Entrevista a Fernando Dagnino

Desde hace un par de años, el universo de Blade Runner está viviendo una nueva vida dentro de las viñetas. Titan Comics nos sorprendió con Blade Runner 2019, una excelente serie dibujada por Andrés Guinaldo que aprovechaba el universo de Phillip K. Dick y Ridley Scott para explorar nuevas historias dentro de los oscuros callejones de Los Angeles. Su éxito ha dado lugar no solo a una secuela, sino también a una nueva serie: Blade Runner Orígenes, que pretender explorar el surgimiento de los replicantes en este célebre universo. Y en España estamos de enhorabuena. No solo porque Norma Editorial esté trayéndonos todas estas obras, sino porque una vez más el universo cyberpunk de L.A. tiene acento español gracias al arte de Fernando Dagnino.

Nacido en 1973 en Madrid, este licenciado en Filología descartó rápidamente su titulación para tratar de vivir de lo que le apasionaba de verdad. Tras varios años de trabajos en la escena underground española compaginados con distintos empleos dentro del diseño gráfico y la publicidad, Dagnino dio el salto definitivo en su carrera al empezar a trabajar para DC Comics en 2008. Desde entonces lo hemos visto no solo dándole vida a la Liga de la Justicia o al Escuadrón Suicida, sino que ha podido probar en otros universos como el de Valiant o en el mercado francófono con Smart Girl, su recomendable obra como autor completo publicada en nuestro país por Panini. Blade Runner Orígenes es su último pelotazo, una serie que se acaba de estrenar en nuestro país y con motivo de la cual, gracias a nuestros amigos de Norma Editorial, hemos tenido la oportunidad de charlar un rato con él. A continuación os dejamos con la entrevista completa que nos ha concedido Fernando, al que agradecemos no solo su tiempo, sino también su amabilidad y buen rollo. Podéis encontrar también un fragmento de nuestra conversación en el Descubre + Americano de este mes publicado por Norma, disponible tanto en librerías como en su página web.

Entrevista a Fernando Dagnino

¡Buenas! Ante todo queremos agradecerte que saques tiempo para esta entrevista. Comencemos con una pregunta que creemos interesará a mucha gente: ¿cómo se pasa de filólogo a dibujante de cómics? Cuéntanos tus orígenes.

Gracias a vosotros por la entrevista. La pregunta más bien sería qué demonios hacía yo estudiando Filología.

A los cinco años les dije a mis padres que quería ser dibujante de cómics, pero eran los setenta en la España postfranquista y no me hicieron ni puto caso. Por suerte, yo tampoco les hice caso a ellos. De entre las opciones que se vislumbraban en mi gris horizonte profesional, filología parecía la menos alienante pero a la vez lo suficientemente seria como para que mis padres pensaran que esos estudios harían de mí un hombre de bien.

Así que el día que saldé mi deuda con la sociedad mi vocación por los cómics me esperaba a las puertas de la cárcel, sin Cadillac rosa, pero dispuesta a delinquir hasta conseguir vivir de ello.

Tus dos trabajos para el mercado español antes de dar el salto a USA son tres números de Tales of the black Spain, una serie de humor con influencias gráficas del underground, y Kasandra y la Rebelión de los niños, un híbrido entre cómic y novela pensado para un público juvenil, que no tienen absolutamente nada que ver ni en estilo ni en temática con toda tu producción posterior. ¿Qué nos puedes contar de ambos trabajos?

Como bien dices, son dos obras que no pueden ser más dispares.

La primera, Tales Of the Black…, publicada por La Factoría de Ideas, era una serie de cómics underground de humor negro que escribí y dibujé por las noches escabulléndome dentro de la oficina de la empresa de diseño gráfico para la que trabajaba, puesto que no tenía un ordenador por aquel entonces. Eran historias cortas muy gamberras y liberadoras que de ser publicadas hoy en día habrían sufrido sin duda algún tipo de censura o linchamiento mediático. Kasandra, por el contrario, surgió de mi colaboración con la editorial Puerto Norte Sur para los que realizaba ilustraciones de libros de texto y literatura juvenil. Les propuse una historia corta, pero se nos fue de las manos y acabó convertida en una novela gráfica de casi 200 páginas. La idea era alternar el lenguaje puramente textual para las partes más descriptivas con la narrativa visual en viñetas propia del cómic para los diálogos y escenas de acción.

La idea era buena, aunque pienso que el contenido no era del todo para un público juvenil. De cualquier manera hay ideas en ese libro que me gustaría retomar, ahora sí, para un público algo más adulto.

¿Qué crees que ha cambiado en el cómic nacional desde que apareció el primer número de Tales of the black Spain?

La serie de Tales of the Black… apareció a finales de los 90. La escena comiquera ha cambiado drásticamente. El Salón del Cómic de Barcelona era el único escaparate para las publicaciones y novedades en aquel entonces, y aunque Pacheco, Larroca, Juan Díaz y Guarnido ya estaban cosechando grandes éxitos en EEUU y Francia, aquí en España era sólo a través de pequeñas editoriales como La Cúpula y de fanzines la manera de hacer los primeros pinitos en el cómic. Es cierto también que muchos de esos autores como Sequeiros o María Colina tenían un tono más rebelde y underground que la mayoría de las venerables novelas gráficas que se publican hoy en día y que rezuman calidad pero algo menos de rabia.

Llega un punto en tu carrera en que trabajas para DC Comics haciendo fill-ins y alguna serie como Resurrection Man o Escuadrón Suicida. ¿Cómo llegas ahí?

Como bien dices, en el 2008 comencé mi andadura en DC, que duró unos 5 años y medio.

Fue a través de un agente que conseguí abrir la lata y tuve la suerte de firmar contratos en exclusiva desde el principio. Eso me obligó a pasar los dos primeros años haciendo fill-ins en series como Teen Titans, Batman outsiders, Wonder Woman, Superman, Supergirl, Legión de Super héroes o Starman entre otros, pero no fue hasta que entré en La Liga de la Justicia que me dieron una serie regular. Después llegaron los Nuevos 52 y la cosa se torció un poco. Allí empecé el remake de Resurrection Man y a continuación Suicide Squad

Leyendo declaraciones tuyas a diferentes medios nos da la impresión de que no acabaste muy contento con algunos aspectos de aquella época. ¿A qué se debe? Y, debemos preguntar, ¿volverías?

A ver, al principio fue maravilloso, todo un sueño hecho realidad. Pero es cierto que los últimos años fueron algo complicados. Se conjugaron varios factores: el ritmo de entregas era inhumano, en particular durante los Nuevos 52; los numerosos cambios y el caos editorial repercutían mucho sobre el último eslabón de la cadena, que éramos nosotros, y me vi obligado a acabar muchos números del Escuadrón Suicida en tres semanas. Por otro lado, la incomunicación con editores y escritores a la que me veía sometido fue progresivamente desmotivándome y desvinculándome de mi actividad.

Pero claro, que si se dieran las condiciones apropiadas y un proyecto interesante, volvería a trabajar con ellos.

En estos años has evolucionado mucho. A día de hoy ¿cómo trabajas? ¿Te has volcado en lo digital, sigues a mano o usas técnicas mixtas?

Combino ambas técnicas. Blade Runner Origins por ejemplo está realizado íntegramente en digital salvo las portadas, que están dibujadas en papel y coloreadas digitalmente.

Pero por otro lado la serie que estoy realizando para Glenat, Winter Queen, está hecha íntegramente a tinta y acuarela.

Eres un autor bastante vinculado a la acción, se te da muy bien tanto en narrativa como en estilo. Precisamente tu última obra, Blade Runner: Orígenes, es un ejemplo de esto. ¿De dónde sacas las ideas? ¿Usas modelos para las posturas, te fijas en otras piezas de arte o tiras de imaginación?

Le doy mucha importancia a la composición y la emoción que transmiten la viñeta y las expresiones tanto faciales como corporales. No me había concebido mucho como un dibujante de acción, pero sí es cierto que tampoco la desprecio. Las coreografías de peleas o persecuciones siempre me han parecido como un tipo de danza y una manera de expresar las relaciones entre personajes a otro nivel no textual. También me gusta cuando los diálogos suceden en paralelo durante la pelea ofreciéndote dos niveles de lectura y dándote mucha información sobre la actitud, motivaciones y flaquezas de los personajes.

En el caso de Killers, por ejemplo, los protagonistas eran expertos en artes marciales y ahí sí me tuve que documentar y refrescar viejas pelis de ninjas que me encantaban de pequeño para darle un toque de verosimilitud a los golpes y llaves de esos asesinos.

Además de dibujar te has encargado de los guiones de tus propias obras. Durante tus años trabajando con guiones ajenos, ¿echabas de menos contar tus propias historias? ¿Tienes muchas ideas guardadas para obras de creación propia?

En efecto. Me encanta escribir, llevo haciéndolo desde que era pequeño, pero es cierto que me he centrado principalmente en el dibujo y que aun me considero un escritor amateur. Me queda mucho por aprender.

Tengo decenas de proyectos e historias en el cajón esperando el momento adecuado para salir. Mi meta para el próximo año es empezar a trabajar sólo en mis proyectos personales

Hablemos un poco de una de ellas, tu obra como autor completo Smart Girl. Es una obra densa y compleja en la que abordas la posibilidad de que pueda existir un nuevo tipo de humanos creados artificialmente, ¿qué crees que es lo que nos hace humanos?

¡Tremenda pregunta! Me pongo la túnica de profeta-cuñado para contestarte.

Creo que lo que nos diferencia del resto de especies es principalmente la capacidad de abstracción simbólica y emocional. Creo que esto también es lo que nos impide vivir la vida como la realidad que está siendo. Acabado el momento Paulo Coehlo, continúo con Smart Girl. La relación entre las ginoides y sus creadores está planteada en términos paterno-filiales.

Una generación ha dado lugar a siguiente, esta vez por medio de la tecnología y no de la biología. Pero de igual manera en ellas y ellos proyectan sus deseos, sus vicios, su aspiraciones, sus miedos y sus defectos. Pero les consideran sus posesiones, y aunque les han dotado de conciencia no les reconocen derechos ni les permiten ser libres.

También es una obra con una clara lectura feminista donde la protagonista se cuestiona todo lo que ha aprendido para poder empoderarse, un proceso que todo el mundo debería experimentar, ¿no crees?

Smart girl describe el proceso de emancipación de una ginoide y en él hay numerosas alusiones a referentes del feminismo, como Judith Butler o Donna Hawaway. Pero de igual manera que pienso que el feminismo es la corriente de pensamiento que está marcando nuestra época presente, no quisiera que se circunscribiera a una interpretación exclusivamente feminista, sino a cualquier proceso de emancipación en el que se va desmontando una identidad impuesta y se camina sin miedo hacia un territorio nuevo y desconocido ( creo que me volvió a poseer Coelho).

Smart Girl es una serie creada para el mercado francófono. ¿Qué cambios hiciste en tu forma de afrontar el trabajo con respecto a tus obras para el mercado USA?

Smart Girl fue publicada primeramente en Francia, pero no sigue la estética ni el formato propio de la BD. Mi idea inicial era imitar el formato que venían realizando en Glenat Comics durante el periodo de Olivier Jalabert. Para Glenat realicé L’agent, una novela gráfica de unas 120 páginas aproximadamente que puede ser dividida en capítulos y en grapas llegado el momento.

Esa era la intención inicial, pero de nuevo creo que se me fue de las manos. Smart girl roza las 200 páginas, y de hecho Titan Comics también ha optado por publicarlo en USA y UK como un único tomo y no como grapas.

En alguna entrevista hemos leído que posiblemente Smart Girl tendría más partes y estabas trabajando en más proyectos para el mercado francófono. ¿Qué nos puedes contar de esos proyectos?

Efectivamente, mi intención es expandir su universo. Estoy trabajando en un proyecto que estaría centrado en muchos de los aspectos de esa sociedad que vemos de fondo en Smart girl y que me gustaría llevar más a primer plano.

En Smart Girl tratas temas similares a Blade Runner, la relación de los humanos con la tecnología y la idea de qué nos hace humanos, además de la propia estética del cómic. ¿Cuál es tu relación con Blade Runner? ¿Te gustan las películas? ¿Habías leído el relato que adapta?

He sido un fan de K. Dick y la película original de Blade runner desde pequeño. Y el homenaje en Smart girl es clarísimo, claro, así como también a Alita o Ghost in the Shell. El personaje del replicante, su problemática existencialista y su ansiedad vital me volaron la mente desde siempre, y creo que siguen estando vigentes ahora más que nunca.

¿Qué supone para ti trabajar en esa franquicia?

Me hace una gran ilusión formar parte del universo creativo de una obra tan icónica como Blade Runner, y también es un paradójico regreso a la fuente de las referencias que usé para Smart girl.

Primero Andrés Guinaldo y ahora tú, parece que Blade Runner tiene acento español. ¿Cómo surgió la posibilidad de hacerte cargo del arte de Blade Runner: Orígenes?

Conocí en un salón en Montenegro a un editor de Titan, Chis Thompson, que me presentó a los dueños de la editorial cuando volvimos a coincidir en NYCC.

A raíz de esta relación hablamos de la posibilidad de que ellos me publicaran Smart girl en UK y USA, así como de que yo me hiciera cargo de la nueva serie que iban a lanzar sobre los orígenes de Blade Runner. Y por suerte ambas cosas sucedieron.

¿Cómo has afrontado la recreación de esa ciudad de Los Angeles, has tratado de ser continuista con el trabajo de Andrés, con el arte conceptual de Syd Mead para las películas, o buscar una nueva identidad?

Tanto el trabajo espectacular de Andrés como los diseños geniales de Syd Mead han sido una constante fuente de inspiración. Con la salvedad en este caso de que Blade Runner Origins sucede diez años antes de la primera película, es decir en el 2009, con lo cual he tenido que reducir un poco el componente cyber al transcurrir en un estadio tecnológico anterior y aumentar el componente noir.

Uno de los elementos más destacables de Blade Runner 2019 era su carismática protagonista Ash. ¿Qué diferencias se van a encontrar los lectores con este detective Cal Moreaux? ¿En qué te has inspirado para diseñarlo?

En la línea que te he comentado de reforzar estéticamente los elementos noir, la idea era hacer un detective más pulpy, con reminiscencias a Doc Savage y Sam Spade.

A la hora de ponerte con el dibujo, ¿te dan un guion cerrado o tienes margen de maniobra? Sobre todo en un caso tan peculiar como el de este tomo que está escrito por tres personas (K. Perkins, Mellow Brown y Mike Johnson). ¿Cómo ha sido tu relación con ellos?

Tanto los guionistas como los editores están confiando mucho en mí. Me siento muy libre a la hora de modificar la secuenciación de ciertas escenas o separarme en ocasiones del guion si considero que visualmente puede haber otras propuestas más efectivas.

Aunque ya no está acreditado como guionista, Michael Green sigue ejerciendo como consultor. ¿Cómo de diferente es trabajar con un profesional más especializado en cine que en cómic?

En el caso de Blade Runner Origins es Michael Johnson el que esta supervisando el guión de Mellow y Perkins en los primeros números, aunque posteriormente se ha ido desvinculando. Mellow Brown sí es guionista de series como American Gods, y se puede notar el tratamiento más pausado y con más profundidad de los personajes, así como otro tempo a la hora de planificar las escenas y la estructura total del guion.

El color es fundamental y algunas veces un quebradero de cabeza para el dibujante. Aquí es obra de Marco Lesko, que ya había trabajado con Blade Runner en el pasado. ¿Estás satisfecho con el resultado?

Estoy fascinado con el trabajo de Marco. Hemos hablado bastante por mail y whatsapp. Es un tipo encantador y con un talento descomunal. Creo que está sabiendo cómo entonar magistralmente tanto la serie de Andrés como la mía, teniendo en cuenta que cada una requiere de un tratamiento muy diferente y lo está bordando. Te da mucha tranquilidad cuando sabes que después de acabar tu parte del cómic viene un artistazo así a mejorar tu trabajo.

Nos gustaría que nos resumieses brevemente qué puede esperar el público español de esta serie. Además de tu dibujo, ¿satisfará a los seguidores de Blade Runner?

Origins retoma la parte más detectivesca del universo de Blade runner a la vez que va descubriendo pistas sobre el origen de las tramas de la corporación Tyrell que dieron lugar a los replicantes.

Por otra parte ahonda en la descripción y la denuncia de la injusta sociedad cyberpunk de Los Angeles de 2009. En este caso, bajando el foco de las megatorres de las corporaciones al submundo de los arrabales cyberpunk.

Y por último, al igual que la película del 82 mostraba un L.A. diverso en culturas e idiomas, esta serie también se enfoca en la diversidad LGTBI creando interesantes personajes y analogías.

¿Conoces algo de los planes de Titan Comics para futuras historias de Blade Runner? ¿Seguirás tú ligado a este universo?

He firmado un contrato para realizar los 12 primeros números, que equivaldría a los tres primeros tomos, y más allá de eso no sé qué deparará el retrofuturo.

¿Y tus planes de futuro? ¿Nos puedes adelantar lo que está por venir de Fernando Dagnino?

Estoy trabajando en paralelo en mi serie Winter Queen para Glenat, un thriller de magia negra que espero poder acabar a principios del 2022. Es el primer proyecto personal que he escrito y dibujado para Glenat, y estoy muy ilusionado con ello.

Por otro lado tengo unos tres proyectos personales en ciernes que me gustaría poder comenzar a desarrollar a lo largo del próximo año. Uno de ellos es la continuación del mundo de Smart Girl.

Para acabar, vamos con uno de tus últimos trabajos de estos años, KI6 Killers para Valiant. Una obra sensacional, por cierto, que pensábamos que se iba a quedar inédita en España, pero que parece que quizás se publique ¿Qué nos puedes contar sobre ella?

Me has dado una alegría, no sabía que hubiera intenciones de publicarla en España. Es una serie de acción ambientada dentro del universo de Ninjak en la que unos James Bonds/ninjas se enzarzan en una lucha sin cuartel entre ellos por la obtención de un objeto místico de poder que su viejo Sensei promete dar al ganador de la apuesta.