Entrevista a Salvador Larroca

Entrevista realizada por Koldo Azpitarte y publicada anteriormente en Newsarama

La quinta edición del Salón del Cómic de Getxo celebrada del 1 al 3 de Diciembre, ha conseguido reunir a 17.000 personas (un crecimiento del 13% con respecto a la pasada edición), contando con 65 stands que acogían desde librerías espacializadas a asociaciones culturales relacionadas con la ilustración y la historieta.
Entre los invitados de este año había gente como Salvador Larroca, Phil Jiménez, Victor Mora, Juan Jiménez, Jesús Saiz, David lópez, Javi Pina, Manél Fontdevilla, Albert Monteys Javier de Isusi, Paco Roca, Sandra Uve, David Rubín … que hicieron las delicias de sus fans en largas sesiones de firmas.

Uno de los momentos más destacados del Salón vino de manos de la presentación de Newuniversal, el último trabajo del reconocido ilustrador Salvador Larroca. La presentación de la serie contó con el permiso expreso de Marvel, quien brindó a la organización material de reproducción para poder complementar el acto con diversas imágenes de la serie.

El autor valenciano, contaba además con una importante exposición de más de 50 originales en los que se cubría la totalidad de su carrera desde sus inicios en la revista S.O.S hasta las páginas más recientes de su actual serie. El texto que viene a continuación es una entrevista con Salvador Larroca con motivo de dicha presentación oficial de la serie y que ha sido traducida para su publicación en Newsarama (reforzando la dimensión internacional de la presentación de este modo). Como amigo y antiguo colaborador de esta página web, es un placer poder presentaros la “versión original” de la entrevista.

NEWUNIVERSAL Y NEW LARROCA

En el Salón del Comic de Getxo te dedican una amplia exposición retrospectiva de más de 40 originales. ¿Qué se siente viendo tus trabajos más antiguos ( Deaths Head y demás) junto a tus últimas páginas para Newuniversal?

La verdad es que un poco de vergüenza. Ha pasado tanto tiempo que ya no me reconozco como el autor de las mismas. Algunas son trabajos muy primerizos y creo que no tiene mucho que ver con mi trabajo actual. Lo único positivo que veo en ellas es que dan una idea de lo mucho que he evolucionado como autor.

¿Eras consciente de la influencia de algunos autores como Art Adams o Jim lee en tus inicios?

Si, claro. Siempre he sabido qué autores me influian. Desde que comencé a dibujar hasta ahora, siempre ha habido dibujantes a los que admiraba y hasta imitaba. El Jim Lee de Alpha Flight y Punisher no tiene mucho que ver con el actual y eso que estamos hablando de uno de los autores más influyentes de los 90. Hay muchos grandes artistas que comenzaron imitando a sus maestros para acabar desarrollando su propio estilo. Lleva bastante tiempo desarrollar un estilo propio y eso es lo difícil. Imitar a otro autor es sencillo. Asimilar sus virtudes y lograr que tu estilo prevalezca y se vaya definiendo es lo difícil.

¿Cuándo empezaste a sentirte a gusto con tu estilo de dibujo?

A decir verdad eso aun no ha ocurrido. Yo he pasado de imitar a autores como Corben, Manara o Juan Jiménez ( que son quizá mis mayores influencias aunque no sean tan evidentes) a luego ir asimilando estilos más americanos como el de Jim Lee o Joe Madureira. Aun así, todavía veo en mis naves más influencias de Jiménez que de cualquier otro autor.

Eres arquitecto técnico de profesión. ¿Ha ayudado de algún modo este hecho en tu posterior carrera como dibujante?

No se hasta que punto. Ya de estudiante era famoso por mis perspectivas y alzados pero no se si me hice dibujante porque era eso lo que mejor se me daba o si he cuidado mucho en mis comics los fondos porque sabía que los podía hacer bien gracias a la formación recibida.

¿Crees que es importante que el cómic tenga una ambientación creíble?

Creo que es fundamental. Un retratista hace retratos y un paisajista sólo hace paisajes pero un dibujante de cómics debe cuidar la anatomía, los rostros y también los fondos, tanto los objetos como los paisajes. Para contar una historia hay que situar primero al personaje. Hay quien me ha criticado que meto demasiadas cosas en los fondos pero necesito situar la historia. Si tienes un stablishing shot en la primera viñeta, luego lo puedes evitar pero al menos en un inicio es necesario.

¿De donde sacas tus referencias?

Yo soy dibujante las 24 horas del día aunque sólo dibuje la mitad de ellas. Si voy al cine y veo una ambientación interesante, un buen diseño de producción, aunque la película sea muy mala, yo tomo nota de los detalles que me interesan.

Ya en Xtreme X Men fuiste pionero en la reproducción directa de tus lápices sin entintado. ¿Qué te llevó a tomar esa decisión y que opinas del resultado?

Fue algo casual. Hicimos la portada para el catálogo y como íbamos mal de tiempo, no pudieron conseguir un entintador, por lo que me pidieron que la dibujara lo más detallada posible para que fuera reproducida directamente. A Aron ( el dueño de Liquid!) le debió gustar y la coloreó de un modo muy elaborado. Al editor le gustó tanto que me preguntó si me veía capaz de hacer un comic book al mes con un acabado similar para ser reproducido a lápiz. Yo que siempre me había visto con problemas con los entintadores (no por ellos, sino porque no me terminaba de gustar como quedaban algunas cosas tras la tinta) , incluso con los que respetaban mucho mis lápices, vi en aquello una oportunidad de conseguir resultados más acordes con mi visión del cómic.
Mis entintadores en los últimos años han sido muy buenos pero siempre me ha quedado la sensación de que el que mejor interpreta mis dibujos soy yo mismo, quizá porque mi sensibilidad es más europea, más de autor. Extreme no quedó muy bien porque mis lápices no estaban suficientemente bien reproducidos y a veces los comía el color. Eso es algo que si algún día me dejan, lo corregiré porque creo que sigue siendo uno de mis mejores trabajos y quiero verlo bien publicado.

Este experimento, por muy fallido que fuera, abrió las puertas para que otros autores siguieran experimentando con la técnica y por ello ahora he vuelto a retomar el tema, acabando yo mis dibujos con tinta y diversos efectos digitales.

En Xtreme X Men, tu estilo de dibujo cambió hacia un registro más realista. ¿Tuvo algo que ver el que acabaras tu tus propios dibujos?

Si, sin duda. Está claro que si uno pone varias rayitas en su dibujo a lápiz, el entintador rara vez las respeta y tienes que asegurar el resultado eliminando detalles superfluos que distraigan al entintador. Con el lápiz podía permitirme elaborar grados de grises y controlaba el resultado final más fielmente. Del mismo modo, ahora que he comenzado a meclar el acabado a lápiz, con la tinta y lso efectos digitales, mi dibujo ha cambiado de nuevo porque se ha abierto un abanico de posibilidades gráficas nuevas que antes no estaban a mi alcance.

Eres uno de los dibujantes que más ha trabajado con Chris Claremont, cuya etapa en los X Men junto a Byrne está entre tus tebeos favoritos. ¿Te motivó esto a la hora de cambiar de registro gráfico en Xtreme?

Trabajar con Chris ha sido uno de los mayores honores en toda mi carrera. Cuando comencé a colaborar con él en Fantastic Four para mi fue como si pasara de segunda a primera división y cuando comenzamos a colaborar en los X Men fue un autentico sueño hecho realidad. Esa buena relación profesional derivó en una gran amistad que aun me une a él pese a que en este momento no colaboremos juntos. Seguimos en contacto y espero que volvamos a trabajar juntos en el futuro.

¿Cómo surgió la posibilidad de aplicar esas nuevas técnicas al final de tu etapa actual en los X Men?

Yo tuve una conversación con Joe Quesada en la que le confesaba que estaba un poco cansado de dibujar siempre los X Men de la misma manera y cómo yo pensaba que me vendría bien un cambio de algún tipo para poder acceder a otros proyectos diferentes. Quería que a los guionista les apeteciese colaborar conmigo y me llegaran guiones más interesantes de lo que hasta entonces me había llegado. Joe me apoyó al 100% y me dijo que en esta industria, los lectores se acostumbrar fácilmente a un dibujante que aparece puntualmente todos los meses en su comic y que sin duda un pequeño cambio de registro me beneficiaría en mi carrera. Con el beneplácito del jefe, la cosa fue mucho más fácil.

Mi buen amigo Pascual Ferry estaba por aquella época investigando e innovando con un entintado digital acabado con grises con el que estaba logrando unos resultados espectaculares en Adam Strange y como además de amigo es un tipo generoso, compartió conmigo algunos de los secretos tras la técnica empleada. Otro dibujante y buen amigo, Paco Roca, fue quien me enseño los rudimentos del Photoshop e hizo que en tiempo record estuviera ya consiguiendo grandes avances. No he querido prescindir del toque “organico” que supone el usar el pincel pero ahora la mayor parte del trabajo es con el ordenador, que tiene la gran ventaja de poder corregir cualquier error sin que quede ni rastro.

En la historia de Stan Lee meets Dr. Doom, no solo metes grises sino que te animas con el color. ¿Era la primera vez que usabas el Photoshop en tu trabajo?. ¿Te costó dominarlo?

El deadline era de 7-8 meses en los que seguía dibujando los X Men. Coincidió que en esa época los guiones me llegaban con grandes retrasos por lo que contaba con bastante tiempo libre. El guión de Stan era muy divertido y me puse a dibujarlo con gran ilusión. Como me seguía sobrando tiempo, les propuse entintarlo yo mismo con el nuevo acabado digital y aceptaron y como me seguía sobrando tiempo, les propuse colorearlo. De este modo conseguí aprender a manejar todos los recursos del programa y que se transformara en una de las obras más personales de mi carrera … ¡junto al creador del Universo Marvel!.

Siempre has dicho que los X Men son tus personajes favoritos. Tras cinco años trabajando con los mutantes, ¿sentías que necesitabas un cambio de aires?

Por una parte, yo era consciente de que en los X Men comenzaba a ser un autor poco novedoso. Tampoco había logrado contar ninguna historia que me pareciese relevante y estaba algo decepcionado. Marvel planeaba un cierto relanzamiento y creí que era un buen momento para cambiar de aires.

Joe Quesada me apoyó mucho con el cambio de estilo y cuando vio los resultados me dijo que le habían gustado mucho. Parece que también gustó a otra gente y eso fue un factor fundamental a la hora de pensar en mi como dibujante de Newuniversal. No se cuantas veces más seré capaz de reinventarme y en esta industria vales tanto como tu último trabajo por lo que ahora estoy muy contento pero no se hasta cuando. Hay autores que conforme envejecen dibujan peor cada vez. Yo no quiero trasformarme en una caricatura de mi mismo y por eso trato de cambiar y mejorar mi estilo continuamente. Las herramientas nuevas como el ordenador han venido para quedarse y si puedo sacra provecho de ellas bienvenidas sean. Lo que está claro es que el talento no está en ningún programa de ordenador y si no sabes lo que quieres, ningún ordenador te lo va a dar.

Cuentanos tu impresión cuando leiste el primer número de Newuniversal: ¿te gustó el guión?

El guión de Newuniversal me gusto muchísimo. Estaba claro que con Warren Ellis escribiendo la historia, había pocas posibilidades de que el guión fuese malo pero aun así me sorprendió lo visual que era el guión: podía imaginar la película de la historia en mi cabeza casi inmediatamente, por lo que dibujarla me resulto muy sencillo y divertido. Me metí mucho en la obra y comencé a dibujar muchismas horas al día.

¿ Cuantas horas dibujas al día?

Yo no me planteo el trabajo por horas sino que me marco una producción semanal. Si hay una página difícil, la compenso con otra facilita, de modo que al día puedo dibujar unas dos páginas. En un proyecto como Newuniversal eso supone 12 o 14 horas al día y a veces también trabajar los fines de semana. Cuando una obra me apasiona nadie me saca del tablero de dibujo.

Es que eso son dos jornadas laborales completas….

Si no estoy tan metido en el trabajo, suelo meter menos horas al día y hago un poco más deporte. Los primeros meses casi no salía de mi estudio. Ahora que ha habido un par de parones en la producción de la obra porque no me llegan los guiones, me puedo permitir el lujo de ir a un Salón del cómic como el de Getxo o el de Malaga de la semana pasada pero cuando estoy metido en el dibujo de una historia que me gusta, sólo mi mujer me puede sacar de la mesa de dibujo.

En el fondo eres adicto al trabajo…

Creo que sólo me pasa cuando un proyecto me ilusiona y por desgracia eso no ocurre tan a menudo.

¿Crees que los fans son conscientes del enorme trabajo que hay detrás de esta serie?

Hombre, yo creo que la parte gráfica la han podido apreciar ya en los avances que Marvel ha hecho y la respuesta ha sido bastante positiva. Incluso ha gustado a gente que confiesa no ser seguidor de mi trabajo y eso para mi ya es todo un éxito porque sobre todo aspiraba a gustar a nuevos lectores y no sólo a viejos fans. Creo que cuando lean la historia de Warren, el entusiasmo será aún mayor y se transformará en un éxito mayor si cabe. Creo que será una buena base para muchas nuevas historias y que tendrá una larga vida en las librerías en forma de tomo. Creo que es uno de los proyectos de más calidad no sólo de Marvel sino de todo el mercado y espero que los lectores sepan apreciarla como se merece.

¿Leiste las series del Nuevo Universo en su momento?

No. No las leí entonces ni las he leído ahora porque no quería que me influyesen de ningún modo. Se que hay antiguos fans del Nuevo universo que están descontentos con los cambios introducidos pero tienen que pensar que las historias clásicas siempre estarán ahí. Nosotros hemos tratado de tomarlas como base para una creación totalmente nueva y como tal deben entenderla. El principal problema que tienen los personajes es que al no ser personajes populares o asociados a ningún grupo conocido ( X Men, Spiderman, etc…) pueden parecer menos imprescindibles para el comprador medio, cuyo bolsillo siempre anda escaso pero estoy convencido que en cuanto comiencen a oír hablar del comic, irán a las tiendas a buscar su ejemplar.