Las 52 reseñas: Demon Knights 1, Frankenstein 1 y Resurrection Man 1

Si la semana pasada asistimos a la integración en el Nuevo Universo DC de glorias incontestables como Animal Man o La cosa del pantano, ésta constatamos que en DC Comics han llevado a la práctica otro de los mecanismos que, en el subsello adulto de la compañía, tan buenos resultados dio en el pasado: la reimaginación; un concepto al que los aficionados a la línea Vertigo están más que acostumbrados. La mecánica es sencilla… se escoge un personaje o una cabecera de tiempos pretéritos, a ser posible con una historia editorial tortuosa (si hay antologías genéricas de por medio, mejor) o poco exitosa, y se reinventa haciendo guiños a la continuidad o definiéndolo desde cero. Éxitos como Blanco Humano, The Sandman, Kid Eternity o Los Perdedores se edificaron a partir de esos cimientos. Y, ahora, para esta línea Dark (o Vertigo 2.0) que a todos los efectos es un retorno a los tiempos en que superhéroes y personajes del fantástico y el terror compartían universo, se ha vuelto a confiar en la reimaginación para lanzar no pocas cabeceras. Hoy, aquí, analizamos las tres que se publicaron ayer.

Demon Knights 1, de PAUL CORNELL, DIOGENES NEVES y OCLAIR ALBERT; Portada de TONY S. DANIEL; DC Comics; 32 págs., 2,99 $.

Que el guionista y escritor Paul Cornell siempre había tenido la ambición de escribir una serie en la línea Vertigo es algo que sabíamos desde que, hace más o menos un año, se encargara de llevar a Muerte, de los Eternos, hasta las páginas de Action Comics. Lo que ignorábamos es que Cornell sería capaz de hacerlo tan rematadamente bien y que, paradójicamente, no lo haría formalmente en el sello adulto de DC. Señoras y señores, probablemente estemos ante de uno de los tebeos más entretenidos y mejor construidos de todo el relanzamiento. En efecto, en las páginas de Demon Knights el británico recoge toda la esencia de Etrigan y la hace totalmente suya. Reconocemos al diablo, a pesar de que no rime sus frases, de la misma forma que apreciamos el regusto a cábala que le imprimió el gran Kirby cuando lo creó en 1972, que aplaudimos la canónica vinculación a la leyenda artúrica extraída de la que impusieron Len Wein y Matt Wagner, o que nos reímos con la socarronería inherente a los mejores números de Alan Grant o Garth Ennis. Y cuando los destinos de la tropa que lidera este engendro infernal mire de tú a tú a los superhéroes, nos resultará tan natural como cuando Bob Haney y Jim Aparo lo hicieron interactuar con Batman. Pero sea como fuere, ahora y siempre, este Etrigan es ya, desde el primer número, el de un tipo llamado Paul Cornell.

El espíritu que sobrevuela la colección queda claro desde el primer momento, con unas viñetas iniciales que homenajean los planos finales –Dama del Lago incluida– de la Excalibur de John Boorman: estamos ante la caída de Camelot, Arturo ha muerto y, en su desesperación y como última esperanza, el mago Merlín aprisiona al demonio Etrigan en el cuerpo de Jason Blood, un humano que alcanza así la inmortalidad. Cuatro siglos después, en una época identificada como la Edad Oscura pero totalmente anacrónica, un mundo fantástico en el que lo mismo habitan bárbaros que dragones se despliega ante el lector. Y, en este contexto, Blood/Etrigan agrupará a su alrededor a un variopinto grupo de guerreros y se enfrentará a un sangriento señor de la guerra. Con estos mimbres Cornell compone un tebeo de espada y brujería totalmente modélico y accesible: al neófito no le hace falta absolutamente nada para engancharse a la colección. Es más, si no se le dice nada podría hasta pensar que está ante una nueva creación basada, como ha especificado Cornell en numerosas entrevistas, en un imaginativo cruce entre Juego de Tronos, Dragon Age, y Los Siete Magníficos (curioso que el guionista no mentase a los samuráis de Kurosawa o a la Comunidad de Tolkien, con mayores semejanzas). Pero, y aquí viene lo bueno, Demon Knights no se queda en absoluto ahí. Básicamente porque el bárbaro del grupo no es uno cualquiera, sino el mismísimo Vandal Savage, porque la hechicera no es otra que Madame Xanadu, porque el paladín es El Caballero Brillante, y porque como señor de la guerra tenemos a Mordru en persona. ¿Cómo? ¿Que no es suficiente con convertir Demon Knights en el epicentro del mundo mágico del Nuevo Universo DC? Pues, en ese caso, revisad bien las viñetas de esa guía de lectura del relanzamiento que es Stormwatch, también de Cornell.

En el terreno gráfico, este primer número se muestra cumplidor. El lápiz de Diógenes Neves (gran coherencia anatómica) y la tinta de Oclair Albert (cromática y lumínica, pero sin voluntad psicológica ni predominio estético) resultan apropiados para reflejar, con el alarde propio del preciosismo detallista pero sin excesivo virtuosismo narrativo, ese universo ficcional que apriorísticamente tan definido está en el imaginario colectivo. Tenemos por tanto unas páginas en las que abundan pocas viñetas cuadrangulares (panorámicas, rectangulares verticales, macroviñetas de 2/3 de página) de gran tamaño y no pocas splash, todo ello con una definición precisa y prolija de fondos, ropajes y demás ornamentos propios de la fantasía heroica. A este acabado se le suma una luminosa y colorista paleta cromática aplicada por Marcelo Maiolo que incide en ese despliegue visual antedicho, y que consigue hacer de la lectura del cómic una experiencia muy agradable. En resumen, podríamos decir que en Demon Knights tenemos la quintaesencia del relanzamiento UDCero: una colección plenamente accesible para el neófito, con muchísimos guiños al aficionado de largo recorrido, que explora un género usualmente alejado de los universos superheroicos y que, sorprendentemente, está muy ligada al eje maestro de la nueva continuidad. Pero, por encima de todo, lo que el lector obtiene al hacerse con el primer número de Demon Knights es algo aún más simple: un título entretenido como el que más, no poco disfrutable y considerablemente bien escrito.

Frankenstein: Agent of S.H.A.D.E. 1, de JEFF LEMIRE y ALBERTO PONTICELLI; Portada de J.G. JONES; DC Comics; 32 págs., 2,99 $.

A estas alturas, no son nuevas las peripecias en el Universo DC del personaje creado por Mary Shelley entre 1816 y 1818, inmortalizado a través de infinidad de adaptaciones cinematográficas (con Boris Karloff a la cabeza): de Bob Kane a Len Wein, el moderno Prometeo hace tiempo que llegó a las colecciones de la Distinguida Competencia para quedarse, con especial atención a un Grant Morrison que lo reinventó para su magnífica Los Siete Soldados de la Victoria (a su vez basada en un supergrupo anterior). Con tan célebres precursores, lo que Jeff Lemire (a quien ya vimos la semana pasada haciéndose cargo de la excelente Animal Man) ejecuta en este primer número de Frankenstein: Agent of S.H.A.D.E es una fusión en toda regla de dos claros antecedentes: por un lado, la estupenda interpretación de Morrison (Frankenstein como miembro de la Super Human Advanced Defense Executive y a las órdenes de Padre Tiempo, aquí bajo la forma de una colegiala enmascarada) y, por el otro, el Creature Commandos de DeMatteis y Pat Broderick; el mismo que se publicaba en la antología Weird War Tales y que, en España, recibió el nombre de Comando Monster dentro de las páginas de Dossier Negro. Es decir, que el guionista sigue la estela de Flashpoint: Frankenstein & the Creatures of the Unknown, la miniserie de tres números que él mismo orquestó para este mismo año y que ambientó en la II Guerra Mundial. Desde entonces, Lemire ha concedido numerosas entrevistas (1, 2, 3), pero fue hace unos meses cuando mejor definió la auténtica esencia de esta nueva serie: «una mezcla entre We3 y Hellboy«. A lo que yo añado un «en este caso, más bien entre Doom Patrol y AIDP«.

Y es que, en efecto, sobre el primer número de Frankenstein: Agent of S.H.A.D.E. planea un saludable espíritu forjado a pachas con la lisergia de la etapa de Morrison en la Patrulla Condenada y con los casos sobrenaturales a los que suele enfrentarse la alineación del spin-off de Hellboy. Aunque que quede claro: todo en esta nueva propuesta es autónomo y no hace falta haberse leído nada antes. Ambientada en la «actualidad», las primeras páginas nos presentan a Frankenstein abandonando sus vacaciones y acudiendo de urgencia al cuartel general de S.H.A.D.E. (parodia a partes iguales de los filmes de James Bond y de la SHIELD marveliana) para hacer frente a una legión de monstruos que aterrorizan a los ciudadanos de bien. A tal fin, su superior le asignará un variopinto grupo de camaradas: Khalis (una momia), Vincent Velcoro (curtido nosferatu alado), Warren Griffith (un hombre lobo) y Nina Mazursky (una gill woman, sacada de La mujer y el monstruo, que parece prima hermana de Abe Sapien). Lo que sigue a partir de ahí es una bizarrada alejada de cualquier pretensión gótica o expresionista; un tebeo de hostias desatado y lisérgico en el que el exceso, y no la imitación de las antiguas películas de la Universal, es el rey absoluto e indiscutible. Lemire se lo debe de haber pasado en grande escribiéndolo.

Gráficamente los lápices y las tintas de Alberto Ponticelli (a quien ya vimos en el Soldado desconocido de Joshua Dysart) se adaptan a la naturaleza del guión como un guante: desproporción coherente, composiciones abigarradas y empleo de la tinta para alcanzar el feísmo a través del detalle; todo ello con una paleta de colores fríos que José Villarubia basa sabiamente en azules, verdes y marrones sucios. La composición de página, naturalmente, se orienta por su parte a dar cancha a la propuesta a través de una predominancia casi absoluta de la splash y la macroviñeta eisneriana, esa que integra y matiza pequeñas viñetas (rectangulares verticales y panorámicas). ¿Conclusiones? Un cómic competente y divertido al que sólo se le pueden poner dos pegas: la primera, que o se acepta a lo que se viene (tortas, locura, monstruos, bichos… despiporre, en definitiva) o difícilmente se conectará con la propuesta; y, la segunda, que tal vez los referentes comentados (Doom Patrol, AIDP) estrangulan una colección que se encarga de recordárnoslos a cada momento, consiguiendo que nos hagamos la incómoda pregunta de cuáles son, exactamente, los valores añadidos que ofrece este nuevo Frankenstein.

Resurrection Man 1, de DAN ABNETT, ANDY LANNING y FERNANDO DAGNINO; Portada de IVAN REIS y JOE PRADO; DC Comics; 32 págs., 2,99 $.

Los veintisiete números originales de Resurrection Man publicados entre 1997 y 1999 que me he leído para preparar este artículo (más el correspondiente especial DC: One Million o apariciones posteriores en Supergirl y Brightest Day) no dejan lugar a dudas: a pesar de la extraña mezcolanza entre el Vertigo más noventero, los superhéroes DCeros de toda la vida y la estética Image de la época, las aventuras y desventuras de Mitchell «Mitch» Shelley –un tipo que, cada vez que muere, resucita con un superpoder relacionado con las circunstancias de su deceso– tenían muchísimo potencial. Tal vez por ese motivo, en el marco de este relanzamiento del Universo DC y dentro de la línea Dark, a Dan Abnett y Andy Lanning (los guionistas entonces, los guionistas ahora) se les haya concedido una segunda oportunidad. Y la han aprovechado para presentar el que probablemente sea el cómic más Vertigo (en sentido canónico, con sus ventajas e inconvenientes) de todos los presentados esta semana: un tebeo muy oscuro, con un misterioso protagonista, y en el que predominan la intriga, el terror y una sempiterna voz en off que, a través de cartelas, nos informa del discurrir interior de Mitch en primera persona. Todo ello, como han apuntado los escritores en diversas entrevistas, con un nuevo origen para este moderno Ave Fénix y también con un tono más realista y pegado al suelo; uno que aun alejándose premeditadamente de lo superheroico no renunciará, empero, a la amplia gama de tramas y géneros (ciencia ficción raruna, magia, género negro, etc.) que caracterizaron la anterior etapa.

Así las cosas, Resurrection Man #1 abre el telón, como no podía ser de otra forma, en una morgue. Mitch resucita, adquiere poderes magnéticos y se dirige a un aeropuerto en una serie de secuencias que dan lugar a uno de los pasajes más tensos y conseguidos de los que han tenido lugar hasta ahora en el relanzamiento. El resto se dedica a la presentación de diversos personajes: desde Lament, una nueva villana, hasta viejas «amigas» como Bonny Hoffman y Carmen Leno, más conocidas como las Body Doubles –asesinas por contrato que además ejercen de dobles para la industria cinematográfica, y en cuyo retrato hay mucha sexploitation sesentera premeditada–, o la buena de Madame Xanadu, que parece estar en casi todos los fregados de la línea Dark. Muchas cosas en apenas veinticuatro páginas que mandan a la porra el decompressive, enganchan a un lector que quiere saber más y, encima, se permiten el lujo de presentar dos finales consecutivos (o un final con epílogo, como se prefiera).

Sin embargo, lo que realmente alucina en Resurrection Man es su apuesta visual, la más refinada de toda la línea Dark: Fernando Dagnino recoge el testigo de de su antecesor y consigue que casi nos olvidemos de él. Y es que el español no sólo se empapa de los puntos fuertes de Guice (gestión de la perspectiva, maestría con el punto de fuga en los distintos planos de la misma viñeta) sino que es capaz de mejorar su coherencia anatómica y de incorporar registros característicos del terror de los setenta y ochenta (atención al hatching) con una soltura pasmosa. Al acabado final contribuye igualmente una composición de página rica en superposiciones y viñetas de distinto tamaño y orientación (la secuencia del avión es descomunal), la fluidez narrativa del conjunto y, muy especialmente, la paleta cromática de Santi Arcas (por lo común fría, apagada, sutilmente psicológica gracias a su gestión de los tonos base). Un señor tebeo que no debe pasar injustamente desapercibido entre tanto nuevo título.