La semana pasada hablamos largo y tendido de la historia de Skybound con motivo de su nueva etapa editorial en España de la mano de ECC, y aprovechamos para repasar la extensa y potente bibliografía de su fundador, el eminente Robert Kirkman. Como ya mencionamos en aquel artículo, solo con la producción del guionista de Los Muertos Vivientes Skybound ya podría colocarse como uno de los sellos más relevantes del cómic independiente estadounidense. Sin embargo, desde su fundación Kirkman ha tenido el objetivo de convertir su sello en un lugar que sirviera como plataforma para autores florecientes en la que guiarlos por los endiablados caminos del mundo editorial y la gestión de derechos. Así, desde 2011 el sello ha sido capitaneado por Sean Mackiewicz como editor jefe y ha dado cobijo a un buen puñado de obras tanto de artistas emergentes como algún que otro peso pesado, hasta plantarse al borde de la treintena de títulos.
Hasta la reciente adquisición de ECC Cómics, el catálogo de Skybound ha estado en manos de Planeta, que durante la última década ha publicado un puñado de sus obras, aunque siempre con mesura. Ya sea por un filtro de calidad, falta de confianza en la proyección de sus autores o por otros motivos que se nos escapen, Planeta nos ha dejado a lo largo de este tiempo un total de 8 series de Skybound, completa o parcialmente. Nosotros no queremos dejarnos nada en el tintero, por lo que a continuación repasaremos de manera exhaustiva todo el catálogo de la editorial, comenzando con ese puñado de obras que se han editado en España y terminando con todo aquello que por el momento no ha podido ver la luz en nuestras tierras, incluyendo nuestra opinión sobre sus posibilidades con la nueva licenciataria. Quién sabe, quizás animemos a ECC a arriesgarse con algún título poco esperado. ¡Vamos allá!
Series editadas en España
Witch Doctor
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Puede que una de las obras más peculiares del catálogo de Skybound no sea autoría de Robert Kirkman. Ni tan siquiera ha participado en su creación de forma activa. Porque aparte de ser un guionista muy competente, Kirkman también tiene el olfato muy agudizado para el talento. En 2011, el cocreador de The Walking Dead apadrinó para su nuevo sello editorial un cómic de terror sorprendente: Witch Doctor.
Esta obra del guionista Brandon Seifert y el dibujante Lukas Ketner es una inteligente vuelta de tuerca al arquetipo del mad doctor y a las historias de terror clásicas. Nos narra las aventuras del excéntrico Dr. Vincent Morrow, experto en medicina preventiva contra el apocalipsis y las llamadas “monstruo-enfermedades”, un tipo de dolencias de origen sobrenatural provocadas por demonios, fantasmas, vampiros y otras criaturas fantásticas. Le ayudan en su trabajo diario el enfermero Eric Gast y la anestesista criptófaga Penny Dreadful.
Lo ingenioso de esta propuesta es la manera en la que Seifert y Ketner construyen una mitología que busca “explicaciones científicas” para lo sobrehumano, concibiendo a sus monstruos como parásitos de inspiración lovecraftiana que se alimentan de nuestros miedos y creencias. Las referencias a la obra literaria de H.P. Lovecraft, Edgar Allan Poe y Mary Shelly, se combinan con guiños a producciones como El Exorcista de William Friedkin y el Hellraiser de Clive Barker y los revolucionarios conceptos que Seifert y Ketner ponen sobre la mesa de operaciones. Los diálogos de Witch Doctor están bañados de un fina ironía y un inevitable humor negro que se funden con un apartado gráfico en el cual Ketner brilla a la hora de concebir engendros inenarrables y extraños cachivaches médicos. Sus lápices proyectan una oscuridad terriblemente orgánica moldeada al color por el tándem formado por Sunny Gho y Andy Troy.
Witch Doctor se presentó en sociedad con el one-shot Witch Doctor: The Resuscitation publicado junto a The Walking Dead #85. Posteriormente, se lanzó una primera miniserie de cuatro episodios y un número cero que Planeta Cómic editó en 2012 en España en un volumen titulado Robert Kirkman Presenta: Witch Doctor: A Golpe de Bisturí. En 2013, la compañía nos trajo también la segunda miniserie publicada por Image Comics titulada Witch Doctor: Mala Praxis que incluía el mencionado one-shot Witch Doctor: The Resuscitation.
Pese a que sus autores tenían previsión de continuar con las aventuras del Dr. Vincent Morrow, después de varios años no hemos tenido noticias nuevas sobre este interesante proyecto.
Ghosted
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A día de hoy el nombre de Joshua Williamson nos es conocido por la serie Muerdeuñas (publicada por Norma y que ha regresado recientemente con una segunda parte) y en esta entrada hablaremos más de él por otra colección que está gustando mucho, Birthright, pero antes de eso ya hizo un cómic en Skybound, Fantasmas, conocido en su país de origen como Ghosted, junto a los dibujantes Goran Sudzuka, que pasó por Marvel y DC pero al que tenemos especial cariño por su A walk through hell en Aftershock, y Davide Gianfelice, artista de Northlanders o Daredevil.
Ghosted comienza su andadura en 2013 y finaliza en 2015. En España se publicó un solo tomo con el primer arco argumental, por parte de Planeta, dejando la serie totalmente abierta, aunque es verdad que dicha historia tenía su principio y su final, nos dejaba un cliffhanger que será el núcleo de lo que vendría después. De hecho ese arco será el dibujado por Goran Sudzuka, que se ocupará de otros dos números hacia la mitad y del último, recayendo así la mayor parte de la serie sobre Davide Gianfelice.
Jackson T. Winters es un criminal a la antigua usanza, la mente detrás del gran plan que toda banda necesita, pero su último atraco a un casino salió muy mal, su equipo murió y él acabó en la cárcel. Sin embargo alguien lo quiere fuera, organiza una fuga y le ofrece una cantidad ingente de dinero a cambio de un extraño encargo, reunir un nuevo grupo para entrar en una casa encantada y robar un fantasma. De esta manera se puede decir que Fantasmas es una mezcla entre la clásica historia de robo planeado con las de casas encantadas, terror y posesiones, resultando una unión muy original, con todos los tópicos de ambos géneros tanto en esquema como en personajes. Así tenemos desde la médium hasta el escéptico pasando por el mago de espectáculo de bar o los cazadores de fantasmas cámara en mano, que trazan el plan del robo, observan la zona y tratan de sobornar a las autoridades locales. Sin ser una obra maestra, resulta un cómic muy recomendable más allá de la mera curiosidad.
Dead Body Road
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Nos encontramos aquí a Justin Jordan disfrutando de escribir el género y el tipo de historias que él suele elegir para leer: las de criminales, protagonizadas por antihéroes de policial negro con toques actuales, acción con persecución y disparos por doquier.
El primer gusto con esto, Jordan se lo dio a lo grande acompañado de Matteo Scalera, por el año 2014 en una serie de seis entregas que fue publicada en España por Planeta. En ella se presenta un relato de venganza, indagando en lo que motiva a buscarla. En concreto, la pareja de un ex policía es asesinada en un robo, y tomará como único propósito de su vida encontrar a quien la mató. En ello lidiará con otros fantasmas de su pasado y arrastrará a unos cuantos personajes más con él, para conseguir su objetivo. Es muy importante la mención al dibujante, ya que da vida a unas secuencias de acción tan dinámicas como pocas veces se ve en un cómic y que desde luego son parte fundamental del disfrute de este libro.
Seis años más tarde, en el pasado 2020, Jordan reincidió en esta serie con un segundo volumen de Dead Body Road (subtitulado Bad Blood), ya sin Scalera y con otros personajes. Por supuesto que se echa un poco de menos al primer dibujante, pero Benjamin Tiesma realiza un enorme trabajo para que la falta no sea determinante y el disfrute en lo visual siga presente. En cuanto al guión, el escritor redobla sus esfuerzos y apunta a escribir lo mejor de su carrera. No juzgaremos aquí si lo consigue, pero sí podemos afirmar que presenta una secuela en espíritu de la primera abordando el mismo tópico de la (violenta) venganza por mano propia pero desde otras perspectivas y con otras cualidades de personajes. Bien vale una edición castellana, que los que disfrutan de este tipo de historias y que lo hicieron con el primer volumen, también lo harán con este.
Green Valley
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Publicada originalmente en 2016, Green Valley es uno de esos cómics frescos que se disfrutan de cabo a rabo. El nombre de su guionista Max Landis podrá recordarnos a Superman: American Alien, serie que le valió una nominación al Eisner, o su labor como guionista en películas como Chronicle o Bright, aunque probablemente a la gran mayoría su apellido le evoque inevitablemente a la figura de su padre, el mítico director John Landis. El guionista se unió a Giuseppe Camuncoli, célebre artista detrás de la fantástica Darth Vader: Lord Oscuro o Amazing Spider-Man, para desembarcar en Skybound con una serie limitada con una premisa tremendamente divertida.
Green Valley nos lleva junto a los caballeros de Kelodia, un grupo de guerreros absolutamente legendarios en su tierra por las imposibles gestas logradas. Sin embargo, un ataque inesperado a su ciudad acaba con todo lo que más quieren y hiere de muerte el honor de los guerreros. Su vida se desarrolla desde entonces sumida en una pesadumbrosa y errática rutina hasta que un joven aparece para implorar los servicios de tan afamados aventureros para socorrer a su pueblo, el lejano Valle Verde, que se encuentra asediado por un temible hechicero que tiene subyugado a sus habitantes a base de conjuros y fieros dragones. Pero… ¿existe realmente todo eso? Contar más sería estropear la sorpresa, pero digamos que Green Valley basa su encanto en un cruce de géneros tan descabellado como condenadamente divertido. Probablemente su gran defecto resida en que Camuncoli realiza un trabajo mucho más descuidado de lo que hemos podido verle en otros cómics de su producción, con un detalle y unas posturas poco trabajadas, si bien el resultado final resulta lo suficientemente aceptable como para no condenarlo, más aún contando con el excelente color de Jean-François Beaulieu. Siendo una serie limitada de 9 números, su lectura resulta tremendamente fresca y la convierte en un perfecto ejemplar autoconclusivo para echarse un buen rato, pero su publicación en 2018 de la mano de Planeta no tuvo lo que se dice un gran alcance. Aunque es un cómic tremendamente divertido, si tuviéramos que apostar diríamos que a priori no se encontrará dentro de los planes cercanos de ECC, máxime teniendo en cuenta las lamentables y numerosas acusaciones de acoso que su guionista ha recibido en los últimos años.
Extremity
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Llegamos a una de las colecciones mejor valoradas, que puso en el punto de mira a su creador y autor completo Daniel Warren Johnson. Nacido en Chicago, llama la atención con un fan-fic de Star Wars, publicado en su web, llamado Green Leader. Su primer trabajo propio es Space Mullet, también en formato web-cómic autoeditado, que además se llega a publicar por Dark Horse, donde también trabajaría junto a un desconocido Donny Cates en la divertida Ghost Fleet. De ahí ya salta a este Extremity y su calidad le hace tener una continuidad en el medio, no en vano fue nominado a los premios Eisner por ella.
Con esta serie nos vamos a un futuro distópico en el cual algo no identificado ha reducido la sociedad a pequeños grupos que viven en pedazos de rocas flotantes donde construyen sus ciudades, organizándose en clanes que recuerdan más a épocas pasadas que al presente. El argumento principal de la serie va encaminado a contar una guerra entre dos clanes, los Roto y los Paznina, no sabemos su comienzo y tampoco es importante, así como tampoco lo es por qué la humanidad está así, solo sabemos que los segundos atacaron a los primeros tiempo atrás causando muchas bajas, entre ellas la de la mujer del líder de los Roto, y mutilando a la hija de este, Thea, una chica pacífica que pierde su capacidad para hacer lo que más le gusta, dibujar. Con ello ambos pueblos se meterán en una espiral de violencia y venganza que nos hará disfrutar de cada uno de los doce números, con barcos voladores, armas rudimentarias, un aire a Mad Max y monstruos de diferentes tipos.
El autor ofrece un juego muy interesante con el título de la obra, pues Extremity se refiere en un principio a la extremidad perdida por Thea y cómo ello marca su carácter, pero según avanza la serie vemos su otro significado, el choque entre los extremos. Extremity tiene personajes muy potentes y muy variados con los que los protagonistas van interactuando a lo largo de la obra, y que les harán cambiar. Thea se ve acompañada por Rollo, su hermano con el que comparte protagonismo, mucho más calmado que ella, amante de la paz en secreto y de los libros antiguos.
Si la obra tiene un buen fondo también puede presumir de su forma, el dibujo de Daniel Warren Johnson tiene una narrativa maravillosa, es capaz de reflejar a la perfección la desesperación y la tristeza de ese mundo a la vez que maneja muy bien la acción, sin dejar de lado la violencia explicita. Por supuesto que además está Mike Spicer, que ejerce la labor de colorista y casa a la perfección con el dibujo del autor. Queda claro que Extremity es una joya que debe estar presente en toda buena colección.
Outer Darkness
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Considerada por el equipo de indie de Zona Negativa como el gran estreno (en España) de 2020, Outer Darkness es la última obra de John Layman para Image, el creador de una de las mejores obras del cómic independiente del presente siglo, Chew.
En esta serie Layman nos ofrece un mundo rico en detalles y totalmente extraño, unas mezclas diferentes a cualquier cosa que hayamos podido ver antes, y eso dentro de un género en el que hemos visto mucho, las aventuras espaciales. Nos pone en la piel de Joshua Riggs, capitán de naves espaciales caído en desgracia al que le ofrecen una misión de rescate liderando a la Caronte y su tripulación, hasta ahí todo normal dentro de lo que es una aventura de ciencia-ficción espacial, pero ya empezamos con que las naves van pilotadas por magos, que han de luchar contra los espíritus que se encuentran en el espacio exterior, donde el personal de la nave puede ser poseído y morir al atravesar una necro-tormenta, o los motores de las naves que son antiguos dioses encerrados a los que hay que ofrecer sacrificios.
Con todo ello, en cierta manera, se puede decir que sigue un esquema clásico en las series de televisión que exploran este género (con más de un guiño), cada capítulo está dedicado a algo que les pasa por el camino. Un rescate, la búsqueda de un material o quedarse varados en un planeta extraño son algunas de las típicas partes que encontramos antes de que lleguen a su meta, eso sí, aunque dicho esquema esté muy visto lo que aquí sucede es una mezcla tan heterogénea que sigue manteniendo la capacidad de asombrarnos.
Layman tiene como compañero de viaje a Afu Chan, artista con un dibujo muy particular que realizó trabajos como Halogen para Boom! Studios o Inmortal Iron Fists para Marvel, es decir, este es el primer trabajo del autor que vemos publicado en nuestro país y su resultado es muy bueno, gana mucho en los diseños de los personajes, especialmente aquí ya que se trata de una serie en la que hay una gran cantidad de seres extraños y mucho extraterrestre, pero también tiene una buena narrativa que compensa la carencia de fondos.
Outer Darkness es una serie limitada de doce números de la que aquí se han publicado los seis primeros, a la que hay que añadir otros tres en las que se cruza con la otra gran serie de Layman, Chew. Esperamos fervientemente que ECC se lance a finalizar todo esto.
Assassin Nation
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La siguiente obra es uno de esos casos extraños en los que la unión no hace la fuerza. Tenemos por un lado a Erica Henderson, artista curtida en el mundo de la animación cuya llegada al mundo del cómic fue un auténtico éxito, ganándose al público con su divertida etapa junto a Ryan North en La Imbatible Chica Ardilla de Marvel y la serie de Jughead guionizada por el sensual Chip Zdarsky. De hecho, ambas obras le valieron sendos premios Eisner a sus creadores, dejándole a la artista un 2017 magnífico, y si queréis disfrutar de un cambio de tercio total en su estilo, os recomendamos echarle un ojo a su trabajo en Dracula Motherf*ker junto a Alex de Campi, estrenado el año pasado. Por otro lado tenemos a Kyle Starks, autor especialmente centrado en el humor al que hemos podido ver guionizando el cómic de Rick y Morty de Oni Press o como autor completo en las obras Sexcastle y Rock Candy Mountain dentro de Image, ambas valedoras de una nominación Eisner a Mejor obra de humor. Con semejante mezcla, cualquiera podría haber predicho un nuevo pelotazo dentro del género humorístico, pero los caminos del señor son inescrutables.
Assassin Nation es una serie limitada de cinco números en la que el Sr. Rankin, antiguo mejor asesino del mundo y actual capo mafioso, contrata a los 20 mejores sicarios del panorama para protegerlo al verse amenazado por su clan rival. Una reunión llena de máquinas de matar y tipos de lo más variopinto que, por supuesto, es una olla a presión que solo puede terminar como el rosario de la aurora. Starks y Henderson plantean así una historia llena de humor y violencia con un estilo similar a Ases Calientes que, sin embargo, nunca termina de coger fuerza. El equipo recurre a un extenso reparto de personajes que, si bien se muestra con potencial, termina por deshincharse por su deficiente desarrollo. Es una serie indudablemente dinámica, pero su guion se esfuerza tanto por buscar el chiste y la espectacularidad que descuida una historia que resulta muy atropellada, con un dibujo de Henderson que además parece no terminar de afinar la narrativa de las escenas de acción. Habiendo sido publicada además por Planeta en 2020, no parece candidata para verla de nuevo editada por estos lares.
Murder Falcon
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Una de las joyas de la corona. Tras Extremity, el mundo descubrió a Daniel Warren Johnson en todo su esplendor, y todas las miradas estuvieron pendientes de cuál sería el próximo trabajo del artista estadounidense. Ese nuevo proyecto se anunció bajo el nombre de Murder Falcon, y solo con echar un vistazo a sus primeras páginas de adelanto ya se veía que la solemnidad mostrada en su anterior obra iba a dar paso a una macarrada sin igual.
Jake es un chaval en un momento bastante complicado de su vida, alejado de toda la gente que le importaba y de su pasión por la música tras una desagradable experiencia. Sin embargo, el destino llama a su puerta en forma de halcón hipervitaminado con un brazo de metal y bandana. Murder Falcon es un héroe llegado de otro mundo, unido a Jake por un vínculo espiritual y que necesita su música para poder luchar y cumplir su objetivo: derrotar al mal que lleva meses lanzando horribles monstruos a la Tierra y que pretende abrir una brecha a través de la cual terminar de conquistar nuestro planeta y poner fin a nuestra especie. Un mal que solo podrán derrotar aunando el poder de un buen solaco de guitarra y un brazo biónico.
Con este planteamiento desvergonzado Warren Johnson consigue sorprendernos de dos maneras muy diferentes. En primer lugar, con su dibujo, que una vez más alcanza cotas de calidad impresionantes, dando un verdadero recital sobre cómo plasmar la acción más espectacular con un auténtico despliegue de dinamismo y de grandiosidad que abraza lo mejor del subgénero kaiju. En segundo lugar, golpeándonos en lo más profundo del corazón. Porque si en sus primeras páginas Warren Johnson comienza su historia de manera ligera y menos brillante que en Extremity, según vamos avanzando Murder Falcon cobra una sensibilidad sorprendente que termina dejándonos con el corazón en un puño y una lágrima asomando tras girar su última página. Su estreno en España este pasado 2020 fue fantásticamente recibido, y no nos cabe duda de que más pronto que tarde veremos una nueva edición de esta maravillosa historia.
Stillwater
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Vale, con esta estamos haciendo trampa, porque técnicamente aún sigue siendo inédita en nuestro país. Sin embargo, es una de las series para las que ECC confirmó su publicación en su comunicado oficial de la adquisición de Skybound, por lo que hemos decidido darla ya por hecha. Y no es extraño que la editorial española se haya lanzado tan rápido, porque Stillwater fue uno de los estrenos más señalados no ya de Skybound, sino de Image Comics en general, en 2020. No en vano tenemos en su portada el nombre de uno de los guionistas más en forma de la actualidad comiquera. Hablamos, claro, de Chip Zdarsky. El incorregible y condenadamente divertido autor canadiense que pegó el campanazo junto a Matt Fraction con su sensacional Sex Criminals hace tiempo que se ha asentado en Marvel como uno de sus guionistas más importantes. El bueno de Chip tiene un don para el humor, y así lo demostró con su premiado Jughead o Howard El Pato. Sin embargo, ha demostrado sobradamente que es mucho más que el payasete de la Casa de las Ideas, y sus trabajos en Marvel Two-In-One, Espectacular Spiderman y, sobre todo, al frente del Hombre Sin Miedo han terminado de conquistar el corazón del público.
Stillwater es su primera incursión tanto en el terror como en Skybound, y para ello se ha unido al dibujante Ramón K. Pérez. El artista, también originario de Canadá, tiene una larga trayectoria trabajando en Marvel en series como Ojo de Halcón o Nova, pero probablemente el gran éxito de su carrera sea Cuento de Arena, la adaptación a cómic del guion nunca rodado de Jim Henson que le hizo merecedor de tres premios Eisner. Con un currículum de tal magnitud, Pérez y Zdarsky se unen para contarnos una historia de terror e intriga sobre un pequeño pueblo que esconde un inquietante secreto: allí no es posible morir. Una premisa que, lejos de significar algo bueno, se convertirá en una maldición. Su primer arco acaba de terminar en EEUU, y por aquí nos encandiló su estreno, así que lo único que le pedimos a ECC es que no nos haga esperar demasiado para poder disfrutarlo en español.
Series inéditas
Clone
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Luke es un chico normal con una vida normal, una casa normal y una esposa embarazada, hasta que un día entra en la cocina de su casa y se ve a sí mismo tirado en medio de un charco de sangre. No puede ser él, pero es idéntico a él. ¿Qué está pasando? Cuando abrimos una serie con un título tan evidente como Clone, está claro que la serie va a ir de clones. En ella tendremos que seguir a Luke en su camino para descubrir la verdad, un camino que le llevará a cuestionar su propia identidad enfrentándose a sus otros clones, porque no hay uno o dos, sino decenas de ellos.
Clone nos ofrece un buen misterio, con mucha acción, reflexión sobre uno mismo e intrigas que van desde lo científico a las conspiraciones políticas. El dibujo es de uno de los nuestros, Juan José Ryp, bien conocido (y querido) por la sección de indie gracias a trabajos como Black Summer, Britannia o X-O Manowar. Siempre es un placer disfrutar de su trabajo y en Clone está excepcional. Su manejo de la acción es brillante y hace que este cómic suba su calidad enormemente, y eso que el guion no está nada mal.
Precisamente al guionista se le puede llamar novel en esto del cómic aunque no en el arte de escribir guiones precisamente. David Schulner es productor y escritor de series de televisión, The Event, Kings o la archiconocida Mujeres Desesperadas salen de sus manos, y este primer cómic demuestra un gran talento para las conspiraciones y los dramas personales.
Clone es una lectura más que recomendable, pero tiene un gran problema, que lleva parada más de seis años. Su número 20 nos dejó un cliffhanger enorme, tan grande que casi se podía considerar un final muy irónico. No queremos decirlo por si acaso algún día sigue, pero parece que esto se queda aquí.
Manifest Destiny
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¿Qué tal si la conquista de territorios hacia el oeste de los Estados Unidos implicó limpiar el terreno de seres sobrenaturales, monstruosos y no tanto, de misterios insondables que permanecieron por siempre en secreto? Algo así es el interrogante disparador de esta serie que ya cuenta con siete tomos recopilatorios y 42 números sueltos publicados en los Estados Unidos, y a lo largo y a lo ancho de todos esos cómics Chris Dingess y Matthew Roberts despliegan su imaginación ofreciendo una espectacular historia de aventuras y fantasía, ambientadas en la Norteamérica de los albores del siglo XIX.
Los protagonistas de la historia son los Capitanes Lewis y Clark, enviados por el Presidente Jefferson a explorar la Louisiana, para dominar el territorio y comerciar con las poblaciones nativas. Hasta ahí llega lo real histórico, para dar lugar a la fantasía en la cual el mismo Jefferson ordena limpiar la extensión geográfica de todos los seres que pueda haber, para expandir la civilización. En consonancia con ello, el Capitán Clark lleva registros en dos diarios de viaje: uno que será público, y otro que mantendrá su confidencialidad en donde anotará y estudiará todo lo que entienda como sobrenatural.
Quizás sea una obra con un contenido muy norteamericano que no sea tan vendible por fuera de ese país, tal vez y por ello no ha tenido publicación en nuestro idioma hasta ahora. No obstante, la ejecución de la historia por parte del equipo autoral entregando una muy buena serie de aventuras seguramente puede ser apreciada de manera universal.
Birthright
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La familia Rhodes lo tenía todo, y un buen día todo estalló en mil pedazos. Cuando Mike, el hijo de pequeño, desaparece misteriosamente durante una excursión, la vida de sus padres y su hermano se deshace por completo y rompe sus lazos. Sin embargo, lo que parecía una desgracia no era más que el inicio de algo aún más descabellado: un año después de la desaparición, un hombre con apariencia de Conan y un buen arsenal de espadas, cuchillos y hachas aparece y proclama ser Mike. Según él, su desaparición vino tras ser transportado misteriosamente a Terrenos, un mundo fantástico en el que es recibido como el elegido, aquel capaz de derrotar al tirano que trata de subyugar a todos los pueblos de esta extraña tierra. Allí, donde el tiempo transcurre a distinta velocidad, ha vivido durante los últimos años entrenándose hasta conseguir vencer al malvado Lore y regresar a nuestro mundo para cumplir una última misión. ¿Pero será cierto todo lo que dice este extraño y poderoso guerrero?
Tras Ghosted, Birthright fue el siguiente proyecto del guionista Joshua Williamson dentro del sello Skybound, esta vez junto a Andrei Bressan en el dibujo, un artista brasileño poco conocido al que hemos podido ver en puntuales trabajos dentro de DC. Viendo la falta de continuidad de Planeta en la publicación de Ghosted, podemos suponer que su funcionamiento a nivel de ventas no fue muy bueno y que la editorial decidió no arriesgarse de nuevo con un producto suyo. Sin embargo, aunque desde luego Williamson no es lo que se podría decir un guionista brillante, sus trabajos independientes suelen ser entretenidos, y esta virtud está muy presente en el caso de Birthright. Su original premisa y sus constantes giros de guion hacen de él un cómic dinámico y fresco, y el dibujo de Bressan, aunque sin grandes alardes, cumple de manera aceptable. Vaya, que es la definición de una buena aventura ligera.
Por si fuera poco, la serie, cuyo final está previsto en su número 50 para este año, cuenta con el honor de ser la serie más longeva del sello Skybound si no contamos a los colosos de Invencible y The Walking Dead. Siendo además Williamson un nombre habitual en los últimos años dentro del universo DC, no parece descabellado que ECC pudiera atreverse a traernos las aventuras de Mike Rhodes y su desdichada familia.
Demonic
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Definir de qué va Demonic es una tarea… compleja. Se podría intentar diciendo que es como si tienes a Batman de protagonista, solo que Batman es el villano, el villano en una historia de terror tipo slasher, con toques sobrenaturales que tienden a lo satánico y ciertas reminiscencias que recuerdan a… ¿Birdman? Vale, a ver, contextualicemos un poco.
Demonic es una miniserie de 6 números que cuenta con guion de Christopher Sebela, dibujo de Niko Walter y color de Dan Brown. Publicada en 2016 en el mercado norteamericano, aquí tenemos una historia que combina muchos elementos de sobra conocidos para crear algo que huela a nuevo.
El guion de Sebela es, como de costumbre, muy denso. Al guionista le gustan los diálogos extensos y las reflexiones profundas a través de recuadros de narración. Por fortuna, recurre tanto a ello porque se le da bastante bien y, como consecuencia, la lectura no se hace pesada aunque se comprima mucho la información. Si algo consigue el escritor en esta ocasión es que las escenas siempre tengan algún elemento de interés que las haga entretenidas y que el lector no tenga ni idea de lo que va a pasar a continuación.
En el apartado artístico tenemos un trabajo ágil, que tiende al realismo a pesar de sus trazos gruesos. En ningún momento cojea en lo que a narración se refiere y es capaz de bailar con destreza entre la tranquila cotidianidad y el extraño desasosiego sobre los que se construye la trama. El color, plano y de paleta de colores apagada (a excepción de elementos concretos) contribuye perfectamente a todo lo anterior. No estamos ante un trabajo deslumbrante, pero sí ante uno muy sólido.
Puede que leyendo estas líneas no quede muy claro de qué narices va Demonic, pero si algo tiene que sacarse en claro de aquí es que se trata de una lectura que merece la pena por ofrecer una propuesta distinta que se ejecuta con solidez. Aunque no se encuentre publicada en España (como casi toda la obra de Sebela), puede ser una obra interesante a la que acercarse si os pica la curiosidad y el idioma no es un impedimento.
Horizon
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Aparecida por primera vez en 2016 y con dieciocho números a sus espaldas, Horizon nos plantea un argumento muy interesante, a saber, ¿y si el universo estuviera en peligro y los habitantes de la Tierra fuesen el problema?.
En un futuro muy cercano y con una tecnología que, aun diferente, nos resulta muy familiar, Zhia Malen y un pequeño grupo de soldados del planeta Valius aterrizan en la Tierra, dispuestos a investigar a la gente que vive allí y con una misión secreta, impedir que esta terrible especie invada y destroce su planeta, pero el aterrizaje será complicado y vivirán en sus carnes lo peor de los temibles terrícolas. Con esta premisa Horizon es un cómic de acción, tensión y camaradería en el que el papel protagonista se lo llevan los que normalmente son los invasores, mientras que el temible enemigo somos nosotros. El guionista Brandon Thomas (The Many Adventures of Miranda Mercury, Noble, Voltron…) afirmó que esta historia no se le ocurrió de manera muy especial, le bastaba mirar cómo los seres humanos destrozamos día a día nuestro planeta, nuestro único lugar para vivir, pero a base de charlar con el director editorial de Skybound, Sean Mackiewicz, la historia fue evolucionando más allá de una reflexión ligera, con personajes carismáticos y pequeños misterios que habrá que resolver.
El dibujo corre a cargo del argentino Juan Gedeon, autor que realizó trabajos para Marvel, como Ghost Racers o Veneno, y para DC, entre los que cuentan Teen Titans o Doom Patrol, y su estilo hace diferente la colección. Formas con líneas muy rectas, poco fondo y muy centrado en la acción, la cual se describe perfectamente, dan un aire peculiar que se sale del esquema habitual, con partes algo irregulares y otras espectaculares.
Horizon resulta una colección muy entretenida, de las que atrae por su argumento y engancha por sus personajes, especialmente por Zhia Malen. ¿Lo malo?, pues que lleva tres años parada y parecía que no quedaba mucho para su final.
Kill the Minotaur
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La mitología clásica siempre ha guardado una estrecha relación con los cómics, especialmente en lo que a su faceta superheroica se refiere. Los paralelismos entre el funcionamiento de las épicas historias de Marvel o DC y la forma en la que los mitos clásicos se contaban y relacionaban entre sí es un tema del que a menudo nacen apasionantes conversaciones. Por ello, que se utilice el medio del cómic para narrar una historia como Kill The Minotaur parece una elección apropiada.
Kill The Minotaur nace de la idea de adaptar algunos de los mitos griegos clásicos al mundo moderno. Esto no significa que deban ambientarse en un mundo moderno, sino que se marca el objetivo de actualizar su narrativa de modo que se cuenten de una forma más similar o como se haría hoy en día. En este caso, se parte del mito de la Leyenda del Minotauro.
Atenas ha perdido la guerra contra Creta y ahora debe pagar regularmente tributos al rey Minos que consisten en mandar a morir a muchos de sus mejores ciudadanos al sobrenatural laberinto de Creta. Algunos creen que Teseo, el príncipe de Creta, puede ser la clave para acabar con el reinado de locura de Minos; pero ninguno de ellos es capaz de imaginar el secreto que se oculta tras los rumores del salvaje minotauro que vive en el laberinto.
En base a esta premisa, que en principio parece la del famoso mito sin ninguna variación notable, con Christian Cantamessa y Chris Pasetto al mando de los guiones, y Jean-Francois Beaulieu y Lukas Ketner del dibujo, nos sorprenderemos con una historia que plantea inesperados (aunque no incoherentes) giros de guion respecto a la historia que todos conocemos mientras la expone de una forma actualizada, profundizando más en cada personaje y sus motivaciones, planteando temas y dilemas que resuenen con fuerza para los lectores contemporáneos. Todo ello se condimenta con un ritmo trepidante, muchos conceptos molones y la sempiterna magia del mito original, que se transforma en una inesperada épica de terror con fuertes influencias de obras como Alien.
Publicado en 2017 a lo largo de 6 números, Kill The Minotaur se encuentra inédita en España, pero sin duda sería una licencia interesante por la que apostar dado el éxito que cosechó el cómic en el mercado norteamericano, llevando incluso a que se anunciase una futura adaptación cinematográfica del mismo de la que, hasta ahora, no se ha sabido nada más.
Redneck
Guion:
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Probablemente haya sido la ausencia más inesperada en la etapa de Planeta. No es exageración decir que Donny Cates es una de las grandes estrellas del momento en el cómic USA: durante los últimos años ha sido una de las figuras centrales de Marvel, convirtiendo a Venom en un superventas y haciéndose con una cabecera tan emblemática como la de Odinson, y en el apartado independiente ha triunfado especialmente con trabajos como God Country y esa tremenda bomba superventas que ha sido la reciente Crossover, ambas para Image Comics. Resulta por tanto sorprendente que el título que el guionista publica desde 2017 junto al artista argentino Lisandro Estherren no haya visto la luz en nuestro país, pero ya sabemos que los caminos editoriales son inescrutables. Lo que está claro es que en manos de ECC, Redneck es una de las grandes candidatas a dejar de estar inéditas en nuestra tierra.
En Redneck, Cates y Estherren se adentran en el género vampírico para darle la vuelta al arquetipo de las historias de chupasangres de una manera muy particular. Ambientada en esa Texas profunda que tanto le gusta al guionista, la serie sigue la vida de los Bowman, una familia de vampiros que trata de vivir pacíficamente apartada del mundo y de la violencia implícita en su naturaleza, ganándose la vida como granjeros y alimentándose de la sangre de sus animales. Sin embargo, los humanos que conocen su secreto no están por la labor de convivir en paz con esos seres infernales, y la tensión entre ellos solo necesitará de una pequeña chispa para hacer que todo salte por los aires.
Puede que Redneck no sea uno de los mejores trabajos de Cates, pero el guionista de Thor es un escritor excelente y mantiene siempre unas cotas de calidad envidiables para la mayoría de autores, por lo que cualquier trabajo suyo es siempre una lectura recomendable. El arte de Estherren no es de los que atrapa por su belleza, pero su estilo tosco y sucio resulta idóneo para trasladarnos hasta el árido y violento suelo del sur de Estados Unidos. La serie por el momento continúa, con su quinto arco a punto de finalizar, y sin duda es uno de los títulos que más ganas tenemos de ver dentro de los planes de ECC.
Slots
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Dan Panosian es uno de los grandes ejemplos de dibujantes que estuvieron en los inicios de Image, con toda la identificación visual que ello suele implicar, y que con el curso del tiempo supo reinventarse y realizar hoy obras completamente alejadas de aquel estilo. Entre 2017 y 2018 dio cuenta de ello en una publicación de Skybound, presentando un dibujo que se nota a mano suelta, estilizado, sin buscar imitar a nadie ni aspirar a nada más que dibujar como más disfrute. Y no solo en lo visual se nota que se deleita el autor que aquí es integral, sino también en el reparto de personajes que construye y en el mundo que los contiene.
Estamos en una Las Vegas que no se muestra habitualmente en las producciones que consumimos, pero que de igual modo tiene todo lo que esperamos ver en el imaginario de Las Vegas: boxeo, juegos de azar, bailarinas, historias de amor y decepción. Todo ello está, pero mostrado desde la otra cara de la moneda. El protagonista es Stanley Dance, viejo boxeador que cree demasiado en la buena fortuna y en la lectura astral, y regresa a la ciudad para cerrar una vieja historia con un amigo de antaño y compensar por errores del pasado.
Panosian crea un mundo tan agradable como despreciable a la vez, con personajes queribles y odiables también por igual. Todos componentes de una lectura que se disfruta de principio a fin, y que al fin de cuentas es otra muestra de lo que puede conseguir un autor cuando tiene libertad creativa, bien contenida por el trabajo editorial de Skybound.
Gasolina
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Sean Mackiewicz ha sido la persona encargada de ocupar el puesto de editor jefe en Skybound desde la fundación del sello. Sin embargo, como a todo buen editor, le terminó picando el gusanillo de ponerse detrás de los lápices, y en 2017 decidió debutar como guionista dentro de su sello. Para su aventura se alió con Niko Walter, un artista que ya sabía lo que era trabajar en Skybound gracias a su labor junto a Christopher Sebela en la serie Demonic, de la que hablamos un poco más arriba. Juntos crearían Gasolina, una serie de acción con tintes de terror que sus autores definirían como un cruce entre Narcos y Alien.
Gasolina nos lleva junto a Amalia y Randy, una pareja de jóvenes recién casados que se asienta en una zona rural de México tras un largo viaje de norte a sur huyendo como fugitivos de un pasado plagado de violencia. Sin embargo, parece que la violencia está empeñada en volver a cruzarse con sus vidas. Cuando un nuevo grupo de narcos comienza a sembrar el terror en su territorio, la pareja deberá decidir si continuar con su huida o plantar cara a una banda cuyos terribles métodos y creencias parecen estar despertando algo ancestral y maligno que está brotando del suelo mexicano.
El debut de Mackiewicz como guionista se salda con una obra oscura y violenta que en ocasiones resulta algo densa, pero que consigue salpicar una clásica historia de violencia y crimen bajo el escenario narco con unos tintes sobrenaturales que le dan una personalidad muy curiosa a la obra. El dibujo de Walter podría ser un punto flaco, pues sus rostros resultan algo fríos e inexpresivos, pero a pesar de todo la obra consiguió durante sus 18 números atraer la suficiente atención como para incluso llevarse una nominación Eisner a Mejor serie regular en su último año de vida.
Crude
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El 11 de abril de 2018 se estrenaba Crude, un trabajo que vendría con la firma de Steve Orlando y Garry Brown y que quedaría concluido ese mismo año tras cerrar su historia en su sexto número. Steve Orlando sería el encargado del guion, un autor de perfil medio al que hemos podido ver trabajar sobre todo para DC en series como Batman o Midnighter entre otras, pero también en distintos trabajos independientes tales como Dead Kings y Kill a Man para Aftershock o la reciente The Pull para TKO Studios. Por otro lado, el dibujo recae sobre Garry Brown, artista de estilo tosco al que hemos podido ver sobre todo en obras como Black Road (Image Comics) y Babyteeth (Aftershock).
En Crude conoceremos a Piotr Petrovich, un asesino profesional retirado que ve su corazón partido en mil pedazos tras recibir la noticia del asesinato de su hijo Kirilchik. Asediado por la sed de venganza, Petrovich viaja hasta Blackstone, la planta petrolífera en la que su hijo había decidido irse a trabajar y a vivir antes de su fatal final, un lugar en el que la violencia es rutina debido al cruento enfrentamiento entre la compañía que gestiona la plataforma y un grupo revolucionario que lucha contra su control. Piotr se meterá en medio de su guerra para descubrir al culpable de la muerte de su hijo y, quizás, descubrir todo aquello que desconocía sobre quién era realmente.
Crude es el tipo de obra correcta que tampoco provoca que muchos ojos se giren a su paso. El guion de Orlando tiene ciertos destellos de calidad, aunque en general adolece de algo más de caracterización de sus personajes más allá de su protagonista y de una trama que quizás mejoraría con algo más de espacio para darle desarrollo. Sin embargo, hay que concederle que introduce ciertos elementos en la historia que resultan algo diferentes para el clásico relato de ex-asesino vengándose. El dibujo de Garry Brown sabe manejar bien la narrativa, pero como ya pasaba en Babyteeth, su estilo tosco y poco detallado puede echar para atrás al lector al que no le entre bien por los ojos. Crude es en definitiva una obra curiosa pero poco destacable que probablemente no tenga hueco en el plan de ECC, pero quién sabe si teniendo a Orlando en el guion y un solo tomo podrían llegar a animarse.
Stellar
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Stellar fue raptada cuando era una niña y transformada en el arma definitiva, una capaz de poner fin a una guerra intergaláctica. Y lo consiguió; pero ahora es incapaz de sentirse en paz consigo misma. Convertida en cazarrecompensas, recorre los mundos que llevó a la ruina en busca de redención. Sin embargo, ella no es la única arma que queda en la galaxia, y hay quien se niega a dejar la guerra a un lado.
La historia que se nos narra en Stellar es extraña. Al principio, todo parece conducirnos hacia una típica historia de ciencia ficción con protagonistas que buscan la redención personal y muchos momentos épicos. No obstante, parece que el cómic se vale de estas expectativas que preconciben sus lectores para virar rápidamente hacia otros derroteros inesperados. Sin destripar nada más de la trama, podemos afirmar que no sabréis de qué va lo que estáis leyendo hasta el final. Esta confusión sobre las intenciones de la obra (que no confusión narrativa) es su mayor punto fuerte. Puede que, en general, el resultado global no parezca excelente ni redondo; pero lo que no se puede negar es que resulta una lectura fresca y sorprendente que mantiene al lector entretenido en todo momento gracias a su acelerado ritmo, un dibujo lleno de fuerza y a la intriga que genera por saber a qué punto se quiere llegar con todo lo que se cuenta.
Publicada en 2018 en el mercado norteamericano, Stellar cuenta con guion de Joseph Keatinge y dibujo de Bret Blevins y se compone de un total de 6 números. Quizá no se trate de una serie especialmente recomendable, pero contiene suficientes argumentos de interés como para que valga la pena echarle un vistazo si os llama la atención.
Evolution
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La evolución humana ha tardado millones de años en llegar a esta fase. Pero ahora, algo nuevo va a surgir. A lo largo y ancho del planeta, la humanidad está experimentando cambios repentinos e impredecibles, aunque solo parece haber 3 personas capaces de darse cuenta de ello. ¿Hay algo que puedan hacer al respecto?
Algo que llama inmediatamente la atención de Evolution es el extenso elenco de autores que hay tras el proyecto. Al cargo del mismo se hallan no uno, sino cuatro guionistas con la misión de coordinarse para crear esta historia. Se trata de James Asmus, Joseph Keatinge, Christopher Sebela y Joshua Williamson, siendo posiblemente este último el nombre que más reconocimiento ha obtenido en la industria hasta el día de hoy. Por si fuera poco, acompañándolos en el apartado artístico también se encuentran Joe Infurnari (dibujo) y Jordan Boyd (color)
Evolution nos presenta un mundo extraño en el que la humanidad está sufriendo extraños cambios biológicos como consecuencia de una evolución acelerada cuyo origen parece incierto. Estamos ante un cómic que desde el principio transmite un aire de rareza y misterio muy marcado en el que el dibujo tiene mucho que ver. Mientras se profundiza poco a poco en los detalles del mundo que se presenta, el foco de la narrativa irá oscilando entre los distintos personajes principales desde cuyo punto de vista observaremos el avance de la trama, permitiendo así al lector aferrarse a sus reacciones emocionales, coherentes y palpables, con el fin de que una historia que aspira a una escala tan amplia mantenga siempre un pie en la tierra y resulte más verosímil.
Evolution se compone de un total de 18 números que se publicaron entre 2017 y 2019 en el mercado norteamericano y que posteriormente han sido recopilados en 3 tomos. Aunque la serie era una gran apuesta de Skybound, desde donde pretendían convertirla en un fenómeno de ventas y un trampolín en la industria para sus múltiples autores, parece que finalmente no logró cosechar el éxito esperado.
Outpost Zero
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Mucho se ha escrito sobre tener que abandonar nuestro planeta en busca de un nuevo hogar, ¿pero qué sucede cuando las opciones que nos ofrece el universo son mínimas? El Puesto Avanzado Zero es la ciudad más pequeña del universo, un asentamiento humano ubicado en un planeta helado cobijado bajo una cúpula que protege a sus habitantes de la muerte segura de un mundo no apto para su existencia. La vida en Zero transcurre con cierta normalidad y rutina, pero siempre con una ominosa verdad sobre sus cabezas: cualquier accidente o desastre que afecte a la bóveda del bioma podría significar la muerte segura para toda su población, aislada hace años del resto de misiones colonizadoras. Por eso, cuando una gigantesca tormenta cubre por completo la cúpula por una enorme capa de nieve, sus ciudadanos deberán trabajar para encontrar la manera de evitar que su ciudad sea destruida. Sin embargo, mientras tanto Alea y el resto de sus adolescentes amigos investigan un misterio que está teniendo lugar dentro de sus amenazados muros.
Con este planteamiento se presenta Outpost Zero, una serie estrenada en 2018 con la que Sean Kelley McKeever, guionista estadounidense premiado en 2005 con un Eisner a Talento Prometedor y con un largo trayecto en Marvel al frente de distintas miniseries juveniles, regresaba a las viñetas después de unos años de parón. El guionista nos desarrolla una historia con mucha personalidad que toma una premisa encuadrada en la ciencia-ficción pero que la explota de una manera mucho más comedida de lo habitual. Outpost Zero no es una serie que busque la aventura y la acción espectacular, sino que se centra en la convivencia de una población que vive bajo la amenaza constante de ver la humanidad borrada del universo en cualquier momento en que un engranaje falle. Es quizás una serie a la que en ocasiones le falte algo de ritmo, pero su enfoque resulta muy interesante y le permite distinguirse del resto de series de sci-fi. En el dibujo contamos con Alexandre Tefenkgi, artista francés con su carrera desarrollada principalmente en Europa que debuta en el mercado estadounidense con este proyecto, en el que su dibujo amable y de trazo delicado, embellecido por el siempre brillante color de Jean-Francois Beaulieu, encajan con el tono tranquilo de la obra. Con una extensión de 14 números recopilados en tres volúmenes, podría ser una apuesta arriesgada pero interesante para ver en nuestro país.
Hardcore
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¿Y si el gobierno de los Estados Unidos tuviera el poder de controlar a cualquier persona en cualquier momento a favor de sus intereses? ¿Y si la tecnología que da acceso a ese poder se extendiera por todo el mundo sin control? Hardcore nace de un concepto ideado por Robert Kirkman y Marc Silvestri, dos de las mentes creativas que más éxito han cosechado en la industria del cómic. Sin embargo, son otros quienes se encargan de llevarlo a cabo, contando así el cómic con Andy Diggle como ejecutor del guion, Alessandro Vitti del dibujo y Adriano Lucas del color.
Hardcore nos presenta una historia repleta de acción desde su primera hasta su última página. Esta acción, además, está ejecutada con una maestría gracias a la cual se entiende a la perfección en todo momento y es capaz de guiar al lector por una trepidante montaña rusa de diversión. Los conceptos de los que se parten tienen potencial y se aprovechan adecuadamente, pero lo que de verdad importa aquí en todo momento es pasárselo bien; una máxima que se percibe a cada página que pasamos.
La serie se divide en dos partes. La primera parte es una miniserie de cinco números llamada simplemente Hardcore que salió a la venta en 2018 en el mercado norteamericano y contó con el equipo creativo mencionado más arriba a sus espaldas. Un año después, a finales de 2019, salió a la venta Hardcore: Reloaded, otra miniserie de cinco números que, a pesar de tener una palabra más en su título, es la secuela directa de Hardcore. Eso sí, de esta segunda parte se encargaron otros autores que consiguieron mantener el nivel de la obra. Más concretamente, Brandon Thomas tomó las riendas del guion y Francis Portela y Leonardo Paciarotti las del apartado artístico.
En definitiva, Hardcore ofrece diversión directa y sin tapujos. Es un cómic sin mayores pretensiones pero bien ejecutado que se devora con una sonrisa en la cara. Muy recomendable para quienes disfruten de una buena historia de pura acción.
Excellence
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Spencer Dales nació en un mundo lleno de magia. Su padre es miembro de Aegis, una sociedad secreta de magos cuyo propósito es el de mejorar las vidas de aquellos que tengan un gran potencial. Sin embargo, cuando a Spencer por fin le toca seguir los pasos de su padre, se da cuenta de que Aegis funciona bajo un sistema corrupto que necesita a alguien con una varita y la voluntad para cambiarlo. ¿Pero quién permanecerá a su lado en su lucha por un futuro mejor?
Excellence es un cómic que se centra, sobre todo, en la historia de un padre y su hijo. La relación entre ambos, como es de esperar, no será un camino de rosas y evolucionará de número en número junto al protagonista. Aunque este sea el tema principal, la obra no desaprovecha cada oportunidad que tiene para presentar ideas de interés que se relacionen con la magia, la otra gran protagonista. Estamos ante un tipo de magia que podría definirse como una mezcla entre Harry Potter y Doctor Extraño. Los personajes canalizan sus hechizos con varitas y existe toda una red de normas que regulan su funcionamiento, pero su uso práctico es mucho menos limitado y terrenal de lo habitual, permitiéndonos así disfrutar de numerosos y originales conjuros que impregnarán cada página con un toque especial.
Excellence cuenta con guion de Brandom Thomas, dibujo de Khary Randolph y color de Emilio Lopez. El primer número se lanzó en 2019 y todavía se encuentra inconclusa, a la espera de que su último número, el 12, salga a la venta en abril de este año. En España se encuentra inédita por ahora, pero no es poco probable que acabe llegando en algún momento. Desde luego, se trata de una propuesta atractiva, con un imaginario mágico sorprendente y una historia repleta de personajes y momentos con la fuerza suficiente para resonar en sus lectores.
Heart Attack
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La terapia genética ha librado a los estadounidenses de toda enfermedad, pero a cambio ha provocado el nacimiento de personas con poderes únicos a quienes el gobierno pretende negar sus derechos. Una inminente rebelión se prepara cuidadosamente. Entonces saltamos a los dos protagonistas: Charlie North se encuentra con Jill Kearney mientras huye de la policía. La atracción instantánea que sienten se transforma en un arma de destrucción masiva cuando juntos desatan unos poderes que ni siquiera sabían que tenían. La cuestión no consiste en cómo utilizarlos, sino en qué hacer con ellos.
Heart Attack nos plantea una historia que mezcla los superhéroes y el romance adolescente con una sociedad distópica en la que algunas personas han desarrollado una variación en un gen que les da poderes. Estas personas viven aisladas del resto de la sociedad y muy controladas por las autoridades, que las someten a una persecución continua. En base a esta premisa nos llega una obra algo floja a la que, sobre todo, le falta chispa.
Por la parte del romance adolescente, el cómic se apoya en unos extensos diálogos que se hacen aburridos, lentos y sin tensión dramática, derivando así en en escenas estáticas. La química entre los dos protagonistas es casi inexistente y el desarrollo de su relación genera levantamientos de cejas desde el principio. Por la parte de los superhéroes, los poderes que se muestran no sorprenden. Tampoco se usan de forma original ni llevan a escenas emocionantes. En cuanto al dibujo, su narración es fácil de entender, pero, de nuevo, no aporta mucho más. La historia intenta explorar temas con sustancia como el egoísmo del ser humano o el racismo que amenaza a estas personas con poderes, situación con la que se establece un paralelismo directo con los Estados Unidos de principios del siglo XX. Sin embargo, nada de lo que se intenta llega a funcionar y el resultado final deja una obra que, sin ser un desastre, tampoco ofrece mucho al lector.
Con guion de Shawn Kittelsen, dibujo de Eric Zawadzki y color de Michael Garland, el primer número de Heart Attack se lanzó en noviembre de 2019 en el mercado norteamericano. La serie cuenta con un total de 6 entregas.
Reaver
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A Justin Jordan le encanta la violencia. No hay más que leer Reaver para darse cuenta de ello. Esta serie, creada por Jordan junto a la dibujante Rebekah Isaacs, fue descrita como una versión fantástica de la película Los Doce del Patíbulo. Sin embargo, tal descripción solo se aplica al primer arco argumental. Quizás motivado por la buena acogida en las tiendas, Jordan continuó la serie a partir del séptimo número con una nueva premisa y un nuevo dibujante, Niko Henrichon. Tras la conclusión del segundo arco argumental los autores se han tomado una pausa con la intención de preparar más números antes de que termine este año.
En el primer arco argumental de Reaver dos estados se encuentran en una guerra sangrienta y brutal que un bando está ganando gracias al uso de magia negra y tecnología. Ante tal situación, el otro bando decide encomendar a seis prisioneros una misión suicida: adentrarse en territorio enemigo y destruir su fuente de poder. Si se niegan a participar, morirán al día siguiente. No todos volverán con vida. En el segundo arco argumental, con los supervivientes, ni la acción ni la cantidad de sangre decaen.
Este es ante todo un cómic de acción que usa la violencia y un acelerado ritmo narrativo para desmarcarse de la competencia. Las ideas de Jordan, Isaacs y Henrichon para la serie no incluyen nada innovador o profundo; juegan con tópicos del género que ya hemos visto en novelas, películas y series de televisión (Juego de Tronos es una muy evidente influencia), pero saben hacerlos entretenidos, o incluso apasionantes, al no dar respiro al lector con un sinfín de situaciones peligrosas con las que extraer oro de personajes arquetípicos, cuyas acciones y dinámica de equipo deparan grandes momentos.
Sin ser el mejor cómic de Skybound, Reaver es una lectura muy entretenida y recomendable cuya publicación en territorio hispanohablante estaría más que justificada.
Stealth
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Al igual que Hardcore, Stealth nace de una idea de Robert Kirkman y Marc Silvestri que se presentó en la edición de 2009 de Top Cow Special, evento de la editorial de Silvestri en el que los lectores votaban qué idea querían ver como serie regular. No hubo suerte, pero Kirkman no se olvida de ninguna idea que pueda generarle dinero. En 2019 se anunció a bombo y platillo que Universal Studios estaba desarrollano una película de Stealth y, claro, no podía faltar un cómic con el que dar a conocer la licencia.
Un joven reportero descubre que su padre, que padece la enfermedad de Alzheimer, es Stealth, un superhéroe que vigila las calles de su ciudad desde hace décadas. El guionista Mike Costa, conocido por su labor en Venom y G.I. Joe, trabaja sobre este concepto en una miniserie de seis números dibujada por Nate Bellegarde, con colores de Tamra Bonvillain y portadas de Jason Howard.
Costa es uno de los guionistas más irregulares que uno podría encontrar, y prueba de ello son sus trabajos para Marvel. Afortunadamente, sin ninguna imposición editorial cínica de por medio y con el equipo de Skybound apoyándole, en Stealth realiza un trabajo fenomenal, escribe sus mejores guiones en el género superheroíco. La relación paterno-filial entre Stealth y su hijo, eje central de la serie, resulta creíble y emotiva. Las tramas sobre las que construye su historia, que no aparecían en la propuesta original de Kirkman y Silvestri, son impredecibles y sumamente interesantes. Lo que comienza como una serie de superhéroes callejeros termina por convertirse en algo más ambicioso. Por no hablar de lo genial que es el villano de la serie. Pero no es solo Costa quien se merece halagos. La labor de Bellegarde y Bonvillain es excelente, haciendo de esta serie uno de los cómics de superhéroes más bonitos y espectaculares en el mercado, una lección de cómo narrar cómics de acción y aventura.
El equipo editorial de Skybound presumió de haber encontrado el equipo creativo idóneo para esta serie. No mentían. Stealth es una lectura recomendada para todo fan de los cómics de superhéroes.
Ultramega
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Nuestra última obra es tan inédita que ni siquiera se ha estrenado al otro lado del charco. Sin embargo, a pesar del gran catálogo que, como habéis visto, tiene ECC disponible para darle rentabilidad a la licencia de Skybound, estamos completamente seguros de que esta nueva obra estará dentro de sus planes más cercanos. Porque Ultramega tiene todos los ingredientes de un potencial pelotazo, no os quepa la menor duda.
La mente detrás de esta obra es la de James Harren. Nacido en Pensilvania, este artista comenzó haciendo sus pinitos en Marvel, pero rápidamente cambió su lugar de trabajo a Dark Horse, donde pasó a formar parte del mignolaverso poniendo su lápiz al servicio de Abe Sapiens y la AIDP. Lo veríamos también dibujar para las páginas de Conan y en general para un buen puñado de trabajos como portadista, pero su obra más famosa se lanzaría en 2014, cuando junto a John Arcudi se estrenó como creador independiente con la recomendadísima Rumble en Image Comics. Durante sus tres primeros arcos, Harren dejó un trabajo artístico magnífico, con un diseño de personajes y monstruos brillante y un dominio de la acción grandioso. Ahora sin embargo el artista da un nuevo paso en su carrera y se estrena en Skybound como autor completo, guionizando y dibujando esta serie, junto al siempre excelente Dave Stewart en el color.
En el mundo de Ultramega, una terrible epidemia está convirtiendo aleatoriamente y sin previo aviso a la gente en peligrosos kaijus que siembran el terror, una amenaza que solo pueden detener los Ultramegas, tres personas con el poder de convertirse en gigantes que deberán mantener a raya a las enormes criaturas. Una obra con la que podremos descubrir las dotes de escritura de Harren y en la que a buen seguro disfrutaremos de su talentoso dibujo. Su estreno está agendado para el próximo mes de marzo, por lo que probablemente no la veamos por aquí hasta 2022.
Magnífico trabajazo, gracias! Yo personalmente le tengo el ojo puesto a Stellar pq Keatinge me conquistó con su Glory