Magazine DC España – Junio

INTRODUCCIÓN

El verano ya llega. El sol abrasador, dicen que este año la canícula va a ser especialmente sofocante, espera paciente a que dé inicio su periodo más activo, sin que por ello las novedades en las tiendas se vean afectadas por ello. No en vano el papel arde a 232,77 grados centígrados, lo que es una temperatura incompatible con la vida y por suerte para nuestra colecciones y novedades, claro está.

Y por nuestra parte, fieles a la cita mensual del Magazine DC, llegamos puntuales al primer día de las novedades de ECC / Hidra relacionadas con nuestra editorial favorita, para rescatar lo mejor de lo mejor de un mes lleno de novedades de los más variopintas.

Además de hablar de Superman, la Liga de la Justicia, Flash… hay espacio para hacernos muchas preguntas en el fenómeno editorial que ha significado la fusión de los videojuegos y Batman. Y para ello os invitamos a participar en la encuesta que hay al final y comentar todo aquello que os pueda parecer relevante de tan interesante, o no, propuesta.
Pero también hay una nueva ración de ventas, esta vez dedicada a los recopilatorios de enero de 2019, porque no siempre la vida se mide en grapas.

No os podéis perder la entrevista de este mes. Hemos hablado con traductores, dibujantes y entintadores, pero quedaba un área por explorar, el color, y por ello contamos con la presencia de Diego Rodriguez, que nos adentra en el mundo del color en los cómics como elemento fundamental de estos.

Esperamos que todo este coctel os apasione de la misma forma que a nosotros y paséis un mes fantástico navegando entre las entrañas del Universo DC.

TITULARES

• Columna de opinión
• Análisis de novedades
• Curiosidad del mes
• El lanzamiento del mes
• El cómic destacado del mes
• No te puedes perder…
• Infantil/Juvenil
• Otras reediciones
• Coleccionismo DC
• Entrevistamos a…
• Ración de ventas
• Es la hora de la encuesta…

¿CÓMO SE AGRUPAN LAS NOVEDADES DC DE ECC CADA MES?

Resulta curioso recordar como durante nuestra juventud sabíamos perfectamente los cómics que teníamos y los que no, conocíamos las portadas de un simple vistazo y nuestra mente era el único sistema válido para organizar nuestra compra mensual. Bien es cierto que el volumen de cómics que comprábamos entonces no era el mismo que el actual y que el compendio de pensamientos que ronda nuestra cabeza durante la vida adulta no es equivalente, es lógico perder la capacidad de elegir los cómics sin mejor aliado que nuestra memoria. O simplemente debamos aceptar que nos hacemos mayores y no podemos evitarlo. Hoy en día acceder a la web de la editorial para comprobar el listado de salidas se antoja imprescindible para adquirir aquello que te interesa. Una costumbre indiscutiblemente fomentada por el sistema de ECC que dividía en cuatro salidas semanales todas sus publicaciones sin ningún orden aparente. Ahora la editorial de las tres letras cambia el plan de publicación, manteniendo las salidas por semanas pero agrupando por forma y fondo, simplificando el proceso de selección de títulos que tan poco nos costaba en nuestra niñez.

Por lo general ECC tiene el martes como el día señalado en el que pone a disposición del público todo su material, por lo que ahora sabemos que el primer martes de cada mes podremos encontrar las continuidades DC y tomos DC Saga (las grapas y los tomos serializados). La segunda salida está dedicada al manga. La tercera será para lo que la editorial denomina, ECC Comics, que engloba BD, cómic independiente americano, cómic de autor, etc. Igualmente deben marcar la fecha en rojo aquellos que sigan los títulos de la línea DC Black Label. La última salida será reservada para los más pequeños de la casa con la publicación de la línea Kodomo. También es el momento para las novelas gráficas de DC Comics. Todo el material se adhiere a esta nueva norma a excepción de Death Metal. Hablando desde la especulación, probablemente se deba a las distintas ediciones que presentan las series referentes al evento de Snyder y Capullo y la posible necesidad de que deban publicarse al mismo tiempo en los distintos países. O quizás Death Metal siempre tiene que dar el cante, nunca mejor dicho.

Este nuevo método facilita la compra mensual y habrá consumidores que posiblemente tengan que visitar menos veces el establecimiento especializado. Para muchos, la visita semanal a nuestra librería es una religión, un oasis de placer en la ajetreada vida que todos llevamos. Pero hay aficionados que viven en zonas rurales que carecen de un local para adquirir la deseada ración de cómics. Para ellos es necesario desplazarse a la ciudad o establecimiento más cercano, algo que puede suponer un engorro y que requiere planificación con los consecuentes problemas que acarrea. Este cambio puede facilitar las cosas a no pocos aficionados.

La editorial es criticada sin concesión con asiduidad y rara vez se resaltan sus aciertos, pesando siempre más las decisiones controvertidas, que todas las editoriales tienen en mayor o menor medida sin que estas sean juzgadas con la misma inquina. Una decisión afortunada como esta cabe destacarla. En muchos casos el lector seguirá necesitando ir cada semana a su librería favorita a comprar el material de ECC, pero también existen los que se ahorrarán uno, dos o incluso tres viajes si es que así lo desean, gracias a este movimiento editorial. Y es que no es lo mismo asistir por obligación que ir por placer. Un movimiento lógico por parte de ECC que no arregla del todo, pero sí optimiza mucho su complicada publicación anterior.




CAPUCHA ROJA: EL FORAJIDO – SEGUNDA TEMPORADA



Continúa la publicación de volúmenes de Capucha Roja en nuestro país. Este Capucha Roja, El Forajido: Segunda temporada que nos ocupa es muy esperado pues es la continuación al primero editado y la culminación de todos los tomos que han recopilado la etapa iniciada en el Renacimiento. En él podremos descubrir qué ha ocurrido con Bizarro y Artemisa tras perderse en una extraña dimensión, a la par que continuamos con la historia del anterior libro del forajido, donde Lex Luthor propone a Jason una inesperada colaboración. El Año del Villano llega a la cabecera del segundo Robin. Al contrario de lo que en un principio se pudiera pensar, el calvo no ofrece poderes al joven. Apex Lex considera que Red Hood tiene mucho que enseñar y coloca a Jason Todd a cargo de un grupo de jóvenes con superpoderes. El antiguo pupilo es ahora maestro. Una circunstancia interesante para el antiguo chico maravilla que brilla en los últimos volúmenes de la mano de un Scott Lobdell asentado con el personaje, mucho más acertado que durante la etapa del New 52. Un guionista que ya ha mostrado al protagonista en cierta forma como profesor. Al principio del Renacimiento, prácticamente lo era para Bizarro, además de demostrar durante toda la etapa paciencia y empatía con el monstruo, rasgos aplicables a todo buen educador.

Sin embargo, los alumnos son futuros supervillanos. Jason ha de ser duro con ellos si quiere que le respeten. ¡En un buen jaleo se ha metido el Robin resucitado! Ver como lidia con esta circunstancia y comprobar si mantiene su renovada personalidad del Rebirth con la cual, y en principio, no casa especialmente su nuevo estatus o asistir a un nuevo cambio de paradigma en el personaje es una de las grandes incógnitas de este tomo, cuya compra por los seguidores del personaje está asegurada.

SUPERMAN #29



Llega el inicio del final de la etapa de Bendis al frente de Superman. El máximo valedor del Hombre de Acero encara sus últimos números antes de dar el salto a la Liga de la Justicia, sin dejar de ser fiel a su propio estilo y condición. Una etapa que no ha terminado de encontrar a su público, pero que se erige como una etapa sólida, atrevida incluso por alguna de las decisiones que Bendis ha tomado con el personaje, y que ha sido capaz de derivar en una sub trama muy atractiva, Leviatán, para construir un todo con el ADN de Bendis de principio a fin.

Junto al escritor de Naomi, un Iván Reis en estado de gracia, capaz de aguantar el ritmo mensual, casi, pero nos entendemos, además de un Romita Jr. que se nota ya aburrido de su estancia en DC.

Los arcos argumentales son difusos cuando se habla de Bendis, pero ahí están para llegar a este final con el ansia de que se resuelvan algunas de esas tramas secundarias, dignas del Claremont de Excalibur en cuanto a dejarlas inconclusas (no se trata de una comparación entre calidad de autores, solo de una circunstancia). Y es que lo bueno si breve, dos veces bueno.

Para preparar el final toca buscar la artillería pesada, y enfrentar a Superman a dos poderosas amenazas, en la línea de los que ya se pudo ver con Rogol en el inicio del trabajo de Bendis, que busca asentar a estas nuevas creaciones en el universo DC. Un asentamiento que podría o no ser perdurable, veremos que hace su sucesor cuando tome las riendas de una serie que Bendis a escrito con oficio, pero que ha quedado algo vacía de alma.

FLASH #56



El mes pasado se cerró un ciclo cuando Joshua Williamson dejó la serie en la que había estado involucrado desde Renacimiento. Cien entregas, un récord, en una etapa que en conjunto poco ha llegado a aportar al personaje de Flash. Y, sin embargo, llegó con un final digno a tan irregular etapa.

Pero la maquinaria no se detiene y el Velocista Escarlata debe continuar quemando suela y para ello recala en la serie el escritor, Kevin Thomas Shinick (1969), un hombre orquesta que es escritor, productor, actor, locutor y director, de múltiples productos audiovisuales desde que en 1996 empezara en televisión como presentador del show ¿En qué época está Carmen Sandiego?, para pasar a escribir, dirigir y protagonizar el largometraje It´s About Time, así como trabajar en serie de animación stop-motion, Robot Chicken, los bocetos de animación de la serie de MAD, escribir para Marvel, Superior Spiderman Tema Up, Superior Carnage y para DC, con una historia en Batman 80 Page Giant. Y no contento con esto es también autor de una novela dentro del universo Star Wars, Force Collector.

Con semejante currículo, versatilidad y pasión por el arte, las expectativas alrededor del nuevo enfoque que puede aportar a Flash son enormes. Williamson ya denotaba severos signos de fatiga y con Shinick a bordo puede pasar cualquier cosa. Aunque para empezar su etapa opte por lo seguro y recupere a Trickster, y se centre en el anillo en el que Barry porta su traje de Flash.

Y acompañando a Shinick, también se estrena un nuevo dibujante, Clayton Henry, viejo conocido de los lectores de Marvel, como Exiles, Alpha Flight, X-Men Unlimited, así como de sus trabajos en Valiant, en series como Harbinger Wars, Archer & Amstrong, entre otras.

Sangre nueva. Nuevo enfoque. Nuevas carreras. Máxima expectación para ver cuál es el nuevo destino que le depara este equipo creativo a Flash y todo su elenco de secundarios. Mientras tanto, no os perdáis Death Metal para saber más de alguien que también corre…

LA COSA DEL PANTANO – CUENTOS DE LA CIÉNAGA



Luisana, sur de los EEUU, tierra de españoles y franceses, tierra de propietarios y esclavos, tierra del terror… tierra de los pantanos.

Bajo el título de “Cuentos de la ciénaga” se recogen en esta ocasión un conjunto muy amplio de relatos (con uno principal) relacionados con tan mágica tierra y su habitante principal, la Cosa del Pantano, de calidad variable y resultado muy desigual. Lo mejor que guarda, desde luego, se trata de la presencia de su personaje, del magnetismo absoluto que transmite una personalidad de su entidad, protagonista de algunas de las mejores historias de DC Comics, fundamentalmente aquellas escritas por Alan Moore y dibujadas por leyendas como Rick Veitch, Steve Bissette y John Totleben.

Sobresalen en esta ocasión nombres como Mike Perkins (dibujante actual de la colección de Swampy y con un estilo muy adecuado para el personaje, captando el magnetismo inexplicable del dibujo) o Steve Pugh (otro dibujante asociado a grandes historias terroríficas, como las correspondientes a la etapa de Jamie Delano en Hellblazer y Animal man). Entre los escritores, tenemos como principal a Tim Seleey, junto a otros como son PK Johnson.

Como toda obra de estas características, sabrá satisfacer en mayor grado las pretensiones y deseos del lector asiduo del personaje, menos quizás al resto, no tan familiarizado con el mismo.

BATMAN – DETECTIVE COMICS #24



Si algo puede decirse en virtud de la etapa de Peter Tomasi al frente de la segunda cabecera del murciélago es que ha tenido una capacidad de adaptarse al plan editorial verdaderamente admirable. En esta ocasión, a las conclusiones mostradas por la Guerra del Joker, primer evento importante de este 2020. Recordemos que, de acuerdo con su guionista, Dan Didio se aproximó a él para trazar un argumento que permitiera llegar a los 1000 números de Detective comics, contando con su cualidad de autor de confianza en la editorial. Con este, llega al 1030, en plena sintonía con la colección y su entorno, habiendo recuperado personajes y escenarios para desarrollar aspectos de la mitología de Batman que en años pretéritos no habían sido tenidos en cuenta.

Para el primer número le acompaña Nicola Scott (con el color magnífico de Trish Mulvihill), que da buena cuenta de las ideas del guionista con su estilo (disfruta en este tomo de spash pages que harán de las delicias del lector). Vemos a un héroe centrado en su faceta de detective, volcado en la defensa de una ciudad a la que siente haber fallado en demasiadas ocasiones en el pasado, desde la toma de la misma por parte de Bane hasta la reciente del Príncipe Payaso del Crimen. Otro elemento notable en las ideas del guionista para la cabecera está en la humanización del protagonista (tal y como ha dicho en entrevistas), sus errores y caída. Dado el contexto y coyuntura en la que se encuentra este se trata de un momento idóneo para poner en práctica las mismas.

Para los siguientes, tenemos a Kenneth Rocafort y Bilquis Evely. Al dibujo de esta última le acompaña el color de Mat Lopes, fundamental en la historia. El color rojo que domina las viñetas y la acción en una aventura sencilla para el cruzado de la capa y que mantiene el interés en todo momento.

Se tratan estas de tramas que, sin ser elaboradas en exceso o de carácter reformador, sabe dar un entretenimiento a la altura, con un conocimiento total de sus personajes y los temores y dudas que les dominan.

DOOM PATROL: EL PESO DE LOS MUNDOS



Gerard Way ya sorprendió a propios y extraños con su debut como guionista de cómics en 2007. El vocalista de My Chemical Romance se marcó con Umbrella Academy una sensacional y bizarra historia de superhéroes familiar. Aupado por el éxito de los dos primeros arcos de la serie de Dark Horse, una DC comics envalentonada, le pone a cargo del sello Young Animal. En esta especie de refrito de Vertigo, le conceden además la oportunidad de capitanear las aventuras de una nueva Patrulla Condenada en 2016.

¿Dije nueva? Bueno, en parte es relanzamiento y nuevo volumen, pero Way aprovecha muy inteligentemente algo de historia reciente y mucho de la etapa de Morrison, adorada por el ahora guionista. Lo mezcla con algunas ideas nuevas, lo sacude, y gracias al talento del dibujante Nick Derington (todo sea dicho), sale un coctel digno de degustar.

El primer arco, además de un personaje que pronto se convertirá en favorito, Casey, trae ideas tan interesantes como el origen de la fuerza negativa de Larry Trainor o la explotación de los recursos que genera Danny (¿la calle, la ambulancia, el mundo?). En el segundo aún nos llevaría más lejos con una muy interesante trama que rompe cuartas paredes y hasta alguna que otra marca comercial para devolvernos a personajes del pasado. Como colofón, en 2018, se le ocurrió un crossover entre lisérgico y súper-heroico (en realidad, entre Young Animal y el Universo DC) en las curiosas Milky Wars. Aunque atrevidas, el baile de guionistas y dibujantes las hizo perder algunos puntos ante la excelente primera etapa. Sin embargo, aún se las arreglo el cantante para regalarnos en el crossover final (JLA/Doom Patrol) el regreso de Rita Farr y un Cliff Steel de carne y hueso. De hecho, se prometían muchos cambios tras las Guerras Lácteas pero el sello más inconformista de DC apunto estuvo a punto de perecer en el intento.

Sin embargo, el miedo a la cancelación se disipó en el verano de 2019, en el que se relanzó la Patrulla junto con dos nuevas series (entre ellas, Far Sector, que estamos deseando ver por aquí). En esta nueva ocasión, la que ahora nos ofrece ECC, Way se rodea de Jeremy Lambert para ayudarle a los guiones y de James Harvey en los dibujos, substituyendo al ahora estrella editorial Derington (que se mantiene en las portadas y se marca algún número). Ambos talentos son totalmente nuevos en el mercado de las grandes, aunque el segundo ya había demostrado oficio en el comic underground. Lamentablemente Harvey, que se estaba marcando un coloreado y diseños de página alucinantes, parece no soportar el ritmo. Pero vamos, que si es reemplazado por gente como Evan “Doc” Shaner o Nick Pitarra no tengo nada que añadir.

Este nuevo arco tenemos a Cliff en proceso de des-humanización, a Trainor en fase de reproducción, vuelven Mento y muchos más. Comienza con ideas aún más alocadas que el anterior y el dibujo da más de lo que promete a cada página… ¿Te lo vas a perder? ¡Yo desde luego no!

EN LO PROFUNDO DEL BOSQUE



Un mes más tenemos una propuesta correspondiente a Hill House comics. En esta ocasión, la misma está dirigida por un equipo a la altura, con Carmen María Machado (guion) y Dani Strips (dibujo) al timón de una serie profundamente psicológica. En la mejor tradición del terror americano, en la que el nombre de Stephen King (padre de Joe Hill, que supervisa la obra) aparece grabado a fuego, desde la concepción del espacio hasta el modo de retratar los personajes. Tal y como explica su autora, fue la propia editorial la que se le acercó para sondear la posibilidad de que trabajara con ellos en el nuevo sello creado para, una vez recibido el visto bueno, contar con libertad creativa total con la que desarrollar el cómic.

Se trata de explorar un elemento puramente americano, la maldad intrínseca a las comunidades tradicionales, en este caso Shudder-to-think, en Pensilvania, alejadas del foco mediático y las grandes ciudades. El terror es muy explícito, en este sentido, ayudando para su mayor desempeño el notable estilo de Dani, adecuado para lo que se quiere contar, con el terrorífico color de Tamra Bomvillain.

Una serie que comienza en un viejo cine, prácticamente vacío, con una película ficticia (Sea dogs) de Rob Reiner (responsable de llevar a cabo, entre otras, la adaptación de Misery del citado King) en cartelera. Podría ser un pueblo cualquiera, en cualquier parte, poblado de gente común… pero guarda un secreto. Así que permaneced atentos a los conejos, que la historia ha de comenzar.




BATMAN/THE MAXX – SUEÑOS DE GOTHAM



Hace meses comentábamos, con ocasión de la publicación de Arkham Locura, la enorme capacidad de Sam Kieth a la hora de afrontar una historia del cruzado de la capa, habida cuenta de sus particularidades como artista que le han encumbrado como un gran creador de terror en el cómic estadounidense de finales de siglo XX. Diferente, único, distinto… un estilo especial, con gusto particular por la deformación de cuerpos, acercándose poderosamente al horror, haciendo del más nimio detalle uno radical, para lo bueno y para lo malo. El exceso provoca lo anterior, al que le gusta y disfruta del arte, lo hará en su totalidad; al que nada le transmite desde la primera página, no lo hará hasta que la misma termine.

En esta ocasión, contamos un cruce (crossover) del héroe de Gotham con The Maxx, su gran creación para Image comics. Con la colaboración de John Layman, exhibe un conjunto de defectos en el guion, vicios de la época para los más puristas, con una serie de ideas poco elaboradas a favor de potenciar el aspecto que le interesa: el mencionado dibujo.

En efecto, el interés que presenta esta obra es puramente centrado en el aspecto gráfico, en el diseño y multiplicidad de conceptos y composiciones. Para cualquier fan de The Maxx (o del cómic americano de la década más negra para el mercado) resulta un conjunto estimable, aun con sus defectos y poca capacidad para que haya solvencia en el guion.

BATMAN/FORNITE #04



Todo un fenómeno es el que se ha producido con la puesta en circulación de este cómic. ¿Qué ha sido lo que ha motivado tal euforia entre los lectores…? Tal vez, la pregunta esté mal planteada. ¿Es el cómic la razón de su enorme cifra de ventas en un país como es España? ¿Es el código para la descarga de una skin de Fornite? ¿Qué empuja a publicitar las ventas de este cómic y no la de los demás que van a salir este mes a la venta?

No estamos frente a un buen cómic. No es un trabajo que de verdad mueva a los lectores en masa a adquirirlo y el motivo de verdad es la fusión de medios entre el videojuego y el noveno arte. Y es por eso por lo que hemos introducido este cómic como una curiosidad, pero que invita a una profunda reflexión al respecto que lleva a plantear muchas preguntas.

Preguntas que giran sobre el efecto que puede tener esto en la industria. Preguntas sobre si la iniciativa será capaz de captar nuevos lectores o el cómic quedará en un rincón la casa, mientras se queman los pulgares con el mando de la consola.

Puede parecer que estas líneas hablan buscan transmitir una idea negativa sobre los videojuegos. Los videojuegos son arte, son creatividad pura y no hay nada malo en ellos. Tan solo es la peculiar fusión que se ha hecho en este caso concreto lo que mueve a hacerse preguntas, como lectores de cómics y jugadores, muchos supongo, que somos. Preguntas sobre si esta es la nueva forma de vender, cuando en los noventa fueron las portadas alternativas, holográficas, brillantes, efecto 3D, con cromos y otro sinfín de modalidades con tal de llamar la atención no tanto del lector, sino del coleccionista.

La edad, el recorrido como lector, la afición a los videojuegos… todo suma o todo resta, según como se mire, pero ahí están los números de los ejemplares previos que asustan, o satisfacen, según en el lado en el que te encuentres, claro está.




INJUSTICE AÑO ZERO #01



Injustice ha sido, desde que comenzó a ampliarse su universo a medida que aumentaba su interés por parte de los aficionados, uno de los principales activos de la editorial, apelando a las distintas caracterizaciones, ideas y visiones que se vierten sobre personajes que en muchas ocasiones superan los ochenta años de historia. La génesis del tebeo se halla aquí, en la multiplicidad de caracteres que, si bien no encajan en una continuidad clásica, pueden trasladarse en historias distintas y poderosas. Su autor principal, que repite en esta ocasión, Tom Taylor, es un autor que sabe sacar partido de ello.

Lo importante no es destruir el canon clásico o acometer un guion sin respeto alguno por los autores que han lustrado la trayectoria de personajes tan icónicos como Superman, sino conocer el mismo (y Taylor lo hace) y a partir del mismo ir preparando las direcciones que se han de tomar.

En esta ocasión, tenemos una precuela. Esto permite a su guionista exportar pensamientos y argumentos que convergieron en una última instancia en el primer evento. Saber, en definitiva, qué ocurría antes de que el caos se desatase, en qué medida los acontecimientos precedentes crearon la tragedia. Para su obra, cuenta con Roge Antonio, viejo conocido de Nightwing, que ilustra a una potente galería de personajes que van desde la JSA a los héroes principales que ya protagonizaron la obra original.

El principal valor de esta nueva miniserie se encuentra en el propio guion, en el manejo extraordinario que siempre sabe implementar en sus historias el escritor de Escuadrón Suicida. No cae en lo puramente emocional, pero sí sabe sentar unas bases potentes en este sentido para dar vigor a lo que sucede, centrándose en la camaradería del grupo, algo que sin duda agradecerá el lector que conoce el mundo de Injustice y que demanda nuevo contenido del mismo.




JUSTICE



“Esto no es venganza, esto es Justicia” Así lo clama Jordan luchando contra Siniestro porque en el mundo imaginario de Alex Ross no caben los grises. La adorada edad de plata del grandioso artista es de buenos contra malos, de confianza contra traición, de amor absoluto contra el mismo tipo de odio.

Ross se rodea de su equipo de habituales, el escritor Jim Krueger y el dibujante Doug Braithwaite que tan buenos resultados le dieron en Tierra X, y firma una epopeya al más puro estilo de la Liga de la Justicia de América. Entendemos que el primero convierte en prosa y diálogos las ideas del artista mientras que el segundo ayuda a vencer la rigidez del arte pictórico final, contribuyendo a la narrativa. Y el resultado es espectacular.

Justicia, historia desarrollada en 12 números originalmente, comienza con un do de pecho en el que vemos la impotencia de los héroes más grandes del mundo ante la destrucción de la tierra por un desastre nuclear. Aunque se descubre como un sueño, ya nos ha enganchado esa potencial fragilidad y sabe captar nuestra atención igualmente con una primera baja, nada menos que Aquaman. A partir de ahí los más famosos miembros de la Liga van cayendo uno por uno en trampas inteligentemente orquestadas y, casi sin descanso, deben ir saliendo, siendo rescatados o simplemente sobreviviendo a estas. De hecho, cuando por fin podemos respirar es quizá cuando la obra presenta alguna que otra flaqueza, debida a la pérdida de ritmo, pero que no ensombrece en absoluto la valoración total de esta joya súper-heroica. Más con ese fan-service final de armaduras multicolor personalizadas (y chulísimas, huelga decirlo) que se aprovechan para dar un juego de lo más entretenido.

Por el camino todo un reguero de villanos, secundarios, reservistas de la Liga y un plantel inigualable de los héroes del Universo DC para que disfrutemos todos. Ross representándolos de manera excelsa y nosotros gozando de verlos así. Porque es una obra recomendable para todos los paladares, pero el ver a la Patrulla Condenada original, a los Metal Men o incluso a la Legión de Superhéroes desfilar por las páginas de Justicia la hace especialmente recomendable para los fans de dicho universo.

El artista ya había demostrado su atracción por representar de una manera realista (no sólo por su estilo pictórico sino por unas motivaciones menos naifs de lo habitual) a los más grandes héroes de DC en la serie de álbumes que realizó con Paul Dini. Sin embargo, en esta serie, pese a estar ambientada en los años 60-70, el autor encuentra y se mueve en un delicado (y delicioso) equilibro entre la necesaria fantasía y la autenticidad que desprenden los personajes. No le da miedo incluir a la Familia Marvel al completo, a Gorilla Grodd o una marioneta gigante y que nos parezca que vayan a salir caminando de la página. De la misma manera que le pinta pestañas a Batman y el traje completo a Green Arrow y aún así no perdemos el espíritu pijamero.

Una gran obra, con un arte insuperable, acompañada de una historia que es pura aventura. No hay grises, es cierto, pero están todos los colores que tu imaginación pueda llegar a soñar.




LIGA DE LA JUSTICIA #35 – INVIERNO ETERNO



DC Comics puso en marcha el pasado diciembre un croosover de nueve números, destinado a terminar en ese mismo último mes del año, justo antes de la iniciativa Future State. Dicho evento será recopilado por ECC en la grapa de la Liga de la Justicia, donde en tres grapas se desarrollará todo este Invierno Eterno. Ron Marz y Andy Lanning al guion, junto a dibujantes como Carmine Di Giandomenico, Xermánico, Howard Porter, Jesús Merino o Phil Hester, entre otros, son los encargados de este evento de ¿verano o invierno? donde un gran número de personajes olvidados por DC se dejan ver para disfrute del lector.

El Rey de la Helada, una antigua amenaza encarcelado hace siglos bajo la Fortaleza de la Soledad, ha vuelto dispuesto a sumir la Tierra en un invierno eterno. Black Adam, la reina de las amazonas, Hipólita, la Cosa del Pantano y el Príncipe Vikingo, parecen tener una relación con el malvado ente. Un cómic que nos trasportará al tiempo de los vikingos dando un interesante grupo superheroico. En Invierno Eterno veremos una gran cantidad de héroes y villanos inmersos en la trama, donde ante la débil amenaza inicial, Flash, probablemente el principal protagonista de este número uno, discurre entre la dificultad de aunar su trabajo y su vida personal. Pronto el tenue peligro dejará paso a uno mucho mayor y obligará a más de uno a esforzarse a fondo. La caracterización de los personajes es un punto a favor del cómic, Marz y Lanning hacen reconocibles cada carácter que escriben dejando una buena dinámica de grupo en la Liga de la Justicia y sus interacciones. Esta primera grapa incluye el especial del evento, el Flash #767 y el especial de Superman.

Cómo cuadra esta iniciativa con el resto de acontecimientos del universo no queda definido, sin duda, es Death Metal quien debe reparar y tratar de dar un sentido a la poco cuidada últimamente y enrevesada continuidad de la editorial. Este Invierno Eterno es un cruce que no está destinado a cambiar todo el universo superheroico, siendo una propuesta distinta, que presenta un grupo de héroes durante la era vikinga y que gracias a su limitada extensión y publicación en tres grapas no será uno de esos cómics que cansen por su extensión ni por sus exageradas pretensiones, apostando todo a entretener. Es de agradecer un evento como este de vez en cuando.




BILLY BATSON Y LA MAGIA DE SHAZAM



Billy Batson y la magia de ¡Shazam! es una serie destinada a los más pequeños de la casa, divertida y llena de acción la propuesta ha tenido éxito vista su reciente reedición. Publicada por ECC inicialmente en grapa es ahora recopilada en pequeños tomos de 72 páginas con tres capítulos de la colección por ejemplar.

En este segundo tomo, Shazam deberá lidiar con un robot gigante, el Rey Kull y como no con Black Adam deseoso y dispuesto a quitarle los poderes al bueno de Billy. Por supuesto el héroe afrontará con coraje y valentía estas amenazas siendo el ejemplo que debe ser.

Un cómic idóneo para el público al que va dirigido. No solo por su eficiente y entretenido guion, ni por su adaptado y conveniente dibujo sino también por el personaje protagonista. Un niño que se trasforma en un superhéroe al gritar una palabra mágica es sin duda un atractivo protagonista para los más pequeños a los que no les cuesta nada identificarse con el héroe y sueñan con ser Billy Batson. Un cómic capaz de conseguir nuevos lectores para el mundo del cómic por el mimo con el que está trabajado y lo consciente que es del público al que está destinado, unos niños que trata de forma honesta otorgándoles aquello que les gusta sin dejar de lado el valor artístico del cómic. Un tebeo muy divertido que consigue la, cada vez más difícil tarea, de aficionar a la lectura a los niños.

JOKER: LA HISTORIA DE SU ORIGEN



Es el tercer libro de este tipo que publica ECC, tras el dedicado a Batman, Wonder Woman y Superman. Es peculiar que se dedique un libro infantil a la figura de Joker, un letal villano, cuyo gusto por la muerte es sobrecogedor. Pero así son las cosas, los villanos también merecen su espacio, su origen, adaptado a los más pequeños, con independencia de lo que encarnan y representan. ¿No?

Siguiendo la pauta de las anteriores entregas, se trata de un libro ilustrado y no de cómic, donde en cada página aparece un dibujo que viene a complementar el pequeño texto que lo acompaña. Un microrrelato, para relatar el origen de un villano que empezó siendo un criminal de poca monta, un don nadie en el crimen, para convertirse en el príncipe payaso de Gotham. El enemigo número uno de Batman. Y poco más que añadir de un libro tan innecesario como irrelevante para todo tipo de lectores.

EL CÓGIDO ORÁCULO



Las novedades de Hidra continúan saciando el apetito del joven aficionado de DC Comics, con una nueva propuesta adaptable a su edad e intereses. En esta ocasión, la misma se trata de una aventura centrada en el personaje de Barbara Gordon, uno de los principales de la Batfamilia. Muchas de las obras de este estilo ahondan en la figura de su heroína, pretendiendo dar un elemento reconocible de cara a que el nuevo público pueda conocerla y sentirse identificado. Su autora, Marieke Nijkamp, ha declarado su preferencia por su alter ego Oráculo antes que por el de Batgirl, hablando de que la primera le resulta única, en contraposición con la idea de la segunda caracterización, tesis que comparte un grueso importante del conjunto de aficionados.

Buena parte de su argumento se sostiene en el modo en el que se presenta la discapacidad, en cómo Babs lo afronta y acepta en un largo camino al reconocimiento y aceptación propia. Su escritora quería dar cuenta de ello, dándole autenticidad a un proceso complicado que, además, suele verse acompañado por el estigma de aquellos que no entienden (porque no quieren hacerlo) la complicación de una realidad distinta. No podemos olvidarnos del impacto psicológico del mismo, algo que también ha sido comentado por su equipo creativo, difícil de aceptar muchas veces por ignorancia o pura falta de empatía del resto.

Junto a estos temas que pretenden visibilizar realidades (algo que suele ocurrir en este tipo de obra) tenemos una aventura sencilla, muy inteligente a la hora de utilizar y maximizar los recursos disponibles. El dibujo corre a cargo de Manuel Preitano, que sigue la pauta clásica marcada para el sello Young Adult, con un estilo dinámico, conjugado por un color atractivo y vibrante.

Estamos, por tanto, ante una nueva obra a la que conviene prestar atención y que sin duda resulta recomendable para todo tipo de lector.




MATA A TU NOVIO



Mata a tu novio es una rebelde propuesta de Grant Morrison que se aleja de sus trabajos superheroicos. Una comedia negra que explora de la manera menos sutil la necesidad de subversión que se siente durante la adolescencia. Exacerbando y exagerando la etapa vital, le escocés se sumerge en un alocado viaje donde el descubrimiento personal, a todos los niveles, es concebido como lo más importante en la vida sin que los remordimientos o la empatía se inmiscuyan en la delirante carrera por la juventud que es el cómic. Todo comienza cuando una colegiala británica conoce a un joven vándalo con pretensiones de derribar a la clase media inglesa.

Difiere de sus trabajos mainstream y también lo hace de aquellos más personales donde le autore deja paso a la excentricidad, la psicodelia o a textos complejos. Aquí, el tono es cómico y desenfadado sin ninguna pretensión por trascender, siempre enfocado en sus protagonistas y sus alocadas peripecias.

Una rara avis dentro de la producción de le escocés, a priori, uno no esperaría un acercamiento como el que realiza a la adolescencia. Quizás le guioniste busque criticar con el desgobierno de su cómic aquellos movimientos que tan solo son guiados por la anarquía y el caos, sin ningún plan sobre el que sostenerse. O quizás tan solo buscara realizar su particular visión de Bonnie & Clyde para el propio gozo personal. Morrison siempre da lugar a diferentes lecturas y debates, incluso con una obra como esta. Un cómic distinto en el catálogo de Morrison que intriga por su concepción y divierte por lo gamberro de su propuesta.

BATMAN: SILENCIO



Batman: Silencio es uno de los cómics más vendidos y más famosos del protector de Gotham. Su éxito se extiende más allá del medio, cuenta con una adaptación animada, así como con figuras y estatuas de colección dedicadas al diseño de los personajes en la saga, debidos a Jim Lee, cuyo trabajo en este cómic, probablemente, es de los últimos donde el antiguo socio de Image demuestra un excelso nivel.

Gotham está siendo asediada por los villanos de Batman, peones del misterioso Silencio que tiene un elaborado plan para destruir al murciélago. ¿Quién es este nuevo enemigo? Lo que está claro es que es muy capaz de sembrar el caos en la vida de Bruce Wayne y nada parece poder detenerlo.

Este cómic planta las bases de lo que se entiende como historia de Batman comercial. Un murciélago contra las cuerdas, multitud de villanos implicados, un misterio, una pizca de retrocontinuidad y un dibujo espectacular y dinámico son los ingredientes dispuestos en este trabajo. La editorial ha reproducido el esquema en más de una ocasión buscando igualar la acogida de Batman: Hush, con resultados dispares. Y es que la saga Silencio no inventa nada nuevo, pero aprovecha muy bien todos sus elementos y ejecuta de forma satisfactoria la mecánica que propone el experimentado guionista, Jeph Loeb, algo que no pueden decir todos los trabajos de este tipo. Un cómic bien hecho que gusta mucho, el favorito de más de un joven aficionado, siendo muy recomendable para nuevos lectores que quedarán prendados del cómic por el ritmo, misterio y dibujo. En esta nueva edición, ECC incluye un interludio publicado en la revista Wizard y más de 40 páginas de material adicional.

SUICIDAS



Los Ángeles fue sacudido por un terrible terremoto dividiendo la ciudad en dos. Una donde el lujo excesivo destinado a los ricos parece no tener fin y otra donde los pobres viven entre escombros con una miseria que asfixia todas sus esperanzas. Las dos ciudades tan solo tienen un nexo en común, los gladiadores que se enfrentan a muerte en arenas tecnológicas, ellos son los suicidas, reverenciados por ricos o pobres.

Lee Bermejo es uno de los artistas más reconocidos de los últimos tiempos. Habitual compañero de Azzarello han trabajado juntos para DC en obras como Joker o Luthor donde los villanos eran los absolutos protagonistas. Batman: Noel fue su primer trabajo como autor completo, un cómic distinto, inspirado en el clásico de Charles Dickens, Cuento de Navidad, donde Batman lucha en una Gotham helada en un cuento de Navidad muy particular. El dibujante vuelve a tomar las riendas del guion y el arte en este Suicidas, obra del extinto sello Vertigo, recuperada ahora en su reedición bajo el manto de DC Black Label, donde además de la miniserie original se incluye la precuela, Suicidas: Los reyes del Infierno, con guion de Bermejo y dibujo de Alessandro Vitti y Gerardo Zaffino.

Suicidas acontece en un futuro distópico donde se aúnan la ciencia ficción y el género negro enmarcados en una terrible realidad social. Sin embargo, el cómic se centra principalmente en sus personajes, bien construidos y atractivos. Un tomo único y autoconclusivo que narra toda la historia, que engancha e impacta con su final, donde Bermejo brilla especialmente con su dibujo. Un diseño de personajes magnífico y vibrantes escenas de acción pueblan el cómic, convirtiéndolo en uno de los mejores ejemplos del dibujo del artista, y esto es mucho decir, siendo el autor constante en la calidad demostrada en todos sus trabajos.

BATMAN INC.



Parecía que Grant Morrison había terminado de narrar su epopeya con el murciélago, especialmente después de matarlo, llevarlo por un viaje en el tiempo y hacerle regresar. Pero no, nada más lejos de la realidad. Aún quedaba pura diversión en una serie portentosa, con un ritmo endiablado y capaz de retomar tramas y personajes aparentemente olvidados.

Batman Inc. lanza decenas de ideas que han dado material para varios de los guionistas que vinieron después (tanto para jugar con Batman como sus discípulos), usa las elipsis de forma magistral y contiene historias dentro de las historias que hacen que cada número valga la pena.

Para colmo los artistas que acompañan a la mente de Glasgow hacen un trabajo al nivel de su genialidad. La saga comienza con un episodio bordado por David Finch, basado en escasas conversaciones que proporcionan ideas sueltas, las cuales irá hilvanando Morrison posteriormente. Es la primera vez que aparece el que será el enemigo en la sombra, el cual aparecerá con cuentagotas hasta la revelación final. A continuación, un Yanick Paquette en pleno esplendor para la entretenidísima trama de Japón y la primera parte de la aventura Mejicana. Será substituido paulatinamente tanto en éste como en el siguiente mini-arco del Doctor Dédalo por Chris Burnham, un descubrimiento mágico puesto que guionista y dibujante se entenderán a la perfección a partir de entonces. Tanto el primero como el segundo son acompañados además por el estupendo colorista Nathan Fairbain, capaz de resaltar tanto la espectacularidad de Paquette como la sutilidad de Burnham, y de reforzar los giros del guion con atrevidos contrastes. Quizá el episodio más flojo sea el perpetrado por Scott Clark, pero es compensado con un número final doble. En él, la limpieza de Cameron Stewart contrasta de maravilla con el apoteósico final de Burnham, en el que por fin Morrison se permite algo de su habitual lisergia. ¡Y las portadas molan mil! Desde la que acompaña al tomo, la del número uno original obra de J. H. Williams III, a las portadas alternativas que se marca Frazer Irving para algunos números.

Hay episodios para el recuerdo como el Batman de la reserva india, una crítica velada pero feroz al capitalismo y un alegato a la dignidad, o el que rescata al olvidado personaje de la primera Batwoman, con ese canto del cisne y a la vez puro amor por una edad de plata que ya no tiene lugar. Hay villanos maravillosos como Lord Muerte o Joe corriente y sus Joes molientes. Hay referencias para parar trenes que van de Borges a Bob Kane y del Manga al cómic británico.

El tratamiento de personajes tampoco es dejado de lado y desde Alfred hasta el propio Bruce Wayne, toda la batfamilia y el universo del caballero oscuro son retratados con su personalidad propia y característica.

Admito que me encanta Morrison, desde las transgresiones de la cuarta pared en Animal Man hasta la inventiva desproporcionada de la Patrulla Condenada… pero es que cuando hace superhéroes puros, como sus New X Men, como su All Star Superman, como toda la saga de Batman, me tiene rendido. Y este Batman Inc. es quizá, junto con Batman & Robin, el mejor arco de toda su andadura con la mitología del hombre murciélago. Una obra maestra.




COLECCIONISMO DC

Bienvenidos un mes más a la sección de coleccionismo de figuras de DC Comics. En esta ocasión no nos ceñiremos a la plantilla habitual de comentar las novedades de las distintas marcas, ordenadas por figuras articuladas, tamaño y estatuas. El motivo es que Prime 1 Studio ha mostrado sus próximas novedades y el material es tan extenso que vamos a dedicar en exclusiva la sección a la marca premium. El resto de marcas no ha estado muy activa en el último mes por lo que tampoco es que nos dejemos mucho por enseñar. El mes que viene retomaremos todo aquello que merezca la pena.

Comencemos por las salidas referentes a la acción real. Una estatua de Darkseid de la Justice League de Snyder no podía faltar en las novedades de Prime 1. El mes pasado os mostrábamos una encarnación del personaje sentado en su trono. Y es que Darkseid será muy explotado por las marcas en los próximos meses. Junto a esta también anunciaron una de su lacayo Steppenwolf.



Si la figura de Darkseid era esperada en los lanzamientos, el siguiente que nos ocupa ha sorprendido a propios y extraños para bien. Se trata de la Wonder Woman de Lynda Carter, una excelente estatua que cuenta con su propia capa como accesorio.





Otra sorpresa, quizás no tan aplaudida pero probablemente será más vendida. Se trata de las figuras de la película Batman Forever, con Val Kilmer como Batman y Chris O’Donnell como Robin. Para el murciélago hay dos versiones.









Para finalizar con las estatuas de películas terminamos con un plato fuerte. El Batman de Pattinson ya tiene su representación. Prime 1 asegura que se han fijado en todos los detalles que les han proporcionado para hacerla lo más similar posible, por lo que es un gran vistazo completo al traje del nuevo film.





Llegamos a las versiones cómics, línea que Prime 1 no exprime con el mismo apetito como las versiones fílmicas, además por supuesto, raro es verlos salir del universo Batman. Una estatua del Joker con un preso Robin (probablemente Jason Todd) asfixiado en humo verde es una de las apuestas de la marca. Cuenta con multitud de accesorios para el payaso y tres cabezas intercambiables.





Del arte de Lee Bermejo nos ofrecen una nueva Catwoman, con tres rostros intercambiables.





Jason Fabok también presta su arte y sirve de inspiración a esta pieza de Batman contra el Joker.







Una estatua de Punchline inspirada en el diseño del patrio Jorge Jiménez también ha sido anunciada, pero aún no la han mostrado completa ni pintada. Cuando esto ocurra no dudéis que os la enseñaremos en esta sección.

Por último, nos saltaremos la norma autoimpuesta de solo hablar de Prime 1 (no te puedes fiar de nosotros) para mostrar esta elegante estatua de la empresa brasileña Iron Studios dedicada al rey de Atlantis.








DIEGO RODRÍGUEZ

1.- ¿Podrías resumirnos un poco como ha sido tu formación artística?

Comencé como dibujante, estudie anatomía, luz y sombra, mayormente de forma personal más algún que otro curso de dibujo y pintura, pero es algo que vengo haciendo desde niño, pero debo admitir que mayormente terminaba mis dibujos para poder pintarlos, esa era la meta, lo que más disfrutaba y sigo disfrutando. Actualmente el tablero de dibujo que me regalo mi padre de joven, lo utilizo desde que comencé como colorista hace casi 20 años para apoyar mi monitor, tablet y PC para colorear.

2.- ¿Cuándo viste claro que deseabas dedicarte a los cómics y en concreto a una de sus facetas más importantes, pero menos publicitadas, el color?

Los comics siempre me fascinaron desde muy pequeño, me los compraban mis padres cuando me llevaban al médico, desde los 5 años, a partir de ahí comenzó mi pasión por los comics.

En cuanto al color, se dio una posibilidad laboral de colorear unos libros infantiles por el año 2002, desde ese momento, nunca más deje de trabajar como colorista.

3.- ¿Qué crees que aporta el color a un cómic?

El color aporta el clima principalmente de cada escena, así como al mismo tiempo cada viñeta tiene que formar un equilibrio de color en cada página.

4.- ¿Cuáles son tus principales influencias?

Al comenzar como dibujante (no profesional) mis influencias eran mayormente de dibujantes, podría nombrar algunos como Jonh Byrne, Jim Lee y otros tantos, pero como colorista desde que comencé fui por mi propio camino. He coloreado con varios estilos pero el que más disfruto es el que sería de alguna manera el más pictórico, donde se notan las pinceladas en los trazos, como el que utilice en Hellblazer: Rise and fall.

5.- ¿Puedes decirnos algo de tus próximos trabajos?

Tengo varios proyectos, pero no puedo decir nada todavía, son tanto para otras editoriales como para DC Comics.

6.- ¿Cómo es tu proceso artístico? Desde que recibes la página en blanco y negro hasta que la mandas acabada.

El primer paso ni bien recibo la página es hacer los colores base, los flats, mientras los voy realizando ya voy visualizando lo que voy a hacer o que quedaría mejor para cada cuadro, posteriormente comienzo pintando por lo general primero los personajes y luego los fondos.

Una vez finalizada la página la envío al dibujante, guionista y editor para su aprobación.

7.- ¿Recibes comentarios y recomendaciones sobre el color de parte del dibujante o el guionista?

Si, mayormente del dibujante, recomendaciones o cambios menores.

8.- Recientemente has despuntado con Hellblazer: Rise and fall, ¿Cómo entraste a formar parte del proyecto y qué necesidades demandaba la historia y que tú trasladaste con el color?

Con Darick trabajamos juntos hace mucho tiempo, el me ofreció trabajar en este proyecto y por supuesto lo acepte de inmediato.

La historia demandaba un ambiente sombrío, sucio, con un clima de terror, por eso creí que un color más pictórico podía darle esa suciedad además de tonos acorde a la historia más lúgubre.

9.- Uno de los aspectos notables de vuestro Hellblazer está en la atmósfera de la ciudad, Liverpool. ¿Cómo contribuiste a su creación y qué aportaste al dibujo de Darick Robertson? ¿Cómo crees que influye en ello el color?

Si, siempre mi prioridad es la atmosfera y Liverpool era ideal con sus tonos grises y nebulosos además de sus clásicas construcciones.

El dibujo de Darick es muy detallado, especialmente las expresiones faciales, mi aporte como dije anteriormente, fue darle la atmosfera y la suciedad que la trama requería y eso influyo en el resultado final.

10.- Con el propio Darick Robertson has forjado una gran relación laboral, que se traslada en proyectos independientes como Space Bastards o en la propia DC con Legends of the dark knight, ¿Qué crees que os aportáis mutuamente como artistas? ¿Qué nos puedes contar de ambos proyectos?

Con Darick hacemos equipo desde ya hace 10 años, creo que logre entender muy bien el color que su arte necesita, después de tantos años creo comprender perfectamente lo que el busca en cada página.

Trabajar en Space Bastards fue muy divertido, la historia era muy bizarra lo cual la hacía muy entretenida de colorear.

Batman Leyends of the Dark Knight fue algo en lo que quise trabajar toda mi vida, estoy en el mundo del comic gracias a Batman, espero mas projectos con este personaje.

11.- Ahora con Legends of the dark knight trabajas con cadencia mensual en DC, como trabajaste con la propia a la línea Black Label con Hellblazer, conociendo ambas experiencias, ¿En qué se diferencian ambos tipos de trabajo para ti como colorista?

Básicamente se diferencian en que en Black Label hay un poco más de libertad para experimentar, mientras que en Dark Knight hay que seguir un poco más los parámetros ya establecidos, de todas formas, siempre tuve libertad de hacer lo que creía mejor para cada proyecto.

12.- ¿Cómo crees que se valora el color en los cómics en general, por parte de los lectores?

Creo que actualmente se valora mucho más que en el pasado, también es cierto que ahora existen muchos estilos de color lo cual lo hace más atractivo para el lector.
Tanto es asi que actualmente las editoriales colocan el nombre del colorista en la portada, cosa que anteriormente no se hacía.

13.- ¿Hasta qué punto consideras que afecta el color a un cómic?

El color afecta mucho creando atmosfera, si bien con el blanco y negro también puede lograrse, el color le aporta más volumen y separación de planos.

14.- A raíz de algo que está pasando en España en muchas nuevas ediciones que se lanzan al mercado en Blanco y Negro, eliminando el color de la obra original, como edición especial. ¿Qué opinas de esta táctica editorial? ¿Qué pierde una obra cuando se elimina el color con el que fue concebida?

Creo que básicamente esto se hace por un tema de costos, imprimir a color es más caro, personalmente no creo que sea por una razón artística.
Si la obra original fue concebida en color, publicarla en blanco y negro cambia todo, no es lo mismo realizar el dibujo y tintas pensando que la obra va a ser a color que en blanco y negro.




Cuando hablamos de venas en USA, siempre centramos nuestra atención en las grapas. Sin embargo, hay otro mercado que es el de los recopilatorios. Cada vez más los guionistas conciben sus etapas a través de diferentes arcos argumentales que se diseñan casi específicamente para ser recopilados de manera progresiva. Y, además, aparecen las reediciones de obras magnas de la editorial que siempre parecen tener un comprador disponible. Por eso este mes viajamos a enero de 2019 y os rescatamos las ventas de los 15 recopilatorios más vendidos ese mes de DC.



ES LA HORA DE LA ENCUESTA…

Hemos comentado el fenómeno que se ha generado a raíz de la inclusión de las skin de Fornite en los cómics. Pero nos gustaría saber que os parece a vosotros este proceder. Así que os dejamos una encuesta donde poder dar salida a vuestra opinión. Y como siempre, los comentarios para añadir todo aquello que os parezca relevante.

¿Qué os parece el uso de herramientas de ventas como la de Fornite y Batman?

• Una mala combinación.
• No le veo futuro alguno.
• La mejor manera de incentivar las ventas.
• Pan para hoy... hambre para mañana.

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Y esto ha sido todo por este mes.