ZN Series – The Walking Dead y la pequeña pantalla en Septiembre/Octubre

 

Género: Terror, suspense, drama
Creador: Frank Darabont (Cómic Robert Kirkman, Tony Moore y Charlie Adlard)
Guion: Scott M. Gimple, Angela Kang
Reparto: Andrew Lincoln, Norman Reedus, Steven Yeun, Lauren Cohan, Chandler Riggs, Danai Gurira, Melissa McBride, Scott Wilson, Chad Coleman
Producción: AMC Studios, Circle of Confusion, Darkwood Productions, Valhalla Motion Pictures
Canal: AMC (FOX España, laSexta)
País: Estados Unidos
Episodio: 4×02

 

Corría el año 2003 cuando The Walking Dead llegó para revolucionar tanto cómics como cine y televisión con sus hordas de caminantes, instaurando una moda del pasado por la que nadie habría apostado de nuevo. El enfoque sociológico con el que se abordaba el género, hasta ahora amigo del terror, encantó a aficionados y crítica, catapultando a Robert Kirkman y Tony Moore (posteriormente Charlie Adlard) al estrellato. Claro que, como manda la tradición, al tinta no tardó en tornarse celuloide.

El piloto vio la luz en la cadena AMC en Octubre del 2010, y dejando claras las señas de identidad de la serie (una asombrosa faceta técnica unida al peso sobre los personajes) consiguió convertir en zombis amantes de los zombis a nada más y nada menos que 5.3 millones de espectadores, todo gracias al talento de su showrunner Frank Darabont (Cadena Perpetua, La Milla Verde). La segunda temporada no tardó en llegar, volviendo a dinamitar los récords de audiencia para un producto como de este tipo, con sus 7.3 millones de espectadores en el primer episodio (y 9 millones en el final), siendo el más visto de serie dramática por cable de todos los tiempos.

No obstante, y de manera abrupta y sin motivos todavía esclarecidos, el artífice de todo, Frank Darabont, fue despedido a mitad de la segunda temporada por supuestas discrepancias con la cadena, siendo sustituido por Glen Mazzara (Crash, The Shield), que re-encaminó la temporada y orquestó una fantástica tercera temporada, que cómo no, volvió a fulminar sus propios récords consiguiendo casi 11 millones de espectadores. ¿Qué llevó a la cadena a darle puerta, cuando era quien alimentaba su gallina de los huevos de oro, y sustituirlo por su mano derecha, Scott M. Gimple? No tenemos la respuesta, pero sí sabemos que la serie continúa en forma y sigue siendo una referencia en el género.

No hay mejor prueba de ello que la insistencia de The Walking Dead en romper sus propios récords, cosa que ha vuelto a lograr con el estreno de su cuarta temporada cuyo primer capítulo congregó delante de los televisores estadounidenses la nada desdeñable cifra de 16.1 millones de espectadores. Por lo pronto, esto vuelve a demostrar que pese a las reticencias de los aficionados al cómic, la serie de la cadena AMC cuenta con un público muy fiel e interesado en las desventuras televisivas de Rick Grimes y el resto de sus compañeros supervivientes. Y no sólo en Estados Unidos, porque veinticuatro después de su estreno, la cuarta temporada de The Walking Dead desembarcaría en España en el canal FOX consiguiendo llamar la atención de hasta 318.000 televidentes. El anunciado spin-off de la serie parece ya inevitable a tenor de estas cifras, aún a falta de comprobar cómo evoluciona esta cuarta temporada dirigida por el showrunner Scott Gimple en la que nos han prometido personajes más al límite que nunca, más caminantes dispuestos a hacer hamburguesas con ellos y nuevas amenazas para el grupo de supervivientes comandado por Rick Grimes, Daryl Dixon y Michonne… mientras la sombra de El Gobernador se sigue mostrando terriblemente alargada.

Esta temporada contará con dieciséis episodios, con un previsible parón en diciembre después de la octava entrega para retomar la serie en 2014, capítulos en los que también colaborará Robert Kirkman como consultor y como guionista de alguno de los más destacados. ¿Es posible que esta sea, finalmente, la temporada que consiga convencer a los seguidores del cómic creado por Robert Kirkman, Tony Moore y Charlie Adlard? No son pocos los que han desistido, no encontrando en la ficción de AMC la historia, la tensión y la fidelidad suficientes al marcado tono psicológico vistos en las viñetas, contradiciendo así el sonoro éxito de esta serie que no deja de enseñar los dientes entre un gran público ávido de muertos vivientes. Por esta curiosa ambigüedad, así como otros motivos, en ZN Series hemos decidido este mes hablar de este estreno de temporada de The Walking Dead y compartir nuestras primeras impresiones sobre ella. Pero, permaneced atentos a la pantalla, porque hoy tenemos más, bastante más, de lo que hablar más allá de muertos vivientes, nos visitan los detectives e investigadores del presente y el pasado, las historias de terror y los cuentos de hadas y los superhéroes en todas las formas y tamaños.

El secreto está en la sangre, por Juan Sangrós

Walking Dead para bien, o Walking Dead para mal, pero no es otra cosa lo que esta nueva hornada de capítulos nos trae. Si hemos llegado hasta aquí es porque a la hiperbólica serie de la AMC le pasamos por alto más de lo que a cualquier otra, y eso que nosotros somos los fans críticos, portadores del inmisericorde cetro que se nos dio al leer por enésima vez el cómic original. Unas mitades de temporada insulsas en las que podríamos resumir cinco capítulos en dos líneas siendo recargados, unos descensos al caos forzados por un guión a todas luces abrupto, situaciones repetitivas una y otra vez, y una sensación constante de intento de correr al contrario por una escalera mecánica. Y pese a todo, máximo exponente de taquilla, a años luz de cualquier otra de la parrilla. Amas de casa, chavales, jubilados, todo lo que jamás pensábamos que veríamos pegados a la pantalla viendo como los no muertos comen cerebros, ahora ven como los no muertos comen cerebros. Sinceramente, no tengo la menor idea del éxito de esta serie. Lo hizo un mago, supongo. O quizás es la putrefacción carnal y social que muestra, el drama gratuito y exponencial, la dosis justa de casquería o la moda. En cualquier caso, The Walking Dead es un fenómeno socio-televisivo a estudiar. Es, irremediablemente, un producto tan insuficiente como exitoso, toma paradoja, a la par que desconcertante.

Me gustaría saber qué planes tienen en cuanto a la evolución de los protagonistas, los cuales no hacen sino crecer y crecer pero a base de vacío, varados completamente desde el segundo capítulo de la serie. Me gustaría saber, también, a donde se dirige a su vez la serie, si el Gobernador va a lanzar un gran asalto final a la expugnable fortaleza de Rick y los suyos, o si la temporada va a girar en torno al aburridísimo tema de la peste negra que nos acaban de introducir. ¿Cuántos personajes que nos importan menos que nada van a chupar minutos de pantalla? ¿Cuántas veces hace falta que nos muestren la desolación en el alma del grupo, como esa nueva pareja entre la estoica adolescente rubia y su novio que muere y ella ni se inmuta? ¿No ha llegado la hora de que maduren? Si tenemos una serie de zombies en la que los zombies no son más que atrezzo, ergo todo el peso recae en los personajes, por Dios, sí o sí hay que hacerles avanzar.

Pero no todo es malo en The Walking Dead, ni mucho menos. Sigue teniendo esos momentos brillantes, escasos y cortos, que te golpean dentro, capaces de comunicar como otras pocas series. Para muestra un botón, en este último capítulo en el que el grupo –Rick– se ve obligado a sacrificar sus preciados gorrinos en pos de atraer a los zombies y que no echen la verja de la prisión abajo. Un momento sublime en dirección y significado, que te provoca un desazón en el espinazo al ver cómo, música adecuada de fondo, el esfuerzo de meses o años se va por el retrete por una simple cuestión de imprevisible logística: los zombies. ¿Por qué no es así toda la serie? ¿Por qué los zombies no son causa y consecuencia de los acontecimientos? ¿Esta cuarta temporada se centrará más en ellos, o es sólo un señuelo al público? Son demasiadas preguntas para una serie que según sus cifras no debería levantar ninguna. Ojalá tengamos mucho Walking Dead por años, pero las posibilidades de que el globo se desinfle aumentan a cada capítulo en el que agotan su fórmula, una de por sí ya erosionada, y es que el conservar cristalizados a los personajes para que el cariño del espectador sea eterno puede salir muy pero que muy caro. Espero equivocarme en todo.

Los muertos siguen mordiendo, por Jordi T. Pardo

¿Qué podemos decir de The Walking Dead a estas alturas? Es una serie situada más allá del éxito, un auténtico fenómeno respaldado por el público, manejando números y audiencias con mucha más contundencia que propuestas del calibre de Juego de Tronos o Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D., en lo que seguramente tiene que ver mucho su fórmula más directa y sencilla. Supervivencia y zombies. En ese sentido, como producto ligero, el público perdona sus imperfecciones e irregularidades, porque esa ha sido la tónica desde sus inicios, una serie desigual con capítulos llenos de vértigo y tensión contrastando con otros en los que la excesiva autocomplacencia y el estiramiento de tramas ha rozado el ridículo. Esto ha tensado la paciencia de muchos espectadores y aficionados, pero los muertos siguen más vivos que nunca, incomprensiblemente para algunos, explotando sus responsables el filón hallado y apostando cada vez más fuerte -aunque siempre con reservas- por esta ficción televisiva. ¿Y qué encontramos en el inicio de esta cuarta temporada? Pues exactamente eso mismo, una propuesta que sigue haciendo de la irregularidad su bandera, pero que ahora ya se encuentra asentada y cuenta con un reparto de personajes ya conocidos de temporadas pasadas que empiezan a importarnos lo suficiente para implicarnos con sus desventuras.

Desde luego, visionar The Walking Dead con el cómic de Robert Kirkman, Charlie Adlard y Tony Moore bajo el brazo conduce inevitablemente a la frustración, porque la serie de televisión nunca en su transcurrir ha sido capaz de alcanzar la virulencia (y violencia) de las viñetas ni ha rozado tampoco el asfixiante y recargado perfil psicológico imprimido en el ambiente y sus personajes como sí hemos podido padecer en las historias de la colección. De hecho, sabemos que nunca llegará a acercarse a ese punto, porque AMC se contenta con la simple y llana carnicería, el ocasional gore, con alguna lograda vuelta de tuerca y el melodrama, a veces más barato, en otras ocasiones, más conseguido, pero casi siempre desaprovechado en su tono y espíritu. De esta manera, la evolución de personajes esta condenada a mostrarse errática, con sus protagonistas yendo y viniendo, una y otra vez, al mismo punto de partida y recorriendo los mismos caminos. Esto podemos apreciarlo nuevamente al principio de esta cuarta temporada, en los dos primeros episodios emitidos hasta la fecha, donde encontramos, por ejemplo, a un Rick Grimes empeñado en renunciar a su faceta de alguacil y líder de su grupo de supervivientes para volver, más pronto que tarde, a cargar su arma e intentar ordenar el caos.

De esta manera, el aspecto más destacable de la serie sigue siendo la caracterización, pero no de los supervivientes, sino de los zombies, cada vez más aterradores, con más horas de maquillaje a sus espaldas y, esperemos, mayor presencia que en temporadas anteriores en las que han sido un recurso utilizado excesivamente como deus ex machina en vez de representar las podridas reminiscencias de una ya antigua y perdida posibilidad de civilización. Los matices son siempre importantes, eso es algo que ha descuido mucho AMC en su adaptación, sea por cuestiones de presupuesto o por querer tener controlado el producto final, pero indicativo de ello han sido las recurrentes salidas del proyecto de los showrunners de anteriores temporadas. En definitiva, The Walking Dead no se ha movido un ápice, repite el esquema que le ha dado renombre, se conforma y consuela, prefiriendo dejarnos una serie con ciertos destellos, entretenida a ratos, pesada en otros, pero cuya falta de riesgo, si nadie lo remedia, acabará pasándole factura. Aunque eso podríamos afirmarlo tranquilamente de otras series pero The Walking Dead, sea en el medio que sea, es una historia demasiado acostumbrada a batir récords y cuando la racha llama a la puerta tiene la costumbre de quedarse una buena temporada. En este caso ya va por la cuarta.

ZN Seriadicta

Este mes, como decíamos al principio, los muertos vivientes no lo han devorado todo, lo que nos ha permitido poder reunir a nuestro particular grupo de supervivientes para hablarnos de otras series actualmente en emisión o con sus respectivas temporadas recientemente finalizadas. Por lo tanto, este mes en ZN Series, contamos con todo un escuadrón de redactores formado por Ivan Rivas, Enrique Ríos, Pedro Monje, Juan Sangrós, Samuel Secades, Eneko Ruíz, Jordi Molinari y Jordi T. Pardo. Las reseñas y críticas que aquí encontraréis -ninguna de ellas dedicada a Community– son sólo un pequeño reflejo del variado y vasto catálogo que actualmente podemos encontrar en la ficción televisiva pero nos sirve de excusa para hablar de esta moderna adicción tan extendida y habitual de nuestros días. ¡No cambiéis de canal!

American Horror Story Coven, por Enrique Ríos

 

Género: Terror
Creadores: Ryan Murphy y Brad Falchuk
Guion: Ryan Murphy, Brad Falchuk, Jennifer Salt, James Wong, Tim Minear, Jessica Sharzer, Douglas Petrie
Reparto: Sarah Paulson, Taissa Farmiga, Frances COnroy, Evan Peters, Lily Rabe, Emma Roberts, Denis O`Hare, Jessica Lange
Producción: Alexis Martin Woodall, Patrick McKee
Canal: FX (FOX España)
País: Estados Unidos
Episodio: 2×03

 

American Horror Story revolucionó el mundo del terror televisivo en su primera temporada con una interesante puesta escena. Sus historias eran muy atrayentes. Los personajes eran a cada cuál más sorprendente y el nivel actoral era envidiable. Su única pega seguramente sería el uso de la cámara, que mareaba más que impresionaba. En la segunda temporada se inició una nueva historia, y se repitió el resto. ¡Incluso volvieron la mayoría de los actores, si bien en papeles diferentes! ¿Cuál fue el resultado? Como punto positivo, American Horror Story Asylum partía con unos argumentos muy fuertes y con la locura como telón de fondo, algo que refuerza cualquier historia del género. La contrapartida negativa fueron las tramas, que se fueron diluyendo a medida que avanzaba la serie, de manera que los últimos episodios parecían de relleno, de tan soporíferos que fueron…

Ahora llegamos a la tercera temporada, que toma la coletilla de “Coven” y, ¿qué nos encontramos? En la nueva AHS, se repite la jugada de la segunda temporada. Se inicia una nueva historia, esta vez centrada en la brujería, con personajes muy bien elaborados que irán desarrollando una sucesión de subtramas. Con dos episodios emitidos, aún no sabemos muy bien por dónde van a ir los tiros, pero eso no importa porque por ahora lo que nos ofrecen es entretenido. ¿Da miedo? En absoluto, esta es una historia de terror light, no como sus predecesoras. Tal como han desarrollado las brujas (cada una de ellas tiene un poder natural diferente) y su contexto (viven en una escuela para jovencitas privilegiadas), sabemos que AHS no es la Patrulla X porque no aparece Lobezno. A la que Hugh Jackman haga un cameo, ya no podré decir lo mismo. En defintiva, a nivel argumental, Coven promete. Habrá que ver si consiguen una buena resolución como en la primera temporada o pierden fuelle como en la segunda.

Los actores ya es otro cantar. Algunos de ellos los vemos por tercera vez, otros por segunda, y muy pocos por primera. Los que más veces han participado en AHS, e incluso alguno de dos, repiten registros que ya habíamos visto antes y, claro, eso perjudica a la historia. Cuesta creer que la niña protagonista no sea exactamente la misma que la de la primera saga si la actriz hace exactamente lo mismo. Eso distrae. Evidentemente, ese efecto se diluirá en futuros episodios, cuando ya tengamos más presente esta temporada que el recuerdo de las anteriores.

Conclusión: American Horror Story Coven promete. No tiene la fuerza a la que estábamos acostumbrados, pero es un producto mucho más redondo y equilibrado. Si hubiesen hecho un casting mejor, incluso habría preferido Coven al debut de AHS.

Arrow, por Juan Sangrós

 

Género: Acción, superhéroes
Creadores: Greg Berlanti, Marc Guggenheim y Andrew Kreisberg
Guion: Beth Schwartz, Ben Sokolowski, Marc Guggenheim, Greg Berlanti, Wendy Mericle
Reparto: Stephen Amell, Katie Cassidy, Colin Donnell, Willa Holland, David Ramsey, Paul Blackthorne, Susanna Thompson, Emily Bett Rickards, Colton Haynes, Manu Bennett
Producción: DC Entertainment, Berlanti Productions, Warner Bros. Television
Canal: The CW (Calle 13, Antena 3)
País: Estados Unidos
Episodio: 2×03

 

Me congratula comunicar que, si todo sigue así, Arrow dejará de ser el guilty pleasure del año pasado para ser una serie de superhéroes hecha y derecha, de la que sentirse uno orgulloso. Se acabarán las justificaciones ante los amigos, las risas de la pareja y la crítica de nuestro yo interno. ¡Y eso que yo fui de los que la defendieron siempre a capa y espada! Y es que sabía que iba a mejorar, lo sabía. Esto es The CW, y no vamos a olvidarnos más de veinte minutos de un buen torso depilado haciendo gimnasia ni una deleznable conversación de adolescentes enamorados, y pese a todo… hay que ver qué bien le sienta cada capítulo a Arrow. Una serie que madura como su protagonista, y nunca mejor dicho, pues si algo nos quiere contar Arrow es el viaje de la madurez, la mejora, el dejar de ser un intento para ser un héroe –o un producto en este caso-. El fin ya no justifica los medios, Oliver Queen se ha dado cuenta, y los productores de la serie también. Si matar ya no es el camino para el encapuchado, el exceso de sello The CW para Arrow tampoco. El primero ahora evalúa situaciones y tiene muy claro qué es y qué quiere, ya como Flecha Verde, y la serie ha encontrado en este inicio de la segunda temporada su esencia como serie de superhéroes, y parece tener el Norte muy muy claro, hasta el punto de introducirnos en un mundo superhéroico coherente, al que se suman nuevos y misteriosos luchadores contra el crimen, en lo que parece ser la génesis de una comunidad superheróica en Starling City, ahí es nada.

El gran problema de Arrow sigue siendo lo nefasto de sus actuaciones, que ni siquiera se puede pasar por alto como otros tantos puntos negativos de la serie. Escenas que deberían emocionar no llegan ni a intentarlo por los rígidos rostros de los actores, pero como esto ya es una constante en la serie, no queda otra que tragar si se quiere disfrutar de lo más notable de un producto como Arrow: las escenas de acción. No hacen más que superarse (dejando de lado el final de la primera temporada, que fue legendario) en lo que parece ser el núcleo de esta nueva temporada, y entre preparación y batalla no paramos de ver un cómic de superhéroes en movimiento. Ahora bien, el Oliver Queen de Arrow sufre. Sufre mucho. No sale airoso de ningún encontronazo, sino todo lo contrario, sale prácticamente destrozado y siempre in extremis, como debería ser si te dedicas a emboscar gente en callejones. Un tiro, un muerto, y la serie deja patente la fragilidad del protagonista, aunque juega muy bien con la contrapartida de superioridad y chulería cuando Arrow tiene que demostrarlo.

Con un grupo superheróico sólido y leal, un ayudante que cada vez es más Speedy como tratante de información y el control directo de su multinacional, todo parece ir viento en popa en la vida de Oliver Queen (menos el tema madre, claro), lo necesario para dedicarse en cuerpo y alma a su misión. ¿Pero qué hay de la trama del pasado? Arrow ha jugado en dos líneas temporales desde el primer momento, el presente y el pasado en su isla del Pacífico, su formación como héroe junto con Slade Wilson, Deathstroke. Si en la primera temporada la isla era la manera de mostrarnos cómo había llegado el héroe a ser cómo es, cómo había sobrevivido, ahora hay una trama real y priori independiente de lo acontecido en el presente. Arrow nos trae una serie de superhéroes con todas las letras, aunque hay que ver cómo evoluciona, en la que la dosis de acción es de calidad y entretenida y la tensión es constante, dejándonos al final de cada capítulo, en especial el segundo, con la sensación de que esto bien merecía ser el final de una temporada. Bien por Arrow, bien por The CW y esperemos que todo marche viento en popa.

Avengers Assemble, por Pedro Monje

 

Género: Acción, ciencia ficción y superhéroes
Creadores: Fred Udell, Jeph Loeb, Man of Action
Guion: Joe Casey, Joe Kelly, Duncan Rouleau, Steven T. Seagle
Reparto: Voces: Laura Bailey, Troy Baker, Adrian Pasdar, Bumper Robinson, Roger Craig Smith, Fred Tatasciore, Travis Willingham
Producción: Marvel Television, Marvel Animation
Canal: Disney XD
País: Estados Unidos
Episodio:

 

Últimamente, los aficionados a las adaptaciones animadas de nuestros héroes favoritos no estamos de enhorabuena. Por distintos e incomprensibles motivos, Spectacular Spiderman fue cancelada para ser sustituida por Ultimate Spiderman. Luego Young Justice fue cancelada en misteriosas circunstancias para dar paso a la soporífera Beware The Batman (la cual han cancelado hoy mismo, todo sea dicho de paso). Y por último, en una plaga de estupidez en las oficinas de Marvel Entertainment (cuyo foco ha sido rastreado por expertos forenses hasta el despacho de Jeph Loeb), Avengers: The Earth Mightiest Heroes fue cancelada al término de su segunda temporada para poder lanzar Avengers Assemble. La explicación oficial incluye razonamientos absurdos y muchas palabras similares a “sinergias” o “universo cinematográfico compartido”. Sea como fuere, y para una vez que desde Marvel tenían un producto de animación a la altura de algunos de la Distinguida Competencia, decidieron sustituirlo por otro por motivos tan simples como que Ojo de Halcón no viste su traje morado de toda la vida en las películas o porque los niños que vean la serie no entenderán quienes son La Avispa y El Hombre Gigante. Man of Action (osease, el estudio que comparten de Joe Casey, Joe Kelly, Duncan Rouleau y Steven T. Seagle y donde fabrican guiones como churros en una… pues eso… churrería) fueron los guionistas elegidos para relanzar la serie en la que el equipo de los Vengadores (Iron Man, Captitán America, Hulk, Viuda Negra Hawkeye, Thor y el agente de SHIELD a partir de ahora conocido como El Halcón) deben enfrentarse a la amenaza latiente de Cráneo Rojo, MODOK, HYDRA y compañía, reciclando algunos elementos de las películas y sirviendo como calvo de cultivo de futuras adaptaciones, todo ello situado en un tiempo narrativo en el que los Vengadores no solo ya se han formado sino que les ha dado tiempo a disolverse por problemillas varios y tienen que, como manda la tradición (y sugiere el título), reunirse. Curiosamente, para calmar a los fans (o mostrando un ápice de remordimiento), hay varios momentos en los que se deja caer que comparte continuidad con AEMH, aunque también se pueden apreciar sub-argumentos que desechan esa opción. Sea como fuere, transcurridos ya doce episodios desde su estreno a finales de Mayo, podemos concluir rápidamente que esta serie carece de la chispa de la anterior y el carisma de los personajes es nulo en comparación. El número de cameos aumenta por cada capítulo, pero son muchos los detalles que impiden al espectador disfrutar del show de la misma forma natural que ocurría antes. Una pena. Pero podría ser peor…

The Big Bang Theory, por Pedro Monje

 

Género: Comedia de situación
Creadores: Chuck Lorre, Bill Prady
Guion: Chuck Lorre, Steven Molaro, Eric Kaplan, Steve Hollaed, Jim Reynolds
Reparto: Johnny Galeci, Jim Pasons, Kaley Couco, Simon Helberg, Kunal Nayynam, Sara Gilbert, Melissa Rauch, Masim Bialik, Kevin Sussman
Producción: Chuck Lorre Productions, Warner Bros. Television
Canal: CBS (TNT España, Neox)
País: Estados Unidos
Episodio: 7×05

 

Séptima temporada para Big Bang Theory, barriendo en audiencias semana tras semana pero demostrando una preocupante falta de rumbo a estas alturas. Las anteriores temporadas siempre tenían un aliciente tanto en sus personajes principales como en sus secundarios, pero por una razón u otra, todos han llegado a una situación un tanto encasquillada de la que no se vislumbra fácil salida a corto plazo. Y encima, después de haber acertado por completo en el casting con la novia de Raj del año pasado (Lucy, interpretada por Kate Micucci), los guionistas decidieron prescindir de ella a los pocos episodios, eliminando de un plumazo el último gran soplo de aire fresco de la serie. Todas las parejas, dentro de su monotonía, se encuentran en la misma situación que (salvando las distancias) Monica y Chandler al final de la séptima temporada de Friends. Su historia estaba contada y por mucho que lo intentasen (adopciones o lunas de miel mediante), el interés decayó en picado y tan solo el carisma de los actores hacia que nos desparramáramos por el suelo en cada capítulo. Algo similar ocurre en Big Bang Theory. En los últimos episodios emitidos hasta el momento (cinco), el cambio más destacable registrado ha sido el traslado laboral de Amy a la universidad de los chicos, con las situaciones esperables que esto va a generar. Pero esto no es suficiente .Los fieles siguen degustando la serie y pasándoselo en grande con las extravagancias de Sheldon y Amy, el mejor momento de la relación de Penny o Leonard y las disputas maritales del judío y de su pequeña y rubia mujer explosiva (no tanto con las del último integrante del grupo), pero ha llegado un momento en el que se requiere un terremoto emocional en la serie o mucho me temo los días de Big Bang Theory están contados (pese a lo que marquen las audiencias). La temporada pasada la serie pareció recuperar (bueno, de hecho la recuperó) la chispa perdida de las tres primeras temporadas, pero la mejoría debía plasmarse con el nuevo curso. De momento todos los episodios han sido divertidos y entretenidos (destacando la búsqueda del tesoro organizada por Raj o las referencias a Indiana Jones, que últimamente se ha puesto de moda), pero eso hace tiempo que dejó de ser suficiente. A ver qué nos tienen preparado y con qué nos sorprenden. ¿Nueva boda a la vista? ¿Seguirán deshojando la margarita mucho más tiempo?

Cómo conocí a vuestra madre, por Pedro Monje

 

Género: Comedia de situación
Creadores: Carter Bays, Craig Thomas
Guion: Carter Bays, Craig Thomas, Matthew Zinnman, Stephen Lloyd, Rachel Axler
Reparto: Josh Radnor, Jason Segel, Cobie Smulders, Neil Patrick Harris, Alyson Hannigan, Cristin Milioti
Producción: Bay & Thommas Productions, 20th Century Fox
Canal: CBS (FOX España, Neox)
País: Estados Unidos
Episodio: 9×06

 

Los espectadores de HIMYM que se quedaron en frente del televisor hasta el último segundo de la octava temporada tuvieron la suerte de conocer a la futura madre de los hijos de Ted Mosby. Pero él, el pagafanta moderno por excelencia, no lo tendrá tan fácil y tendrá que esperar todavía a que concluya la novena temporada para hacerlo. Con Robin fuera de juego definitivamente (por muchos cliffhangers o momentos de duda con los que puedan engañarnos por el camino, todos sabemos que Robin y Barney son los Ross y Rachel del siglo XXI), ha llegado la hora de centrar sus esfuerzos en la conquista definitiva, aunque solo sea para poder contarlo con pelos y señales (morbosos en algunos momentos) a sus descendientes. El espectador ha despejado las incógnitas relativas al “cuando” y al “quién”, pero falta saber la parte más esencial: “cómo”. Siempre innovando en cuanto a narrativa televisiva se refiere, los creadores de la serie han planificado la última temporada de la serie de forma que los veinticuatro capítulos (de los cuales ya se han emitido seis) de los que consta equivalgan a un mismo fin de semana (el de la boda de Robin/Barney), a través del cual (¡spoilers!) los cuatro amigos de Ted conocerán previamente a su futura mujer uno por uno, aprobando y bendiciendo la relación. Sin embargo, trascurrido el primer cuarto, el ritmo narrativo de la serie se está resintiendo con esta táctica (tan solo Lily ha conocido a “la madre”) y la jugada les está quedando alargada. No solo extraña que hayan decidido no sacar “la elegida” en todos los capítulos, sino que la ausencia de Marshall y el desfile continuo de secundarios no ayudan mucho a la hora de mantener la tensión, por lo cual tan solo nos quedan los pasajes de comedia para mantener la serie a flote hasta el siguiente descenso de esta montaña rusa emocional interminable. De la misma forma, el flashforward del primer capítulo fue muy efectivo (no al nivel del “Tenemos que volver” que nos dejó con la mandíbula en los pies) así que sorprende que no hayan querido seguir explorando por ahí. Las tramas secundarias, más que nunca, han perdido fuerza (¿de verdad hay alguien que piensa que no va a haber boda? ¿A alguien le interesa lo que les pase a Marshall y Lily?) y la sensación de deriva es palpable en algunos momentos. Remontará, no hay ninguna duda, pero cuanto antes mejor para todos.

Dexter, por Ivan Rivas

 

Género: Acción, drama, suspense
Creador: James Manos Jr.
Guion: Scott Buck, Manny Coto, Lauren Gussis, Tim Schlattmann
Reparto: Michael C. Hall, Jennifer Carpenter, David Zayas, James Remar, Desmond Harrington
Producción: John Goldwyn Productions, The Colleton Company, Clyde Phillips Productions, 801 Productions, Devilina Productions, Showtime Networks
Canal: Showtime (FOX Crime, Nitro)
País: Estados Unidos
Episodio: 8×12

 

Comparar series siempre acaba siendo un error, porque por intenciones, tono y audiencia, cada una está en un escalón distinto. Y si puede disfrutar perfectamente de series de todos los escalones.  Ya desde el comienzo Dexter dejó muy claro que no era ni pretendía ser Homeland, Breaking Bad o Perdidos. Si estaba un escalón por encima de Castle, Bones o series similares cuya trama general es más bien inexistente (más allá de saber en qué temporada acabará el chico besando a la chica en una larga espera casi o tan agónica como la de ver volar a Clark en Smallville). Dexter planteó su estrategia como capítulos casi cerrados temporada por temporada con pocos finales a modo de cliffhanger. El problema que se intuía desde el principio es que las estructuras de cada temporada empezaban a ser casi idénticas. Dexter intentando acabar con asesino en serie malo (él es bueno) y alguien rastreándole a él intentando averiguar su identidad. A veces por el camino Asesino->Dexter y otras por el Dexter->Asesino. Eso no quita, por supuesto para que algunas temporadas fueran muy superiores a la media y que aquí o allá siguiéramos teniendo momentos geniales de esos que te enganchan durante otros cuantos episodios. Tampoco tenemos que olvidarnos ahora de que Dexter fue nominada a mejor serie en los Emmy de 2008 a 2011, y su actor principal de 2008 a 2012. Tan mala no podía ser.

Ponerle un final a una historia que nunca ha pretendido tenerlo es lo más difícil, así que parece que fuera cual fuera no iba a dejar indiferente a nadie. ¿Qué era más fácil creerse a estas alturas, que Dexter acabaría siendo un tipo normal o que jamás cambiaría pese al viaje a su lado más humano que se produjo a lo largo de temporadas enteras? Esta última temporada trajo de vuelta a uno de esos elementos que hacían flaquear a Dexter Morgan…su preciosa amada rubia y homicida. La única que le entiende y le ama igualmente por ello. La serie se olvida bastante, además, de ese giro tan extraño de la séptima temporada en el que se nos hacía creer que Debra estaba enamorada sin saberlo de Dexter. Hablando de ello, el viaje de Debra en esta temporada es casi el que más acaba interesando, porque vemos que matar no es algo que una persona pueda encajar con tanta frialdad como lo hace un psicópata sin sentimientos. Aunque Dexter parece si tenerlos ¿o no? Pese a estar dentro de su cabez en cada episodio uno no acaba de conocer muy bien al protagonista. Pero eh, quizá haya de ser así.

No os engañaré, la última temporada está repleta de momentos tan forzados que resultan increíbles. Lo peor, además, es que el último episodio es el que más momentos de estos acumula. Pero también los ha habido buenos, como cuando se nos hizo creer que Dexter podría tener un sidekick. Pero quizá el último minuto de la serie sea el más complicado de analizar. ¿Concuerda con lo visto en todos los episodios anteriores? ¿Incluso con temporadas enteras? Es difícil explicarlo sin hablar de ello (algo que no quiero hacer ya que no ha concluido su emisión en España) pero sólo diré que yo me lo podría creer. Y es que lo bueno de Dexter es que nos ha hecho creer durante años que seguíamos las aventuras de una buena persona. Pero si analizamos fríamente los datos, ¿Qué tenemos? Un asesino en serie con sentimientos muy contradictorios, y que no sólo ha matado a decenas de asesinos, sino también ha matado o provocado que murieran muchos otros inocentes. Incluidos policías. Dexter no es buena persona. No es bueno. Esa parece ser la conclusión de la octava temporada. Y yo me lo puedo creer (aunque por el camino me hubiera ahorrado decenas de episodios que intentaban demostrarme lo contrario).

Hijos de la Anarquía, por Juan Sangrós

 

Género: Drama, Acción
Creadores: Kurt Sutter
Guion: Kurt Sutter, Chris Collins, Adria Lang, Kem Nunn, Roberto Patino
Reparto: Charlie Hunnam, Katey Sagal, Mar Boone Junior, Daytone Callie, Kim Coates, Tommy Flannagan, Ryan Hurs, Theo Rossi, Ron Pearlman, Jimmy Smiths
Producción: Linson the Company, Sutter Ink, Fox 21, FX Productions
Canal: FX (FOX Crime, Energy)
País: Estados Unidos
Episodio: 6×07

 

Cuando encasillamos Sons of Anarchy en el género dramático, lo hacemos con razón de ser, pues no se me ocurre una serie donde el destino sea más cruel que esta. Absolutamente todas las tragedias imaginables se conjugan para los chicos de SAMCRO y convierten sus vidas en una espiral de traiciones, muerte, arrestos y abandonos. Es tan así qu,e lo que en principio era una serie sobre las peripecias de un afable grupo de moteros traficantes de armas que bueno, se metían en sus líos, unos más gordos que otros, pero al final del día se sentaban a beber chupitos y oír Neil Young, a día de hoy se había convertido en una huida en círculos por intentar mantener ese cadáver ya frío que es el club mientras todo el mundo a su alrededor intenta destruirlos. En otras palabras: Sons of Anarchy ya no era la serie que nos enamoró, y hacía mucho tiempo. Este grupo de carismáticos moteros se habían ganado nuestro corazón a lo largo de los años, y ahora nos dolía ver cómo eran vilipendiados al extremo. ¡Sufríamos por los chicos de Charming!

Ahora, con en estos últimos tramos de la sexta temporada, parece que todo va a cambiar. Qué demonios, todo ha cambiado. De verdad de la buena. Kurt Sutter, creador de la serie, llevaba tiempo afirmado por su twitter que la serie debía volver a sus orígenes, a las escenas de cuadrilla de moteros montando, a las peleas de bar y a las acciones sin consecuencias severas. Y dicho y hecho, aunque la serie sigue poseyendo mucha más envergadura que antes, y las mil subtramas con los mil personajes siguen copando los minutos, tenemos esa sensación de libertad que tanto nos gusta, de ver a los chicos felices y peleando por lo suyo. Sons of Anarchy era una serie divertida en muchos momentos, que se había perdido a sí misma y acaba de encontrarse de manera magistral. Mismamente en el último capítulo vemos una pelea con su correspondiente persecución mientras suena un divertido y enérgico corte de Pearl Jam y nos embarga esa sensación de que los chicos malos son los buenos y nada les va a pasar, por mil balas que les rocen las orejas. Viejos y querido personajes que vuelven al club, negocios peligrosos que quedan enterrados y con ellos la tragedia extrema, nuevos y leales personajes y nuevos y tranquilos negocios lejos del dinero manchado de sangre. La veleta de Sons of Anarchy apunta en una nueva dirección muy positiva que era lo que todos los fans llevábamos esperando mucho tiempo.

El resto de la serie sigue correcta, como ha sido siempre, sin destacar en nada pero sin flaquear tampoco. Las actuaciones sí que han subido un poquito el bajo nivel que tenían, y casi ya no vemos el monocorde tono de voz de la mitad del club, sea porque han madurado como actores o porque se han fusionado más con sus personajes. Incluso el negado Charlie Hunnam, antaño nominado como uno de los peores actores en activo, parece haber ganado unas más que decentes tablas y desenvolverse muy bien en su papel de presidente del club. Una serie de la que nada se puede decir en la faceta técnica es una serie de corte estándar, de cinco raspado, para bien o para mal. Así que, a día de hoy, y si la cosa sigue así, podemos afirmar que tenemos SAMCRO para rato y del bueno, del antiguo, del drama feliz y la aventurera diversión dramática.

Homeland, por Samuel Secades

 

Género: Thriller, Drama
Creadores: Howard Gordon, Alex Gansa
Guion: Alex Gansa, Barbara Hall, Chip Johannsen, Henry Bromall, James Yoshimura, Alexander Cary
Reparto: Claire Danes, Damian Lewis, Morena Baccarin, Rupert Friend, David Harewood, Diego Klattenhoff, Jamey Sheridan, David Marciano, Navid Negahban, Jackson Pace, Morgan Saylor, Sarita Choudhury, Tracy Letts
Producción: Teakwood Lane Productions, Fox 21, Keshet Media Group, Cherry Pie Productions, Showtime Networks
Canal: Showtime (FOX España, Cuatro)
País: Estados Unidos
Episodio: 3×04

 

Desde que se estrenara en octubre de 2011 en el canal Showtime, Homeland se ha convertido en la serie más premiada de la televisión norteamericana (en los Globos de Oro y los Emmy de 2012 se llevó, entre otros, los premios a Mejor Serie Dramática, Mejor Actriz y Mejor Actor). Nació como remake de la serie israelí Prisoners of War, creada por Gideon Raff, y cuenta la historia de Nicholas Brody (Damian Lewis), soldado estadounidense que tras pasar varios años secuestrado regresa a su país convertido en héroe. Las sospechas de la agente de la CIA Carrie Mathison (Claire Danes) sobre si Brody puede haber sido captado como agente doble por los terroristas fue el epicentro de la primera temporada, con el que es quizás el season finale más tenso y espectacular que se recuerda y con un nivel que muchos consideraron imposible de mantener. Pero llegó la segunda temporada y el nivel no sólo se mantuvo, sino que subió varios peldaños, profundizando en la relación de Carrie y Brody y dando más protagonismo al enorme Mandy Patinkin como Saul Berenson, mentor de Carrie en la CIA.

Homeland juega con la paranoia de la América post 11-S y las nuevas formas de terrorismo, y lo hace tan bien que ha enganchado al mismo Barack Obama, que se considera acérrimo seguidor de la serie. Pero sobre todo juega con el espectador, poniendo una sombra de incertidumbre sobre cada personaje y sus lealtades y propósitos, siendo Damian Lewis y su inigualable cara de póker el mejor ejemplo. Pero si algo tiene Homeland de particular es la muestra de la madurez en la producción televisiva norteamericana, tratando temas tan polémicos como el terrorismo islámico desde el propio punto de vista del terrorista y criticando continuamente el modelo militar estadounidense (los tristemente famosos “daños colaterales” en los bombardeos americanos se pueden considerar el germen de la trama).

El recorrido de la tercera temporada que se emite actualmente no podía haber empezado peor, con la repentina muerte en marzo pasado de Henry Bromell, guionista y productor de la serie. Han sido frecuentes también los rumores sobre la mala relación en el rodaje de esta temporada entre Danes y Lewis. Hayan influido o no estos factores, lo que es cierto es que el comienzo de la tercera temporada no ha gustado ni a crítica ni a público, a excepción del cuarto episodio emitido hace unos días, en el que parece que vuelven los giros inesperados y las tramas interesantes pero eso sí, con un golpe de efecto que ha generado más polémica si cabe. Un motivo para la esperanza son las declaraciones de uno de los creadores de la serie, Alex Gansa, a Entertainment Weekly, en las que aclara que el ritmo diferente de este comienzo de temporada está hecho así a propósito. Según Gansa han decidido dividir la tercera temporada en varias partes diferenciadas, formando los cuatro capítulos emitidos la primera de esas partes. Aunque así fuera, uno no puede sino llevarse las manos a la cabeza con las crueles críticas que está recibiendo una de las mejores series de los últimos tiempos. Es cierto que la trama puede estar comenzando a alargarse de manera más forzada que en las temporadas anteriores, pero también lo es que una de las señas de identidad de Homeland es sorprenderte cuando menos te lo esperas.

Hulk and the Agents of S.M.A.S.H., por Pedro Monje

 

Género: Acción, ciencia ficción y superhéroes
Creadores: Paul Dini, Henry Gilroy
Guion: Paul Dini, Henry Gilroy, Eugene Son, Brandm Auman
Reparto: Fred Tatasciore, Clancy Brown, Ben Diskin Eliza Duskhu, Seth Green
Producción: Marvel Animation
Canal: Disney XD
País: Estados Unidos
Episodio: 1×12

 

En el mismo pack que Avengers Assemble o Ultimate Spiderman (y con la misma poca gracia en la gestión de los planos de cámaras como si fueran viñetas… aunque se agradece el esfuerzo) una tercera serie titulada Hulk and the Agents of S.M.A.S.H.. Las tres comparten un mismo universo, lo que quiere decir que tan pronto Spiderman hace un cameo fuera de su serie como Nick Furia pasea su parche por cualquiera de ellas o que J. Jonah Jameson aparece de fondo dando gritos a diestro y siniestro. ¿Eso vende? No sé, pero es lo que hay. En esta serie, promovida a todas luces por Jeph Loeb (que, para los despistados, recordamos que tiene el puesto de Executive Vice President, Head of Television en Marvel), los protagonistas son los personajes gamma de Marvel Comics. Porque claro, hacer una serie protagonizada por uno de los personajes menos habladores de Marvel no es fácil, a pesar del repentino incremento de locuacidad que experimenta Hulk en esta serie, así que era hora de llamar a la caballería. Red Hulk (con una camiseta que recuerda mucho a John McClane y pistolas integradas porque si), She-Hulk (Jennifer Walters pero con un trasfondo de piloto militar porque… porque si), Skaar (rodeado de un halo de misterio que deja con la intriga de ver cómo lo resuelven aquí respecto a los cómics) y un hiperactivo y metepatas Rick Jones que tarda poco en convertirse en un estilizado A-Bomb, que servirá como alivio cómico en tantas ocasiones como permita el guión. Como comentábamos antes, a base de ambigüedades y referencias rápidas consiguen hacer encajar la serie con AEMH, donde ya se presentó en su día Red Hulk (bastante distinto a esta versión, todo sea dicho de paso). El primer capítulo sienta las bases de la serie, reúne a los personajes y planta los misterios recurrentes de la primera temporada de una forma efectiva, divertida y sin caer en muchos tópicos. Cuando muchos esperábamos un producto tirando a triste, el resultado inicial es bastante prometedor. Aunque claro, estando Paul Dini de por medio se explican muchas cosas. De momento han sido ocho episodios los emitidos y en todos ellos el nivel de amenazas al que se enfrenta este particular grupete va en aumento (¡Hola, Ego, Planeta Viviente!). En definitiva, un producto por encima de lo esperado, con algunas licencias/atajos un poco molestas, pero que entretiene sin desesperar al espectador en excesivo como su compañera vengativa de la parrilla.

Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D., por Jordi T. Pardo

 

Género: Acción, ciencia ficción y superhéroes
Creadores: Joss Whedon, Jed Whedon y Maurissa Tancharoen
Guion: Maurissa Tancharoen, Jed Whedon, Jeffrey Bell, Brent Fletcher
Reparto: Clark Gregg, Ming-Na, Iain De Caestecker, Elizabeth Henstridge, Brett Dalton, Chloe Bennet
Producción: Marvel Television, ABC Studios
Canal: ABC (FOX España)
País: Estados Unidos
Episodio: 1×05

 

El debut de Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. había resultado esperanzador porque, aún en su sobriedad y su salida por la tangente con un grupo de personajes protagonista totalmente desconocido dentro del Universo Marvel, excepto, obviamente, el Agente Coulson, parecía intuirse una voluntad por crear un potente universo televisivo transplantando las sólidas raíces marvelitas a la gran pantalla. Pero, al menos para al aficionado y conocedor de las posibilidades del susodicho Universo Marvel, los siguientes contactos e impresiones no han confirmado las expectativas, con Joss Whedon limitándose a tareas de producción la propuesta hace aguas en su carisma, sus personajes no dejan huella, ni mucho menos manchan, siendo sus historias intercambiables con cualquier otra serie de temáticas procedimentales -y no acabaría siendo una comparación justa- limitando el factor superheroico hasta el punto de negarlo y quitarle cualquier dosis de fantasía o sentido de la maravilla que pudiese desprender. No obstante, también hay que tener en cuenta que todas las series de Joss Whedon han adolecido de principios harto fatigosos hasta que finalmente han logrado (si lo han hecho) despegar.

Estamos ante otro caso como The Walking Dead, porque Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D. sigue recibiendo por el momento el apoyo del gran público, seguramente más despreocupados por temas tan abstractos como la fidelidad o el espíritu canónico y menos conscientes de las posibilidades y potencial de una propuesta de este tipo. ¿Somos excesivamente inconformistas y beligerantes los aficionados al cómic? Esta una cuestión que sólo se puede responder según las expectativas de cada espectador siendo más difícil de valorar en una adaptación a la pequeña pantalla de este tipo pero, posiblemente, debamos tener en cuenta que esta serie podría no ir dirigida (o no solamente) a los aficionados al cómic.

Por lo tanto, analicemos el tema desde ese punto de vista, dejando a un lado su material de partida, ¿es una buena serie Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D.?

Desde este punto de vista, la serie de Marvel Television tampoco pasaría el test, porque aunque reconocemos estar ante un producto con una factura técnica meritoria, esta resulta excesivamente fría o aséptica, no importa si el grupo viaja a la selva de Perú a encontrar un misterioso objeto perdido o infiltrarse en unas instalaciones en Malta para desenredar el caso de turno, cuanto más intentan abarcar más cerrado parece su microcosmos y los personajes, en consecuencia, parecen acartonados y sin ningún tipo de relieve. Las tramas y argumentos no acaban de generar el interés necesario, salvo alguna escena de acción o gota de humor, el gris se acaba apoderando del ambiente, siendo sólo esas concisas, breves y veladas referencias y comentarios a la nueva condición del Agente Coulson lo que aporta algo de misterio al asunto. La cabecera tiene bastante margen de mejora pero lo que no sabemos es si hay esa voluntad por parte de la productora en convertir eso en una realidad, ni siquiera sabemos si este es un producto con las habituales virtudes ocultas de Joss Whedon o, por contra, sus intereses cinematográficos dejan de la mano de dios la evolución de esta serie. Parece haber un plan… pero cuesta tanto verlo.

El Mentalista, por Jordi Molinari

 

Género: Drama, Policíaca, Comedia
Creadores: Bruno Heller
Guion: Eoghan Mahony, Ken Woodruff, Jordan Harper, Bruno Heller, Erika Green Swafford
Reparto: Simon Baker, Robin Tunney, Tim Kang, Owain Yeoman, Amanda Righetti
Producción: Primrose Hill Productions, Warner Bros. Television
Canal: CBS (TNT España, laSexta)
País: Estados Unidos
Episodio: 6×04

 

La serie terminaba la temporada anterior con dos grandes dudas. La primera, quien sería John el Rojo de la lista de 7 nombres de Patrick Jane. La segunda, como el asesino en serie había llegado a la misma conclusión meses antes que el propio protagonista. ¿Tenía poderes como aseguraba? Eso podría ser incluso más shock que la propia revelación de la verdadera identidad de John el Rojo, porque una de las bases de la serie es que todo eso eran patrañas enmascaradas de otras habilidades puramente normales. Bajo la amenaza de nuevas muertes, Patrick con la ayuda de Teresa Lisbon tendrá que descubrir como de verdad ha hecho todas esas averiguaciones su archi-enemigo. Serie de corte muy similar a CSI o a Castle, su principal premisa/diferencia residía en la obsesión de venganza del protagonista con un misterioso asesino en serie. Con esto de fondo, los capítulos de la serie eran Patrick haciendo quedar como estúpidos a todos – malos, víctimas, compañeros de trabajo e incluso a él – para terminar hacer confesar al culpable. Cosa que al principio a pocos importaba, dado el gran carisma de Simon Baker impregna al personaje, así como unos secundarios sólidos. Y parece que la fórmula ya se está agotando, viendo el cambio de horario en la parrilla estadounidense la temporada pasada llevando un pronunciado descenso de las audiencias – siento curiosidad si hubo gente que dejó la serie al darse cuenta que no tienen la más mínima intención de liar a Patrick con Teresa, pese a tener cubierto la parte de romances y desamores con Wayne Rigsby y Grace Van Pelt -, cosa que no parece camino a remontar esta nueva temporada.

Entre esto y que parece que al fin conoceremos la identidad de John el Rojo, ¿será la última temporada? Aún no lo sabemos, pero una cosa está clara con el comienzo de esta sexta temporada: no van a estar jugando ambiguamente toda la temporada con los 7 nombres. Y parece intuirse algo más gordo, ya sea directamente o en paralelo a la trama principal. Veremos si apuestan por cerrarlo por todo lo alto y le querrán dar un final digno, o intentarán jugar una nueva baza para la serie más allá del que ha sido motor de la serie y de Patrick Jane durante el último lustro. Podría ser bueno para darle aire fresco y recuperar audiencia, pero también una jugada para intentar negar-le un final a la serie, que sólo llevaría a una peor cancelación. En cualquier caso, Bruno Heller ya está preparando su nueva serie policíaca llamada Gotham, ambientada en Gotham City y con un joven James Gordon – pero sin Batman – para la FOX. Oh, y un servidor tras visionar los primeros capítulos, sigue con su apuesta con Bret Stiles. A ver cuanto tardan en echarla por tierra.

The Newsroom, por Eneko Ruiz

 

Género: Drama, Política
Creadores: Aaron Sorkin
Guion: Aaron Sorkin, Dana Leoux, Adam R. Pearlman
Reparto: Jeff Daniels, Emily Mortimer, John Gallagher Jr., Alison Pill, Thomas Sodoski, Dev Patel, Olivia Mum, Sam Waterson
Producción: Aaron Sorkin, Scott Rudin, Alan Poul
Canal: HBO (Canal +)
País: Estados Unidos
Episodio: 2×09

 

Algunos Hombre Buenos. La Red Social. El Ala Oeste de la Casa Blanca. Sports Night. Studio 60. Moneyball. Es indudable que Aaron Sorkin es uno de los mejores guionistas, y en concreto dialoguistas, del negocio, tanto en la pantalla grande como en la pequeña, donde de verdad ha sabido flexionar su músculo fuerte. A primera vista, The Newsroom parecía un título perfecto para sus cualidades. Su enésima exploración de las bambalinas de un entorno de trabajo, en esta ocasión de un programa de noticias audiovisuales, le serviría de altavoz para hablar de temas de actualidad, así como de la situación periodística actual. Nada más y nada menos que en HBO, además, donde la libertad creativa está a la orden del día. Y, sin embargo, al final de su segundo año, no podemos evitar la sensación de que falta algo, de que está lejos de ser el proyecto perfecto que ansiábamos y que estaba llamado a ser.

La segunda temporada comenzaba con un flash-forward reminiscente de La Red Social que nos llevaba directos a la trama río de la temporada. Poco a poco, se nos iba revelando que el equipo de News Night habría de ser puesto en tela de juicio tras emitir una noticia sobre el uso de gas químico Sarín que había resultado un simple rumor.

La trama de intrigas y tapaderas gubernamentales y militares, y sus planteamientos morales y éticas, podía haber quedado como una interesante historia de El Ala Oeste, pero aquí queda desdibujada, en parte porque conocemos desde el principio su desenlace. La estrategia de utilizar el formato de noticias reales ha sido desde el primer capítulo una de las grandes virtudes (la cercanía, las ideas inteligentes del creador y las emociones que todavía despiertan, sin necesidad de una mayor explicación), pero también uno de las grandes cortapisas, dejando poco espacio para la libertad creativa y las sorpresas. El equipo de News Night nunca puede afectar demasiado un suceso como para trastocar el devenir de la noticia como ocurriera en nuestra realidad, donde la cadena no existe. La historia reciente puede ser trepidante, y le vale a Sorkin para hacer todo tipo de planteamientos y cavilaciones sobre sucesos todavía en nuestra memoria. Pero si quisiéramos un simple altavoz de su ideario, que sin duda es interesante, en un mundo donde existen Rachel Maddow o Jon Stewart (muy cercanos en su presentación a Will McAvoy), éste no es el formato adecuado.

Pero no sólo por este factor la trama del Sarin queda a medio gas (pun intended), sino también por su estructura circular; la falta de profundidad y evolución de los personajes envueltos (especialmente dañino es en el caso del nuevo Jerry Dantana, interpretado por Hamish Linklater), y los constantes cambios de ideas que Sorkin tejió ya después de comenzar el rodaje (como él mismo ha reconocido).

Por el contrario, ver a los carismáticos Jeff Daniels, Sam Waterson y Jane Fonda (en sus siempre demasiado cortas intervenciones) sigue siendo una delicia. Aún así, pese a lo clásico de su puesta en escena, no hay ni un solo personaje por el que sintamos especial afección. Este hecho es visible en los jóvenes envueltos en el triángulo (o cuadrado) amoroso, del que sale especialmente perjudicada Alison Pill. Mediante una atropellada narración que pasaba del despecho romántico a un viaje a África de donde volvía depresiva y alcohólica, Sorkin quiso dar a la actriz de Midnight in Paris una sub-trama con profundidad. Su melodrama, por desgracia, no sólo adolecía de estar manido y ser tópico (con corte de pelo pos-trauma y niño africano asesinado incluidos), sino también faltaba de una motivación y de tiempo. Pese a que sus anteriores obras nunca lo hubieran necesitado toda decisión y motivación, tanto en esta historia como en la relación de Will/MacKenzie, parece al final justificada por ese relato de amores imposibles que Sorkin parece empeñado en introducirnos por el gaznate.

La ocupada agenda de Aaron Sorkin ha llevado a HBO a no confirmar todavía una tercera temporada, y, aunque su producción parece una inevitable realidad de un modo u otro, no estamos convencidos de que el guionista tenga mucho más que contar. Sorkin tiene un producto con sobrado potencial en el interior de The Newsroom, pero por el camino debería quitarse demasiadas losas para convertirla en una serie perfecta. Con estos ingredientes, no podemos pedir nada menos.

Once Upon a Time in Wonderland, por Eneko Ruiz

 

Género: Fantasía, Drama, Aventuras
Creadores: Edward Kitsis, Adam Horowitz, Zack Estrin, Jane Espenson
Guion: Edward Kitsis, Adam Horowitz, Zack Estrin, Jane Espenson, Jan Nash
Reparto: Sophie Lowe, Michael Sacha, Peter Gadiot, Emma Rigby, Naveen Andrews, John Lithgow
Producción: ABC Studios
Canal: ABC
País: Estados Unidos
Episodio: 1×02

 

El mismo año en el que los protagonistas de Érase una vez han sido transportados a Nunca Jamás, Adam Horowitz y Edward Kitsis se han atrevido a explorar otra realidad de la mano de Once Upon a Time in Wonderland. Como género definitorio de la televisión, los spin-offs han tenido diversas formas y premisas desde los anales de la pequeña pantalla. A veces, los personajes secundarios se mudaban a otra ciudad. Otras, un invitado era presentado en un episodio con la idea del derivado ya en mente. Y en algunas, como ocurre en esta ocasión, el spin-off resulta ser más una expansión del universo que una mera continuación al uso.

Aunque deje claro desde la primera secuencia que éste es un proyecto independiente y diferente, apto para aficionados y extraños, Érase una vez en el País de las Maravillas se aprovecha de lo que ya sabemos los televidentes para ir al grano, sin dormirse en presentaciones. Más jovial, divertida e irónica, gracias a las posibilidades que concede el universo de Carroll, sólo atisbado en la serie madre, es una vez más el carisma de los personajes y sus relaciones lo que consigue enganchar a las tramas. La británica Sophie Lowe encarna a una Alicia de armas tomar que se convierte en la fémina más kick-ass de la televisión, a años luz de las cansina pareja maternofilial de Emma Swam y Mary Margaret. A su lado, se encuentra la Sota de Corazones (Michael Socha), que pone el humor, y un par de malos de libro, Emma Rigby como La Reina Roja (que no la Reina de Corazones, a la que conocimos en la serie madre) y Yafar (Naveen Andrews, de Perdidos). Todo lo que tenemos que saber de estos últimos, por el momento, es que son más malos que la tiña. Conociendo a los creadores, sin embargo, seguro que no tardamos en ver una “historia de origen” con la que comprender sus motivaciones reales. Igual de manido resulta, por desgracia, el argumento romántico que pone en funcionamiento la historia, enésima revisión del romance imposible entre personajes de dos universos, con todos los factores en su contra. Tanto la motivación amorosa como la falta de personalidad del Genio Cyrus (Peter Gadiot) se convierten en las piezas más débiles de un universo que, aún con su sobre-explotación del CGI (el croma se vuelve molesto, incluso en un mundo tan caricaturesco como éste), deseamos seguir explorando.

Las veteranas voces de John Lithgow y Keith David, por su parte, hacen brillar a los animados Conejo Blanco y el (oscuro) Gató Risón, mientras que Iggy Pop sustituye a otro eterno roquero, Roger Daltrey, como una Oruga parca en palabras. Camino al reencuentro de los enamorados, se irán cruzando el resto de habitantes de Wonderland, así como personajes ya presentados como Robin Hood y su banda.

Detrás de las cámaras, como creadores junto a los guionistas de Perdidos, están acreditados en esta aventura Zack Estrin y la musa de la ciencia-ficción y fantasía televisiva Jane Espenson, también en nómina en la serie madre. La veterana guionista tiene en su currículum libretos para Buffy, Battlestar Galáctica, Juego de Tronos y Torchwood, pero, más allá de su predilección por el género, la autora es conocida por su buena mano con la caracterización de personajes. Algo que no está ausente en estos primeros vistazos.

Once Upon a Time in Wonderland ha sido concebido como un proyecto de corto recorrido, para bien y para mal, con cada temporada narrando una historia independiente, al estilo American Horror Story. Esta libertad narrativa y autoconclusiva hace que Wonderland sea, por suerte, un monstruo muy diferente a su antecesor, exagerada, colorista y con dosis humor (como dicta la fuente original). Motivación que le ayuda a salir de la sombra de convertirse en otro mero spin-off. Tras los datos de audiencia, sin embargo, todo parece indicar que la aventura deberá conformarse con 13 únicos episodios. Algo que, si recordamos la segunda temporada de Érase una vez, ni siquiera nos importa demasiado.

Rehenes, por Ivan Rivas

 

Género: Drama, suspense
Creadores: Alon Aranya, Omri Givon y Rotem Shamir
Guion: Alon Aranya, Jeffrey Nachmanoff, Rick Eid,
Reparto: Toni Collette, Dylan McDermott, Tate Donovan
Quinn Shephard, Mateus Ward, Billy Brown, Sandrine Holt, Rhys Coiro, James Naughton
Producción: Jerry Bruckheimer Television y Warner Bros. Television
Canal: CBS (TNT España)
País: Estados Unidos
Episodio: 1×03

 

Desde que Dylan McDermott acumulara buenas críticas y más de un premio (incluyendo un Globo de Oro) por El Abogado, siempre pensé que ese tipo, con esa planta y esa mandíbula cuadrada estaba llamado a darnos muchas alegrías. Incluso pensé, iluso de mi, que ese señor quedaría genial para interpretando a un superhéroe tipo Batman o Daredevil. Sin embargo su carrera tomó derroteros muy distintos, no terminando de despegar su vertiente cinematográfica y participando en series olvidables y olvidadas. Podría decirse que con Dark Blue su carrera empezó a volver a su cauce, lo que se confirmaría poco después con American Horror Story. Efectivamente, siguen sin ser series de primer nivel, pero al menos el actor está en la parrilla y puede estar presente cuando se den sorpresas como la de la citada serie de terror, con muy buen seguimiento en su primera temporada y que ya va por la tercera. Y ahora llega Rehenes (Hostages), que supone prácticamente un pulso, mano a mano, con Toni Collete (El sexto sentido, Pequeña Miss Sunshine). ¿De qué va? Nos ponemos en situación. McDermott es Duncan Carlisle, un agente del FBI implicado en un complot para asesinar al presidente de los Estados Unidos. El plan en principio no parece muy complicado. Dado que el presidente tiene que operarse de un pequeño tumor, Carlisle y un equipo formado por él entran la noche anterior a la operación en casa de la Dra. Ellen Sanders (Collete) y la retienen a ella y a su familia. Su exigencia es sólo una: o mata al Presidente en el quirófano o matan a su familia.
Lo que en principio parece que se resolverá rápido, evidentemente se acaba complicando cuando la Dra. empieza a actuar por su cuenta, poniendo en riesgo a su familia y enfadando a los promotores de la conspiración. Lo bueno de la trama es que coloca al espectador en esa situación tan incómoda de no saber con quién ir o a quién apoyar. Ni el agente está tan podrido ni la doctora y su familia son tan perfectos. Rehenes es una serie entretenida, con algún giro de guión bastante forzado pero que en general se deja ver sin mayor problema. Las interpretaciones son dignas y la dirección también, es una de esas series que se pueden ver relajado en el sofá y que no requieren del espectador mucha implicación. Vamos, de esas series tan necesarias como las de mayor nivel. Y si además uno es fan de McDermott, poco más se puede pedir. Seguiremos atentos a ver cómo evoluciona la trama.

Sleepy Hollow, por Jordi T. Pardo

 

Género: Misterio, policíaco, fantástico, terror
Creadores: Alex Kurtzman, Roberto Orci, Phillip Iscove, Len Wiseman
Guion: Alex Kurtzman, Roberto Orci, Phillip Iscove, Len Wiseman
Reparto: Tom Mison, Nicoe Beharie, Orlando Jones, Katia Winter
Producción: 20th Century Fox, Sketch Films, K/O Paper Productions
Canal: FOX (FOX España)
País: Estados Unidos
Episodio: 1×05

 

Hace unos años, una propuesta como Sleepy Hollow podría habernos sorprendidos, resultarnos curiosa o incluso calificarla de bizarra, hoy aunque no viene a ser la tónica, tampoco es la excepción, las series de corte procedimental están a la orden del día arelando y echando raíces en género tan dispares como el thriller, el drama, la ciencia ficción, el fantástico o incluso en la ficción superheroica. Las estructuras con las que se manejan este tipo de series suelen tener además elementos comunes, con capítulos autoconclusivos que suelen servir a una historia más grande, la preeminencia del suspense y la intriga en sus tramas o, recurso inapelable hoy en día, un personaje tremendamente carismático y peculiar que suele centrar el interés del relato. Estas son descriptivas características a las que no escapa Sleepy Hollow, una serie de misterio, terror y fantasía, con género procedimental incluido, basado en el mítico relato de La leyenda de Sleepy Hollow de Washington Irving del que ya nos daría hace unos años en el cine su versión Tim Burton. En este caso, Ichabod Crane, se convierte en un auténtico Capitán América -referencia utilizada en la misma serie por uno de sus personajes y no sin cierta sorna- un héroe llegado desde el pasado para enfrentarse a lo desconocido y descubrir el paradero de su amada.

Los responsables de esta nueva serie del canal FOX, estrenada el pasado mes de septiembre, son unos viejos conocidos de la audiencia y de la gran pantalla, Alex Kurtzman y Roberto Orci, guionistas de las sagas Transformers, Star Trek o The Amazing Spider-man y co-creadores de éxitos como Alias y Fringe, y Len Wiseman, director de La Jungla 4.0. y la saga Underworld. En los anteriores trabajos de sus responsables ya encontramos la razón de ser de Sleepy Hollow, una serie en la que intenta convertirse en sucesora de Fringe, aunque suplantando el tono de ciencia ficción de esta por uno fantástico y relacionado con el género de terror clásico ligero.

De esta manera, Sleepy Hollow y el mítico Jinete sin Cabeza son una simple excusa, porque en base a su reinvención Alex Kurtzman, Roberto Orci y Len Wiseman nos abren un nuevo mundo en el que sus protagonistas deben enfrentarse cada jornada a una amenaza distinta -demonios, espectros, pueblos fantasmas- aunque siempre con un origen común. Dejando a un lado su curioso punto de partida, Sleepy Hollow no se atreve a salir de las directrices del género, siendo su estética uno de los puntos más destacados de su propuesta, a pesar, eso sí, de su irregularidad, más recurrentemente aprovechada en la creación de ambientes y seres sobrenaturales a los que sus responsables logran dotar de una presencia inquietante y terrorífica como Moloch o Sandman. Esto se compatibiliza con algunas imágenes realmente potentes, incluso con cierto virtuosismo en algunos planos de sus primeros capítulos y, en general, con algunos breves destellos fugaces de calidad que no consiguen, por desgracia, crear escuela y convencernos para seguir atentos a su historia aunque su reciente renovación puede beneficiarle en sus ambiciones.

Estos momentos juegan muy bien con la tensión, las amenazas resultan impactantes, pero salvo los sustos ocasionales Sleepy Hollow no consigue mantener la forma, tiende a atar cabos con excesiva facilidad, descuidando las consecuencias y la personalidad de sus protagonistas encarnados por Tom Mison y Nicole Beharie. La adaptación del primero, como «hombre fuera de su tiempo», no llega a ser analizada ni explorada en todas sus posibilidades, siendo la interpretación de Tom Mison, como buen actor de teatro, exagerada e incluso sobreactuada aunque simpática. Pero, la cuestión deriva en que al no tener unos personajes protagonistas realmente fuertes, porque su compañera Nicole Beharie en ningún momento es capaz de distanciarse del cliché, acaba todo ello repercutiendo en el interés de las tramas y argumentos de Sleepy Hollow. El resto acaba siendo algo previsible, con un producto que no acaba de decantarse entre su sobriedad, el drama sobrenatural o la parodia, pero que puede ser un alivio, más o menos recomendable, para los seguidores de cabeceras como American Horror Story o la mencionada Supernatural.

 Especial Marvel’s Agents of S.H.I.E.L.D.
 Especial Breaking Bad. Metanfetamina, sangre y lágrimas