Fandome 2020 2ª Parte [Actualizando]

Bienvenidos al segundo round de este Fandome que nos ha preparado DC Comics. Las noticias son muchas y variadas, así que sin más dilación…

James Tynion IV se hizo cargo de Batman una vez que Tom King dio su etapa por concluida. Su enfoque ha consistido en hacer de la colección del hombre murciélago un blockbuster bombástico. Uno de los hitos de su etapa está a punto de llegar a su final y es hora de mirar atrás y reflexionar acerca de Joker`s War.

Lo primero que Tynion ha querido destacar es que la primera vez que sintió que el proyecto iba a ser algo emocionante fue cuando vio por primera vez el diseño de Jiménez del personaje de Punchline. El artista granadino ha expresado su emoción por poder utilizar influencias anime en un título de Batman.

Llega la primera gran revelación de la charla: en noviembre llegará un one-shot de Punchline.

Cecil Castellucci (escritora de Batgirl) y Dan Jurgens (escritor de Nightwing) se unen a la charla. La escritora opina que nunca se había tratado el trauma de Barbara Gordon antes. John Ridley (guionista de 12 años de esclavitud y reciente ideólogo de la campaña para la retirada de Lo que el viento se llevó de HBO y librerías) se apunta a la charla para hablar de la próxima antología de Batman en la que va participar.

Su historia (dibujada por Oliver Coipel) se centrará en Lucius Fox, en la familia y en la paternidad.

Una de las sorpresas de las últimas semanas ha sido Three Jokers: un proyecto que todos daban por muerto y que ha sido unánimemente alabado por la critica, más allá de comparaciones con La broma asesina.

Johns ha querido destacar que su historia se centra en el trauma, en las cicatrices. Fabok dice que dibujar una historia de Batman de este calibre es un sueño hecho realidad. También dice que está es su obra maestra, su legado.

¿Cuáles son las mayores influencias de Fabok? Tim Burton y Jim Lee. Y por supuesto Brian Bolland, de quién destaca el aspecto atemporal de su arte y de su interpretación de Batman.

Sin duda, Tom Taylor es el escritor del momento. DCeased sigue sigue siendo la apuesta más segura para el título de FUTURO CLÁSICO, mientras que Hellblazer y Escuadrón Suicida no están nada, pero que nada mal.

El personaje favorito tanto de Tom como de Trevor es Superman. La mayor sorpresa de la fandome: a Tom Taylor no le gustan los zombies. Tanto el editor de la serie como Taylor creen que la gente hablará durante años de los eventos de los próximos números…especialmente del final del cuatro. Habrá que estar atentos.

Pasan a hablar de Injustice: Year zero, en la que se responderá a la gran pregunta: ¿por qué el Joker mató a Lois Lane? Todos sabemos que Superman se convertirá en un líder fascista…y la moralidad será el gran tema a explorar de esta serie, cuando la JSA tenga de repente ¿el deber? de…¿matar a Hitler?

¿Eres dibujante y tu sueño es trabajar para DC Comics? Aquí tenemos a maestro y alumno, el legendario Klaus Janson (Batman: The Dark Knight Returns) e Isaac Goodhart (Under the Moon: A Catwoman Tale), explicando sus experiencias. Isaac explica que había pocos sitios en Estados Unidos donde aprender a ser dibujante, y se fue a Nueva York para poder tener las enseñanzas de Klaus. Su primer cómic fue para Marvel en el 1972, tras empezar en el negocio cortando papel. Tras ello tuvo un intento de acceso fallido en cuanto a DC, pero tuvo suerte y pese a todo pudo conocer a grandes editores en la compañía en ese momento. Por parte de Isaac pudo participar en uno de los seminarios que DC hace para encontrar nuevos creadores, y ver donde pueden encajar – en su caso en la potente y exitosa línea DC Ink.

Isaac comenta su forma de abordar cada nueva página y las diferentes perspectivas y referencias que incluye en cada panel que la compone. En el caso de Klaus nos cuenta que hay 2 ámbitos a dominar en esta industria: la narrativa y el dibujo. La narración de las viñetas son la importancia de cada panel, cuantos paneles hay, quienes aparecen en cada panel y cuanto ocupan del mismo. Todas estas decisiones son las que dan sentido a la narrativa. No puedes hacer cualquier cosa porque tus decisiones forman parte de la narrativa y la información que quieres trasladar al lector.

¿Qué les atrae de un guión? A Klaus el lugar donde transcurre la historia. Si es un lugar interesante, si tiene algún punto del cual pueda sacar todo su potencial. El ritmo también es muy importante, no sólo acción sino que esté intercalado con escenas más cotidianas. La estructura es uno de los puntos clave para que acepte un encargo. También comentan que los principales grandes artistas siempre han tenido inspiraciones fuera de su entorno.

Otra de las grandes influencias de Klaus ha sido la música, llegando a escribir historias que tenían la misma estructura y ritmo que las canciones que lo inspiraban. Isaac muestra algunos bocetos e ideas que ha realizado para su segundo trabajo junto a Lauren Myracle (Victor and Nora: a Gotham Love Story), donde puede ir más allá al conocerse ambos autores, sabiendo ya que funcionó en su primera novela. Poder establecer esta relación de confianza es muy liberador y desafiante para los dibujantes. Muestran algunos ejemplos de diseños/páginas que no funcionaban, y como abordaron hasta finalmente sacarlo adelante. Klaus comenta que la mayor competencia es uno mismo, ver lo bueno que has hecho en tu último trabajo y superarte en el siguiente.

Klaus comenta que una de las cosas más enervantes y a la vez emocionantes en los últimos años ha sido intentar aprender a dibujar en digital. Isaac dice que trabaja digitalmente, le gusta más y cree que se puede experimentar y asumir más riesgos de esta forma, pero cree que el dibujo tradicional perdurará siempre, y que pese a las nuevas tecnologías tendrán más recorrido y duración en esta industria. Klaus prefiere dibujar manualmente, escanearlas y entonces empezar a jugar con las posibilidades. Y a pesar de ser muy famoso y disfrutar mucho usando la tinta, si tuviese que quedarse con una disciplina se quedaría con el lápiz, volver a ser el dibujante y no el entintador en sus próximos proyectos.

Un panel igual que el anterior, pero enfocado a los guionistas que sueñan algún día que su nombre forma parte de las historias del universo DC. En la parte de dibujantes tuvimos maestro y alumno, y aquí tenemos a dos escritoras, en una industria donde los nombres femeninos siguen sin ser lo habitual. Cecil Castellucci ha pasado de escribir Shade the Changing Girl en el sello Young Animal hasta ser la última escritora de la serie regular de Batgirl. Sarah Kuhn es famosa por sus historias por superheroinas asiático-americanas y ha realizado trabajos para DC Comics tales como Deadman: Dark Mansion of Forbidden Love o más recientemente Shadow of the Batgirl con Cass de protagonista.

Sarah siempre ha leído cómics de superhéroes desde pequeña, pero nunca había entrado en la industria por el gran trabajo que conllevaría lograrlo. Eso cambió cuando una amiga le pidió participar en una antología de historias de cómic romántica, y a raíz de ese trabajo empezó a trabajar en la industria por parte de gente que disfrutó leyendo su trabajo. Por parte de Cecil también quería escribir cómics pero empezó siendo escritora de novelas juveniles. Shelly Bond, quien era editora de Vertigo por aquel entonces, leyó su primera novela y se percató de que era alguien que le gustaban los cómics de Vertigo. Y era así porque uno de los cómics editados por ella había sido su inspiración para ser escritora juvenil.

Para ser escritor hay que leer muchísimo, para saber realmente que es lo que te apasiona y poder encontrar tu propia voz. Ambas son autoras polifacéticas en muchos ámbitos, así pues, ¿porqué escribir cómics? La mezcla entre guión y dibujo, las infinitas posibilidades de poder combinar ambas para contar cada vez una historia diferente, lo hace tan especial y accesible para mucha gente. Otra ventaja es que puedes usar el silencio de una forma artística que no se puede lograr en otros medios. ¿Cómo es trabajar junto a un dibujante o un editor? Para Sarah escribir novelas puede ser algo solitario, uno mismo con tus propias ideas dentro de tu cabeza. En cambio los cómics es más un deporte de equipo, donde todas las partes colaboran para que el proyecto llegue a buen puerto.

La colaboración especialmente con el dibujante es muy importante, puesto que rompe los esquemas mentales de cada uno, para hacer algo mejor para que la historia funcione. Muchas veces no puedes elegir con quien colaborar en esta industria, así que necesitas estar preparado para ver como hacerlo funcionar. Ambas autoras hablan de los desafíos de escribir a Cassandra y Barbara/Oráculo y como lograron darle una voz única y personal a cada una de ellas. La forma de trabajar en otros proyectos con respecto a la serie mensual de Batgirl es que forma parte de un universo compartido. Esto hace que muchas veces no pueda ir en la dirección inicial porque debe adaptarse a las circunstancias de lo que está ocurriendo en Gotham City.

Por ello con esta serie Cecil trabaja con una «hoja de tiempo», para ver si va en la dirección adecuada, antes de escribir de golpe todo el guión que tenía en mente. En cambio en obras como Shadow of the Batgirl de Sarah ella escribió todo el borrador entero, y a partir de ahí empezaron a darle vida a la novela de DC Ink. Cecil comenta que una cosa es la historia que tienes en la cabeza, la que vendes al editor, la que envías al dibujante, la que regresa una vez todo el apartado gráfico ha hecho su parte. La historia pasa por un montón de procesos creativos desde su concepción hasta que es una realidad.

Algo común que suele haber en la presentación de una idea/boceto es describirla de forma mecánica, mientras que Sarah aboga por explicar lo que realmente trata la historia. Por ello, si en algún punto algo cambia de su concepción original, al final mantienes la misma historia. La idea de Cecil en Batgirl era mostrar el pasado de Barbara como Oráculo y mostrar como se enfrentaba a ella misma y como maduraba con la experiencia. Esa era su tesis para su etapa, y es algo que mantuvo aunque tuviera que lidiar con historias de otros personajes del universo Batman. ¿Un consejo para quienes algún día quiera que su nombre aparezca en las estanterías junto al logo de DC? Repiten lo de leer mucho, pero no sólo cómics de superhéroes.

Esto te dará conocimiento del medio, pero leer mucho material independiente te podrá dar una voz propia que haga que puedas escribir grandes cómics de superhéroes sin que sean las mismas historias de siempre. Sarah recuerda que no hay que empezar a escribir como algo para ser consumido sino para divertirse, explorar sin límites ni autoconciencia de tus cualidades y limitaciones. Porque eso será la base que dará pie a que aprendas a escribir cómics. El trabajo no termina una vez logras que publiquen un trabajo. Nunca será un trabajo perfecto, siempre puedes aprender y hacerlo mejor. Por ello se mejora al seguir trabajando, siendo cada publicación un documento de quien eras y como escribías en ese momento, y seguir evolucionando al empezar un nuevo proyecto.

Si hace un año nos hubieran dicho que:
a)una serie sobre Watchmen escrita por el tipo de Perdidos iba a convertirse en una obra maestra del audiovisual
b)una secuela de Watchmen en la que aparece Superman y el Joker iba a ser un tebeo bastante decente
c)el mejor escritor de la actualidad iba a escribir una serie sobre Rorschach
d)que está serie iba a dibujarla un artista español
nos habríamos reído.

¡Damon Lindelof reúne a Jorge Fornés y a Dios….quiero decir, a Tom King para hablar de la Biblia del cómic!

Lindelof admira muchísimo a Tom King; Tom King es el mayor p*** fan de Lindelof (textual); y para mi significa muchísimo poder asistir a esta charla entre grandes que hablan de Watchmen; ergo, todos contentos.

Para Tom King, Watchmen es “como la Tierra y el Sol, como una experiencia religiosa”. Fornés dice que el arte de Gibbons y Higgins es icónico y maravilloso…pero que para su propio trabajado ha decidido seguir su propio camino.

King dice que, obviamente, le habían ofrecido hacer cosas relacionadas con Watchmen mucho antes. “Pero no quería” dice “salir al escenario después de Richard Pryor, porque no estoy preparado para el fracaso. No quería hacerlo. Pero la locura confusa e increíble en la que se ha convertido Estados Unidos me ha impulsado a ello”.

Sigue: “Es un trabajo muy político y revolucionario”. Y ahora sigue Fornés: “El proceso creativo es el siguiente: Tom viene con una idea y a mi me encanta. Lo que pasa es que nos gustan las mismas cosas: el cine negro, Watchmen…

Noticia bomba:¡la serie transcurrirá después y en el mismo universo que la serie de TV de Watchmen!

La charla continua: King habla de Steve Dikto y Ayn Rand y todos salivamos. “Esta serie trata de un detective que investiga un asesinato…y que se busca a si mismo en un test de Rorschach gigante”. Desde luego, King tiene frases para enmarcar: “En lugar de contemplar a Roscharch desde el punto de vista de Ayn Rand, decidí contemplarlo desde el punto de vista de Hannah Arendt: una extremista de izquierdas obsesionada con el concepto de ciudadanía. ¿Cómo se relaciona el superhéroe y la ciudadanía?

Damon Lindelof le pregunta a Fornés como interpreta la faceta política de Watchmen siendo español (¡toma!)…y este dice que se centra en el aspecto visual.

Pregunta Lindelof: “¿Vamos a ver otros personajes de Watchmen en la historia?
Respuesta de King y Fornés: “¡SÍ”

Pregunta Lindelof: “Tom, Moore me maldijo por hacer la serie de Watchmen. ¿Crees que a Steve Dikto le gustaría esta historia?”
Respuesta: “No, la odiaría. Me explico. Todo mi trabajo trata sobre incertidumbre moral (algo que viene desde mis días como agente de la CIA). Sobre la idea de que crees que sabes que estás haciendo, pero no, en realidad no lo sabes. La incertidumbre moral era el Moloch de Dikto y me disculpo con su fantasma”.

¡Scott Snyder es nuestro guía! Tenemos:

-El Castillo de Batman (que ocupa todo América del Norte)
-New Apokolips

-Starro Land.

James Tynion y Joshua Williamson aparecen por sorpresa para hablar sobre su antigua y profunda amistad con Snyder. Este dice: «Estamos haciendo una BSO para el cómic. Marylin Manson cantará y Greg [Capullo] tocará la guitarra. Sabía que era bueno, pero ahora está fuera de control. Yo tocaré el cencerro.»

El documental sienta delante de las cámaras a algunos de los más relevantes autores de Superman a lo largo de sus ochenta años de vida. Aparecen Jim Lee, Neal Adams, Jon Bogdanove, Jerry Ordway, Dennis O´Neil, Louise Simonson, así como el exeditor de DC, Dan Didio. A lo largo del mismo desgranan la imagen de Superman a través de agudas reflexiones sobre lo que caracteriza a Superman.

La mitología está llena de héroes como Superman pero son dioses, semidioses, seudo dioses, y a diferencia de ellos Superman ha evolcionado para perdurar de forma constante en el tiempo. Si Action Comics llegó al número 1000 fue por la figura de Superman. Es el padre de nuestra mitología moderna.

Multifacetico, de forma que interactúa con la cultura de cada momento, de cada época, lo que lo ha hecho viable durante 80 años, siendo una figura inspiradora para cada generación.

Gaines compró Superman cuando no se parecía a nada de lo que se estaba haciendo entonces, donde imperaban los comics de vaqueros y detectives. Se buscaba algo que fuera optimista. Jerry Siegel y Joe Shuster tan solo reaccionaron a su propio entorno cuando crearon a Superman. Sus vidas estaban influenciadas por su situación social, la violencia en als calles, los robos, el hambre y lo que pasaba en Europa, por lo que Superman era la forma de responder a algo sobre lo que no tenían control.

Superman es extraordinariamente poderoso, pero inspira confianza, pues encarna la opción más pura del ser humano. La voz de la templanza, pensando en los demás. Superman es el personaje más esperanzador de todos. Lo respetas, no lo temes, aunque su poder es ilimitado su capacidad para usarlo ilimitadamente para hacer lo correcto es infinito. Tan grande su influencia que se realizó un experimento con dos grupos de control a los que se les separaron en dos habitaciones en las que en una había un poster Superman y en el otro el de una bici. Tras la exposición a estos dos elementos, se realizaron pruebas y primer grupo dio resultados más altos en altruismo que los que estuvieron viendo el postre de la bicicleta.

Superman no quiere ser considerado un dios, es el fundador de una mitología moderna que representa los mejores ideales de la humanidad. La forma de verlo es más una aspiración que una imagen real de su figura, pero su manera de hacer las cosas invita seguir luchando, a levantarse y volver a intentarlo.

Mantener a Superman vigente es un desafío, pero hay conceptos que no pasan de moda, como el autosacrificio, la entrega y la verdad y que son los que lo sustentan década a década.

Su imagen es tan reconocible gracias a un diseño de uniforme muy sencillo, que apenas fue explotado en sus piernas décadas, pero a partir de los ochenta llegó el cambio y se comienza a explotar el potencial visual del personaje y comprender que es tan protagonista Superman como Clark Kent. Superman es la identidad secreta de Clark Kent. Al contrario de lo que sucede con Batman, por ejemplo.

Byrne mantiene vivíos a sus padres en los ochenta tras Crisis en un movimiento que define mejor a Superman, aportando el ambiente de cariño y normalidad para alguien que no era normal en absoluto. Lois, Jimmy (la versión ingenua de todos los lectores), su trabajo, todo lo que le rodea es lo que le define como ser humano.

La muerte de Superman, su vacío dentro de la sociedad fue orquestada con toda la intencionalidad como una historia con un objetivo, no solo con visos editoriales. Analizar la muerte de Superman para todos, para el Universo DC y para los lectores con sus consecuencias, a corto y medio plazo. Fue un experimento social. La reacción de los lectores fue que lo que habían dado por sentado durante tanto tiempo, podía cambiar. Y por eso tuvo tanta repercusión entre los aficionados y medios de comunicación.

Trabaje quien trabaje con el personaje se trata de un trabajo de custodia, de tomar las raíces del personaje y crear algo nuevo, pues es el referente que siempre vuelve.

El futuro de Superman es el mismo que ha tenido hasta hora, reflejar lo mejor que puede dar la humanidad. Pues es le héroe que necesitamos hoy.

Entre el numeroso material disponible en la Fandome, hay varios documentales dedicados a uno de los símbolos más característicos de Batman, el Batmovil.

El primer vehículo que usó el personaje no hacía gala de ningún tipo de iconografía propia. Se trataba de un vehículo convencional de color rojo, con el que el Cruzado recorría las calles de Gotham. Fue Bill Finger el que pronto acuñaría el concepto de Batmovil, generando la necesidad de evolucionar a un vehículo menos convencional, que se acercara más a un coche de un justiciero enmascarado.
En los años cincuenta comienzan a incorporarse accesorios que identifican al coche con el personaje, siendo uno de los más recordados el del frontal con la máscara de Batman.

El cine, en sus inicios, no dotó a Batman de un vehículo especial, sino que luchaba contra el crimen en un modelo de calle por problemas presupuestarios. Fue en la serie de televisión de los años 60 cuando de verdad se dotó al Caballero Oscuro de un Batmovil único, un vehículo que portaba todas las señas de identidad del personaje y que hoy es todo un mito del diseño. Su construcción se realizó de forma manual sobre un prototipo de Ford, el Future, añadiendo todo tipo de artilugios para que ganara espectacularidad, como el motor a reacción de la parte posterior.

Fue en 1989, con el estreno de la película de Batman de Tim Burton cuando el Batmovil adquirió la importancia de ser un personaje más. Con elementos que lo podían emparentar con el que condujo Adam West, el batmovil de Burton desprendía un aura de brutalidad elegante que conquisto el corazón de los espectadores de todo el mundo.

Con la llegada de Batman Forever, llegó el desmadre, y se comenzaron a añadir exagerados complementos, así como luces innecesarias, que fueron pervirtiendo la idea del vehículo hasta el delirante batmovil de Batman y Robin. La curiosidad es que en los inicios de la producción el director habló con H.R. Giger para que diseñar el vehículo, entregando este un concepto imposible de trasladar a la pantalla, muy orgánico, casi vivo, con forma de insecto. En Batman Forever se usaron algunas de sus ideas, como que el motor fuera visible y tuviera alas de murciélago desplegables, pero poco más.

En los comics el coche tampoco permanecía ajeno a la evolución, siendo uno de los más recordados el Norm Breyfogle, un superdeportivo de líneas muy afiladas.

Y si hubiera que añadir algunos batmoviles más a la lista de míticos, deberíamos incluir el que se diseñó para la serie de animación, que buscaba trasladar la excelencia del diseño de la película de Burton a los dibujos animados, estilizando líneas y eliminando detalles superfluos.

Y como el sumun del brutalismo están los de Nolan, con su mezcla entre tanque militar y superdeportivo, que buscaba mostrar un batmovil creíble y funcional en una Gotham mucho más terrenal.

El documental desarrolla cada parte de forma muy dinámica, con imágenes del diseño, del modelado de maquetas, construcción de los modelos en fibra de vidrio, así como el montaje de todo sobre los chasis reales de vehículos con lo que poder hacer las pruebas necesarias de viabilidad.
Una de las señas de identidad de Batman, que ya forma parte de su propia mitología y que no deja de evolucionar mostrando cada momento cultural en el que se desarrolla. Una máquina para perseguir a los criminales de Gotham. Una máquina para impartir justicia.