como la amistad, la confianza, la conciencia social y sobre todo la familia (alejada de todo tipo de convencionalismos) se oponen con marcada fuerza a la ciencia y al mantra el fin justifica los medios, para acabar por marcar un camino en el que si hay espacio para que los corazones más duros, más negros, más petrificados, acaben por romperse y dejen atrás una era glacial de abandono y desesperación. Un trabajo que se mueve entre lo clásico y la experimentación narrativa y visual, que no deja indiferente y que sin duda es una lectura imprescindible y necesaria para todo aficionado al noveno arte.

JOKER: SONRISA ASESINA

Joker Sonrisa asesina se centra en la figura de Joker como protagonista, pero vira constantemente a la de un terapeuta, un doctor, cuyo objetivo es adentrarse en el páramo mental de Joker con la intención de curarlo. Sobre esta premisa, Lemire, se centra en como Joker puede influir sobre la realidad mental de todos aquellos que se acercan a su persona con intención de elaborar un perfil psicológico fiable y perdurable de una mente que desafía a la inteligencia y a la misma locura. El guionista de Black Hammer, no duda en acercase a obras tan relevantes previas de la literatura, como El Silencio de los Corderos o películas como la caracterización de Joker en la cinta el Nolan, El Caballero Oscuro. Son fuentes a las que el lector se ve irremediablemente atraído a media que va profundizando en la obra. Su influencia es patente, pues tampoco Lemire busca esconderse en este sentido, dejando que sean el andamio sobre el que poder sustentar los primeros pasos de su historia alrededor de Joker.

La propuesta se despliega bajo el prisma del contrapunto emocional, enfrentando la visión de la muerte como algo intrínsicamente ligado a la belleza, en una desconstrucción de dichos conceptos como algo plenamente subjetivo. Un ejercicio que se ve recompensado gracias ala labor de Andrea Sorrentino que se muestra estático, limitado en composición y expresividad, pero despunta en narrativa dentro de las más que evidentes restricciones que plantea la trama escrita por Lemire. Por tanto, el dibujante acaba por ser el ideal para el proyecto, pero sin destacar en nada, algo que favorece a que el guion sea el que se muestre más descarnado y visceral, debido a lo funcional del trabajo de Sorrentino.

BATMAN: ASESINO DE SONRISAS

Cabe dejar claro que Batman: Asesino de sonrisas es una obra complementaria a Joker: Sonrisa asesina. No tiene sentido leerlo sin haberse leído la miniserie previa antes y funciona como epílogo de la miniserie de dicha miniserie. el equipo creativo vuelve a recurrir a la figura de la entidad, esa horrible entidad que atormenta a los protagonistas, en este caso de forma cultural, a través de literatura y el medio audiovisual, con la forma de un guiñol llamado Sr. Sonrisas que resulta ser la creación más diabólica del mayor antagonista del Caballero Oscuro, tanto que condiciona el origen del héroe en esta versión ideada por Lemire. La secuela espiritual de Joker: Sonrisa Asesina, se muestra como un cierre ideal a una historia en la que los autores dan su particular visión del Joker, un personaje especialmente versátil, capaz de adaptarse a la filias de los que trabajan con su perfil, sea el que sea el tono general de la historia. Lemire y Sorrentino no hacen nada nuevo adentrándose también en la psique de Batman, pues se ha hecho innumerables veces, pero es algo meritorio el saber componer una historia tan bien realizada como esta en el que la intriga que es capaz de generar acabe por atrapar de forma irremediable.

4.- EL REGRESO DEL CABALLERO OSCURO -EL CHICO DORADO

Frank Miller es todo un mito. Su figura despierta admiración entre los aficionados, y sus obras se encuentran entre las mejores del medio al que ha consagrado toda su vida. Miembro del salón de la fama Eisner, con trabajos tan sólidos como, Año uno, Ronin, Sin City o Daredevil, entre muchos, logra que cada vez que regresa a una de sus creaciones más famosas e influyentes, El Regreso del Caballero Oscuro, se despierte la expectación de los aficionados. Más si cabe si la obra resulta dibujada por Rafael Grampá.

Miller hoy no es le Miller de los ochenta. Es algo evidente que el ocaso del genio es una realidad. Sin embargo, en su interior arden los fuegos de la creatividad de tal forma que aún se producen fogonazos brillantes que dan su fruto. Uno de ellos es este especial donde es posible leer y disfrutar a un Miller que recuerda a sus mejores tiempos. El guionista de 300 retorna a su particular universo de Batman y lo hace de tal forma que este especial si se sienta como una extensión natural de la obra madre. Un trabajo centrado en los jóvenes hijos de Superman y Wonder Woman, con una Batwoman que sigue la línea de pensamiento de Batman, para hacer frente a una amenaza cósmica que empuja a Trump a la Casa Blanca. El Miller vitriólico se intuye en sus páginas y se agradece ese componente de crítica social tan característico de sus trabajos.

3.- HARLEEN

¿Quién es el autor completo que ha logrado que su primer trabajo en solitario en DC se cuele entre lo mejor del sello Black Label? Stjepan Sejic es un joven artista croata, inédito para muchos, que empezó a conocerse tras una larga etapa en Witchblade. Ha desarrollado el grueso de su carrera en títulos de Image y como portadista, siendo Sunstone su primera obra como autor completo, de temática amorosa. En DC ha realizado portadas para distintas colecciones y ya se encargó de Harley Quinn en el anual de 2014, trabajando también en Aquaman, Escuadrón Suicida, o la Liga de la Justicia Odisea, con Harleen le llega su gran oportunidad como autor completo para darse a conocer al gran público.

El dibujante disfruta de la libertad creativa que da el sello para construir un relato centrado en la torturada figura de Harleen, la psiquiatra que acabará perdida en si misma por culpa del Joker. El croata tiene claro lo que quiere contarnos con este trabajo y no es otra cosa que dar un trasfondo sólido a una de las cuestiones más débiles del origen de Harley como la desquiciada villana torturada que cae rendida a los pies de Joker. Y es que es algo que cuesta mucho comprar y que Sejic se propone narrar para deleite visual y narrativo de los lectores. Una historia que no busca cuadrar el círculo, sino que se apoya en una excelente caracterización, unos diálogos interesantes y un dibujo sobresaliente, que le han valido poder disfrutar de la medalla de bronce del sello más exclusivo de DC.

2.- UNIVERSO SANDMAN: SUEÑO

A finales de los años 80 el mundo del cómic vio llegar a las tiendas una obra destinada a convertirse en un clásico moderno por definición. Su autor, Neil Gaiman, centraba su atención en Morfeo, señor del reino del sueño, para construir un relato onírico, plagado de seres de todo tipo que lo acompañaron en su periplo a lo largo de los 65 números de los que consto la serie. En 2018 DC anunció que bajo la supervisión del propio Gaiman se pondrían en marcha nuevas series centradas en expandir el rico universo de Sandman a través del reinicio de series tan relevantes como The Dreaming, Lucifer, Book of Magic, House of Whisper y Hellblazer. Con Gaiman como ideólogo, las series son escritas por otros guionistas, que ven como su trabajo abandona el reducto del sello Vertigo (DC lo cerró en 2019) para pasar a vivir en el sello Black Label. Sueño, se cuela en este top gracias a su segunda edición, publicada en 2020.

Si se miran todas estas series de forma global, la que mejor rescata el tono de la serie madre, Sandman, es Sueño, en manos de Simon Spurrier junto a Abigail Larson y Bilquis Evely, que podría verse como una bella continuación espiritual de lo narrado por Gaiman en los años noventa. El guionista no se encorseta a los designios de la obra en la que se inspira, sino que encuentra su propio camino, logrando satisfacer a todos aquellos que conozcan bien en denso y rico universo con el que Sandman fascinó a toda una generación.

1.- QUESTION: LAS MUERTES DE VIC SAGE / WONDER WOMAN: TIERRA MUERTA

Doble empate en lo más alto de las obras de Black Label.

QUESTION: LAS MUERTES DE VIC SAGE

Question atesora cuatro importantes particularidades: La escribe Jeff Lemire (que abre y cierra este top), la dibuja Denys Cowan, la entinta el mítico Bill Sienkiewicz y recupera a personaje en su faceta más ochentera. Cuatro motivos de peso para no perder de vista este trabajo.

En su planteamiento hay algunos matices que la diferencian de lo desarrollado previamente. El tono con el que construye este primer número se arraiga con fuerza en la brutalidad y crudeza de la obra de los ochenta, con una ciudad podrida por la corrupción y un Vic Sage obsesionado por aplicar una justica especialmente contundente. Todo es áspero, duro, correoso, y así lo hace sentir el texto de Lemire a cada momento, con diálogos afilados, llenos de furia, de contundencia, con unos secundarios extraordinariamente bien definidos, como son Aristóteles Rodor y Myra Fermin, para ser el contrapunto a la marmolea actitud de Vic Sage.

La obra de Steve Ditko es ampliamente conocida. A sus más importantes creaciones, Spiderman y Dr. Extraño, se unen otras de menor perfil, como Blue Beetle, Halcón y Paloma, Shade el hombre cambiante, Creeper, entre otros, además del que nos ocupa, The Question, evolución de una creación anterior, Mr. E, con fuertes raíces en el objetivismo promulgado por Any Rand. Fueron obras nacidas al amparo de Charlton Comics, pero no gozaron de éxito tal vez debido al empacho filosófico que podía encontrarse en sus páginas en forma de largos sermones. A principio de de los años 80, DC Comics, adquirió los derechos de estos personajes y los acabaría por integrar en su propio Universo siguiendo métodos convencionales, tras desechar la propuesta de Alan Moore al respecto.

Question recupera, de esta forma, su aspecto más icónico, para convencer a la redacción del potencial que esconde cuando se apuesta por una vuelta a los orígenes. Un relato directo, crudo, brutal en muchos casos, con un Cowan más anguloso y seco que nunca y unas tintas que añaden un tono sucio al conjunto que favorece al trabajo de Lemire con el personaje. Para todos aquellos que puedan sentirse interesados por este trabajo, pueden disfrutarlo en un solo tomo que saldrá a la venta en febrero.

WONDER WOMAN: TIERRA MUERTA

Y en lo más alto aparece Wonder Woman y la propuesta de Daniel Warren Johnson, que no reniega de los conceptos básicos que definen al personaje. Al contrario de lo que se pueda esperar la obra se asienta sobre todos ellos para llevar a Diana un nuevo entorno muy alejado del que normalmente se está acostumbrado. Un clásico moderno que se erige como una historia de potente factura, de ágil lectura, pero sin que por ello se sienta apresurada, de elegante puesta en escena, que es capaz de reconciliar al lector más descreído de este tipo de obras.

Si en la primera entrega Johnson se centra en mostrar el agreste mundo en el que Diana debe vivir, con la segunda entrega (que llega a las tiendas este mismo mes) le llega el turno a profundizar en la parte más emocional de la trama. Lo curioso es que muchos cómics buscan precisamente lograr plasmar algo que despierte emociones en el lector, sin lograrlo, pero el autor de Extremity, consigue que el lector se sienta comprensivo, triunfante, enfurecido, triste y emocionalmente confundido al final, lo que no está exento de mérito.

La Diana que construye Johnson, la vemos en un solo número pasar de infinitamente esperanzadora, inspiradora, conflictiva, nostálgica y vulnerable a no depender de aspectos individuales del personaje para impulsar la historia y en su lugar permitirle tener una amplia gama de características que surgen a medida que la historia se desarrolla. La profundidad con la que Diana se presenta pocas veces se ve en su serie regular. Un trabajo redondo, que está plenamente a la altura de lo que se espera del sello en el que ha sido publicada.

Diana logra entrar con la mitad de su historia publicada en España (¿os hemos dicho que llega la segunda parte este mismo mes? en lo que ha sido uno de los éxitos editoriales del año. La expectación que la obra despertó entre los aficionados, gracias a las buenas criticas suscitadas en USA, hizo que fuera capaz de atraer, incluso, a lectores ajenos al Universo DC. Una obra que se disfruta y se descubre en cada lectura. Si quieres regalarte una obra de Black Label, de nueva producción, Wonder Woman: Tierra muerta es la apuesta segura.

5.- GOTHAM HIGH

“Los peores enemigos son los viejos amigos”, así lo dice la autora de esta obra a cargo de la Editorial Hidra, Melissa de la Cruz. La idea parece ser el hilo conductor de la misma, protagonizada por unos jóvenes Bruce, Selina y Jack (Batman, Catwoman y Joker, respectivamente).

Si algo es la autora filipina es valiente, ya no solo por la reinvención de conceptos que hace sino por hacerlo precisamente con el murciélago, buque insignia de DC. El vástago de los Wayne, en esta ocasión, es un joven asiático americano, minoría a la que pertenece la propia escritora. Esta decisión es, ante todo, un modo de reivindicar sus raíces y cultura y la importancia que tienen en la historia estadounidense. Todo ello ilustrado por Thomas Pitilli.

Lo hace, además, con una perspectiva muy acertada sobre la juventud. No se limita a la superficialidad de las interacciones, sino que va más allá, ahondando en sus problemas comunes y limitaciones, así como en aquello que en última hora les distingue. ¿En qué se parece el payaso al cruzado de la capa? ¿En qué se diferencian? ¿Por qué son distintos?

4.-WONDER WOMAN: WARBRINGER

La autora de la novela que adapta el cómic no es otra que Leigh Bardugo, escritora superventas de éxitos como la trilogía Grisha, ambientada en una Rusia distinta de lo que uno podría esperar, con la magia como componente fundamental. Elementos mágicos presentes en esta Wonder Woman: Warbringer, bien encajados en la trama, gracias a las particularidades de Themyscira o de su protagonista. Para trasladar la novela a viñetas tenemos a la veterana Louise Simonson, que se une a la dibujante y profesora de arte, Kit Seaton, lo que cierra este poderos elenco de autoras para dar forma a una historia de Wonder Woman distinta.

Es muy interesante el tratamiento y la renovación que se hace de Themyscira, resulta fascinante no solo para el seguidor de la amazona sino también para cualquiera que le guste descubrir mundos imaginarios con leyes, costumbres y maravillas propias.

Imaginativa, reivindicativa, perspicaz, con protagonistas fuertes y reales, una mirada respetuosa y distinta a la Mujer Maravilla que brilla en esta novela gráfica. Wonder Woman: Warbringer es una historia sobre el nacimiento de la mayor de las heroínas de DC, sobre como Diana supera sus inseguridades y deja asomar la fuerza interior que posee para tratar de hacer siempre lo correcto, aunque no sea lo más sencillo ni convenga a sus intereses. Un desafío a las costumbres y leyes establecidas que no siempre se dan de la mano con el sentido común. También es patente la esencia de la juventud y su asombro al descubrir emociones y situaciones nuevas o algunas de las dudas propias de la adolescencia. Una moderna reinvención de Wonder Woman y de los mitos griegos.

3.- HOLA, LIGA DE LA JUSTICIA

Los superhéroes son versátiles por concepto. Su éxito se ha explicado desde diversos puntos de vista, desde análisis filosóficos, culturales, sociales…, pero la verdad es que tal vez sea esa plasticidad, esa capacidad para poder elevarse por encima de su propia figura y poder reducirse a una única esencia vital, con todo un infinito abanico de posibilidades entremedio, lo que haga de ellos algo tas fascinante. Y es justamente una de esas interpretaciones a lo básico, lo que hace del trabajo desarrollado por Michael Northrop y Gustavo Duarte resulte tan fresco y divertido.

La historia no puede ser más simpática que la de ir recorriendo la vida de cada uno de los miembros de la Liga con pequeños relatos que confluyen al final y que permiten no dejar de sonreír desde la primera la última página. ¿Se equivoca alguna vez Superman? ¿Cómo fue sexto cumpleaños de Diana? ¿A que huele Aquaman? Son preguntas sobre las que se sustenta este tomo y sobre los que Northrop se permite reflexionar siempre desde la premisa humorística.

En resumen, un trabajo fresco, sincero, directo y que entra por los ojos y se disfruta de manera adictiva de principio a fin. Hay diversión, hay aventura y la representación de los protagonistas no podría ser más acertada. Todo un cómic para que los pequeños lectores empiecen en esto de leer noveno arte.

2.- TITANES: RAVEN

La eternamente adolescente Raven recibe un tratamiento tanto respetuoso como vigorizante que nos deja con ganas de más trabajos conjuntos de Kami Garcia y Gabriel Picolo con los colores de David Calderon.

Kami Garcia es una de las autoras más importantes de la literatura juvenil en Estados Unidos. Co-escritora junto a Margaret Stohl de la saga Hermosas Criaturas y escritora de las novelas de Legión, Stohl y ella también fueron co-fundadoras del YALLFEST, quien se ha convertido en esta última década en el festival de literatura juvenil más importante en Estados Unidos. Pero a diferencia de su compañera, quien ya hace algunos años que dio el salto al mundo de los cómics en Marvel, esta es el primer cómic de autora estadounidense. Además de dos obras en DC Ink y una tercera para el próximo año.

Más allá de una nueva ambientación o de personajes originales de la novela como Max, uno puede reconocer perfectamente a Raven y su historia clásica en Teen Titans: Raven. El personaje quizás tenga el problema de estar anclada por DC Comics a la formación clásica de los Nuevos Jóvenes Titanes, convirtiéndola en alguien fosilizada en un estado de adolescencia semi-perpetua, debido a la gran popularidad del personaje entre el público de dicha franja de edad. Una adolescente que encarna los cambios propios de esa edad a través de la metáfora interna de sus poderes latentes. Una manifestación agresiva que la hace debatirse entre lo que quiere ser y lo que en realidad es.

1.- HARLEY QUINN: CRISTALES ROTOS

La obra dedicada a Harley se adscribe a un lector o lectora de 13 años en adelante, por enfoque, temática y tono aplicado en una revisión del origen de este popular personaje, que retrocede hasta los quince años en manos de Mariko Tamaki. Todo empieza para Harley con viaje a Gotham para ir a vivir con su abuela, apenas sin tener nada en los bolsillos, para ver como su vida está destinada cambiar con la llegada a la gran ciudad. Su infancia ha sido dura, lo que ha forjado en ella un carácter fuerte, excéntrico y rebelde, pero también cargado de ingenuidad, al que le queda mucho por aprender de la vida de la mano de unas drags queen, y de una en particular, a la que llaman Mamá, y su nueva amiga en el colegio, Ivy.

Con esta premisa Tamaki se enfrenta de lleno al reto que implica escribir a Harley, un personaje que muchos empiezan ya a ver sobreexplotado por la editorial, pero que esconde matices ocultos que continúan siendo capaces de deslumbrar si quien la escribe entiende bien que hay detrás de esa fachada de arlequín jovial que proyecta. Todo ello gracias también al increíble trabajo realizado por Steve Pugh en todo el apartado gráfico, desde los lápices hasta los colores.

La escritora de Laura Dean me ha vuelto a dejar, usa los recursos más manidos, los clichés más explotados, para construir su historia y profundizar en un origen fresco y ágil, que se centra en reforzar los matices que van perfilando la forma de ser de Harley. Al final se trata de contar una historia de maduración y de autodescubrimiento, agregando los elementos típicos del Universo DC, pero vistos desde una perspectiva nueva. Tamaki desarrolla una trama cargada de emociones, de sentimientos, de escenas en las que los personajes no se avergüenzan de sentir y de expresar lo que sienten. Son cercanos, son humanos, ríen, lloran, sufren y disfrutan de la vida, sin rendirse, sin dejar de luchar, pues al final a eso se reduce la existencia de todos y cada uno de ellos.

Un éxito rotundo entre los redactores. Un éxito rotundo en los últimos premiso Eisner y un éxito rotundo para Hidra al publicarla en nuestro país. Una obra absorbente, escrita con una enorme delicadeza que convence a todo tipo de lectores.