Magazine DC – julio 2024

Se avecina un segundo semestre espectacular para los seguidores del Amanecer de DC. Grandes figuras y grupos de nuestro mundo de ficción favorito están a punto de regresar por todo lo alto, empezando por Wonder Woman. La Amazona vuelve con un equipo creativo estelar, formado por el guionista Tom King y el dibujante Daniel Sampere. Mención especial también para Titanes: Mundo Bestia, un crossover ligado a la nueva etapa de Titanes escrita por Tom Taylor, con Ivan Reis al dibujo y un montón de invitados especiales.

En formato novela gráfica queremos destacar la recuperación de Mundo turbio, de Richard Corben. Tras la publicación en abril del primer tomo de Den, llega ahora otra de las obras maestras del artista estadounidense, que permanecía inédita en nuestro país.

En el sello ECC Cómics, iniciamos la publicación de la siguiente miniserie de la saga de Las Tortugas Ninja: El último Ronin, Las Tortugas Ninja: El último Ronin II – Reevolución, donde Kevin Eastman regresa con el equipo creativo original de El último Ronin para contar un nuevo capítulo de este éxito internacional. Además, reeditamos en tapa dura Amor eterno de Tom King y Elsa Charretier.

ECC Manga sorprenderá a los amantes incondicionales del maestro del terror Junji Ito con una nueva y cuidada edición Manga Deluxe de Black Paradox, una de sus creaciones imprescindibles, a la que se suman las esperadas nuevas entregas de Diario de guerra – Saga of Tanya the evil, La tierras de las gemas y Overlord.

Y terminamos el repaso de la mano del sello infantil y juvenil Kodomo, con la tercera y última entrega de Arlo y Pips, el regreso por la puerta grande de los personajes de Plants vs. Zombies y las nuevas aventuras de Sonic the Hedgehog.

SUPERMAN PERDIDO

Del raro periodo q acabamos de pasar en el que apenas había novedades de DC en el mercado español, Superman Lost ha sido una de las más extrañas. Miniserie de diez números. Buenos autores Personaje más que conocido y con un buen número de fans.

Sin embargo, el tsunami de novedades que van a llegar entre julio y agosto nos lo trae en un solo tomo. No nos engañemos, la cantidad de novedades no nos pone al día. Continuamos sin ver por aquí obras muy interesantes como la miniserie de Poison Ivy por ejemplo.

Con Superman Lost tenemos una historia que… en realidad ya nos han contado. Ya la hemos visto en líneas generales. Con matices y cambios.
Superman vuelva a casa después de una misión en el espacio. Para Lois ha pasado poco rato, para Superman han pasado décadas.
Ya hemos visto al Gran Azul perderse durante largo tiempo en el espacio. La saga Exilio o el revival reciente de dicha saga, son dos buenos ejemplos. (cada una con sus propias incoherencias).

¿Qué la hace diferente esta vez?

Que la escribe Priest. Los matices, los detalles, la diferencia de la experiencia vivida por Kal y por Lois tienen una profundidad y una humanidad a la que no estamos acostumbrados en el género superheroico. Lo que suele ocurrir es que vamos de una batalla a otra, de un hecho epatante a otro, con dos o tres viñetas o un número incluso de reflexión para volver a la rueda.

Mes a mes hay que captar e impresionar al lector. Nos suelen dar unas pinceladas en forma de peaje, no se el caso que alguien se queje. Como si se tratara de una cuota, de un peaje.

Priest se ha hecho un nombre lo suficientemente sólido en la industria con su Pantera Negra y su Deatshtroke como para ganarse la confianza de la editorial y permitirse el lujo de reconstruir veinte años del Hombre de Acero vagando por el espacio y de cimentar el impacto de un decalaje temporal en su relación con el mundo, su familia y sus amigos. El guionista infiltra, con paciencia, en la psicología del personaje los efectos de su “exilio” involuntario.

Priest no nos lo pone fácil. Tampoco queremos. Ese es su encanto, o parte de él. Como hemos dicho en bastantes ocasiones, el guionista de Deathstroke trata al lector de superhéroes como un adulto, una persona que puede pensar por sí mismo, un sujeto al que dar las pistas necesarias para que proyecte su interpretación llenando de significado las elipsis y los vacíos.

El resultado es una obra que da profundidad a un personaje que suele ser más bien plano y una obra profundamente humana. Más Man que Super.

Carlo Pagulayan le da la dosis de empaque y eficacia necesaria al dibujo.

Una de las novedades imperdibles del mes. Si no, la que más.

BATMAN PIGMALION

ECC no trae este mes un arco argumental de la serie de Batman: The Brave and the Bold (de finales del año pasado), con guion y dibujo, del autor patrio Guillen March, que persigue el objetivo de desmontar la figura de Batman a través de una historia en la que Bruce no recuerda su vida como justiciero enmascarado.

El título de esta es Pigmalión, en referencia al mito del mismo nombre, cuando el rey de Chipre, Pigmalión, acabó enamorado de la bella estatua perfecta de Galatea, cincelada por sus propias manos y que, gracias a la intervención de la diosa Afrodita, cobraba vida. En psicología se conoce como el efecto Pigmalión y está más cerca de lo que se narra en este arco de la serie The Brave and the Bold, puesto que habla del potencial de influencia que tiene la creencia de una persona sobre el rendimiento de otra. También está relacionado con el término de la profecía autocumplida y se estudia mucho en las relaciones laborales, aunque sin duda, también trasciende a la propia vida social de las personas. El efecto Pigmalión puede ser positivo o negativo, siendo este último el que cambia de terminología para ser denominado, efecto Golem, al generar que el sujeto vea mermada su autoestima de manera notable.

Batman aparece herido, tirado en un balcón, necesitando ayuda médica, que le prestan las dos moradoras del piso, una madre y su hija, Aurora, que siente fascinación por la figura mítica de Batman. Un Batman que no sabe nada de su vida como tal, ni recuerda su propia identidad secreta, ni lo que le ha llevado a estar en esa situación tan comprometida.
De ahí que la figura de Aurora sea tan relevante y este entroncada con el mencionado efecto Pigmalión.

El trabajo de March destaca en lo visual gracias a su profundo conocimiento del personaje. Solo hay que dedicarle unos segundos al cómic para ver claramente como la imagen de Bruce amnésico cambia por completo cuando se coloca la capucha (no solo el propio Bruce, sino la atmosfera que March imprime con su dibujo a la historia y el uso del color que refleja la tensión contenida del relato), aun sin saber qué relación tiene con ella. Es la forma de reexaminar la relación de Bruce con la máscara que encarna lo que es ser Batman en su vida. Para ello necesita un escenario limpio tan revelador y que la propia DC promocionó como un nuevo Año Uno, lo que igual fue algo pretencioso, pero así es el marketing.
Estamos ante una historia de traumas, de renacimiento, de aceptación, de recuerdos perdidos, del precio a pagar por las decisiones del pasado y de todo aquello que nos define. No es algo nuevo tener a Bruce amnésico, a todos nos viene a la cabeza la historia de Scott Snyder, como tampoco lo es el profundizar sobre la relación de Bruce y la figura de Batman, que sirven a March de punto de partida para desarrollar su propio trabajo en una amalgama de influencias que gestiona con talento.

Un interesante arco que invita a dedicarle atención, por mucho que nos llegue seis meses tarde, deslavazado de la serie en la que se publicó, y de manera sorprendente cuando menos se la esperaba.

TITANES MUNDO BESTIA

ECC publicó hace poquito el primer tomo de Titanes, donde Tom Taylor parte de un maravilloso Nightwing para hacer de trampolín a este superequipo, el titular en estos momentos. Por eso mismo, cuando la Tierra está en peligro no nos quedan más que Nightwing y compañía para comandar la defensa del planeta. Les toca a los jóvenes superhéroes tomar el liderazgo en este evento con guion de Tom Taylor y dibujo de Ivan Reis.

Si en algo destaca este guionista, es en ser capaz de usar a tropecientos personajes al mismo tiempo y que estén todos brillantemente utilizados y en darnos unas dinámicas e historias emotivas. Este evento da lo que esperas, una aventura rápida, con drama, acción y muchos momentos lacrimógenos. Una amenaza llega a la Tierra, Beast Boy tiene una idea de como frenarla gracias a las soluciones propuestas por Batman. Como dice el lema de los titanes, esta decisión la tendrán que realizar unidos. Pero algo no sale como pensaban y tendrán que improvisar sobre la marcha.

Como no podía ser de otra manera, Tom no solo usa a su juguete favorito actual, Nightwing, también nos trae al hombre de acero que más hace llorar a los fans rancios: Jon Kent. Todos los héroes que aparecen durante este evento juegan papeles importantes, porque el Universo DC es un universo extenso y lleno de matices en cada una de las historias, por eso mismo este evento juega con subtramas que nos van mostrando un hilo conductor que lleva años cocinándose a fuego lento relacionado con Amanda Waller.

Una de esas cosas que me parecen preciosas en este cómic, es ver como existe una tensión entre llenar el hueco que ha dejado la Liga y a la vez actuar, con sus errores, de una forma que esta nunca lo hubiese hecho. Porque los titanes son una más que un equipo, son amigos y compañeros, son una familia encontrada y han crecido juntos, por eso mismo son capaces de hacer sacrificios y entenderse de formas que el resto nunca haría. Pero tiene un precio a pagar, pues sus sacrificios son más sentidos por el resto, es más que el respeto que se podrían tener como miembros de la JLA. Tom Taylor ha entendido esto a la perfección, entiende el poder dramático que tienen y lo usa maravillosamente.

Ivan Reis es un dibujante sobresaliente en todo lo que hace, quizás no estemos ante su trabajo más fino, pero recuerda mucho, seguramente por la temática, a su trabajo en el Green Lantern de Geoff Johns, esa manera de dibujar alienígenas con diseños horripilantes y acción espacial. Siempre es un gusto tener al brasileño en los lápices y parece que se entiende muy bien con el guionista, ya lo pudimos ver con el One Bad Day.

Recordad que el segundo tomo del evento tiene también los números de la serie principal de Titanes, así que no la habéis hecho antes de leeros el evento quizás la segunda parte os descuadre un poco. Aun así, os recomiendo encarecidamente que os hagáis con el primer tomo de los chavales, que merece mucho la pena.

Un caluroso 7 de agosto de 1957, llegó al mundo Paul Dini en la ciudad de Nueva York. Pronto tuvo muy clara su vocación por las letras y en concreto por la escritura creativa, lo que lo llevó a viajar a Boston donde se licenció precisamente en esta especialidad, aunque antes pasó becado por California, pues la ciudad de Nueva York no parecía ofrecerle lo que su inquieta cabeza parecía exigirle.

Cuando contaba con 29 años entró a formar parte del equipo de guionistas de la mítica serie de televisión He-Man y los Máster del Universo, de la productora Filmation, que le permitió también realizar algunos guiones para la serie original de los Transformers. Dos franquicias fundamentales de mediados de los años 80 en las que Dini pudo aprender un oficio en el que unos años más tarde acabaría siendo todo un maestro.

El punto de inflexión llegó en 1989, cuando fichó por Warner para formar parte del equipo de trabajo de la serie de animación Tiny Toon Adventures que fue lo que le puso en la senda de lo que iba a llegar en 1993, cuando el mundo quedó maravillado con una nueva serie de animación de Batman.

Influenciada por las dos películas de Burton, en 1989 y 1992, la serie recuperaba el tono noir, los escenarios góticos, remodelando el diseño del batmovil y se concentraba en contar historias profundas, centradas en los personajes, con una cuidada animación buscando la atemporalidad, gracias a unos diseños angulosos y penetrantes de Bruce Timm, el otro genio detrás de esta obra maestra. Un entorno de colores suaves y oscuros, con una mixtura de tecnología que mezclaba coches de los años 60, con dirigibles y autogiros, en la que todo parecía pivotar de manera eterna en eterno momento temporal. Con música derivada de la fanfarria de Danny Elfman para las cintas de Burton la serie tuvo un total de 85 episodios, y fue todo un éxito de crítica y espectadores.

Y fue en esta magnífica serie de animación, que ya ostenta el título de mítica, donde Dini, con Timm, introdujeron al personaje de Harley Quinn, para en 1994 dar el salto a las viñetas en la conocida obra: Batman Adventures, Mad Love. Ese mismo año ganó el premio Harvey y el Eisner a mejor historia de un solo número. Tal fue el éxito del personaje que en 1999 se introdujo en la continuidad del Universo DC, pasando a ser un recurrente de las series de Batman, hasta el punto de que hoy disfruta de su propia serie de animación, ha tenido varias series regulares en solitario y ha formado parte de varias encarnaciones del Escuadrón Suicida, lo que la llevó también a saltar a las salas de cine. Menuda carrera.

Y fue también en 1999 cuando Dini y Timm, pusieron en marcha una nueva serie de animación, Batman Beyond (Batman del Futuro) donde crearon a Terry McGinnis y todo su entorno futurista, en una de las series más interesantes de finales del siglo pasado.

Pero Dini no solo ha trabajado para la televisión y en animación, también ha puesto al servicio del papel y las viñetas su talento. Fruto de ello están las cuatro obras que firmó con Alex Ross, dedicadas a los cuatro grandes del Universo DC. Wonder Woman, Batman, Superman y Shazam. Sin embargo, los aficionados recuerdan y disfrutan de su trabajo en Detective comics ya en la primera década de los dos mil, cuando se hizo cargo de la serie en el número 821 en 2006. Su trabajo en la serie era diametralmente opuesto al que estaba desarrollando Morrison en Batman. Mientras que el guioniste de Animal Man opto por narrar una enrome historia interconectada a lo largo de siete años, Dini apostó todo a pequeñas historias unitarias o de uno o dos números, a modo de serial. En 2009 comenzó a escribir dos nuevas series, Batman: Streets of Gotham y Gotham City Sirens. La primera se centró en el villano Silencio y la segunda en los personajes femeninos de Gotham.

Con el cambio de siglo, Dini diversificó su trabajo y su talento puso al servicio de nuevos proyectos de animación, como la serie dedicada a Clerks, derivada de la que acabaría por ser una trilogía cinematográfica del director Kevin Smith.

En 2006 firmó para formar parte del equipo de guionistas de la serie de televisión Lost, aunque solo estuvo durante el desarrollo de la primera temporada de las seis que compusieron esta mítica serie. Ese mismo año también fue parte del proyecto de DC, Cuenta Atrás, y regresó en 2008 a la franquicia animada de Batman para escribir varios capítulos de la serie de Batman The Brave and The Bolt. En 2009 fue el escritor del argumento del famoso videojuego de Batman, Arkham Asylum.

Fue en 2010 cuando su teclado se puso al servicio de Marvel y de su división de animación, cuando pasó a estar en nómina de la Casa de las Ideas, para escribir varios episodios de la Ultimate Spiderman que se emitió en el canal de Disney. Poco más tarde se encargó de la serie de Hulk and de Agents of SMASH, pero no dejó de lado a DC, pues de nuevo se involucró en la escritura de la continuación del videojuego de Batman, esta vez bajo el título de Arkham City y escribió cómics basados en el universo del videojuego que expandían ese universo más allá de la pantalla del ordenador.

En los cómics se encargó de guionizar la historia que unía dos de sus personajes favoritos del universo DC, Canario Negro y Zatanna (no en vano se encargó de escribir 11 entregas de su serie regular de 2010), en una aventura titulada, Hechizo de Sangre. Pero si hubiera que comentar un trabajo especial en la segunda década de los dos mil, ese sería el que se publicó en 2016, donde narraba el robo con violencia que sufrió, en 1993, y que lo tuvo postrado en cama mucho tiempo, bajo el título de Noche Oscura: Una historia verdadera de Batman. Una obra que desde aquí os recomendamos mucho y que discurre por senderos similares a la de Es un Pájaro.

Encontrase con Dini en DC así como en otras editoriales independientes y en cine y televisión, es habitual. Su nombre está detrás de grandes producciones y formará parte de la historia de la animación de finales del siglo XX y el XXI. Solo queda esperar a que será lo siguiente que nos ofrecerá este guionista volcado con los personajes, con un tratamiento humano y cercano de los mismos, mientras construye tramas en los que poder explotar todas sus fortalezas.

Wonder Woman es un personaje creado por el matrimonio Marston y basada en Olive Byrne, la pareja de este matrimonio. Hizo su debut en 1941 en el All-Star Comics #8 guionizado por William Moulton Marston y dibujado por Harry G. Peter. La idea que tenía detrás de su creación fue la de crear una superheroína moderna, cuando se buscaban referentes femeninos, las más jóvenes dentro de la ficción no iban a encontrar nunca la idea liberal que tenía el psicólogo de lo que una mujer fuerte representaba, por eso mismo cuando presentó al editor Max Gaines sus ideas sobre lo que este potencial medio, el cómic, podía conseguir, estuvo encantado con esta nueva superheroína. Wonder Woman era una mujer que tenía varios puntos que chocaban de frente a los estereotipos, pero a la vez también sabía subirse a la ola de lo atractivo sin desentonar. El poder que debía esgrimir era el amor, con el superaría los agravios, pero era tan fuerte y capaz como el resto de sus superhéroes coetáneos. Muchos elementos de su diseño y de sus primeras historias están relacionados con los propios ideales de este matrimonio, el lazo de la verdad tiene el punto de estar basado en uno de los inventos más importantes de William, el polígrafo, y a la vez un símbolo de la dominancia de esta; el pelo rizado, algo fuera de lo común por esa época, representaba la rebeldía y lo indomable.

Su origen matriarcal se sumaba al alineamiento de sus historias, siendo reivindicativas y donde acabó uniéndose a la Sociedad de la Justicia de América en contraposición. Durante la Edad de Oro del cómic, Wonder Woman tomaría el nombre de Diana Prince gracias a una enfermera del ejército y seguiría en su carrera a Steve Trevor mientras luchaba contra los nazis y se iba creando la galería de villanos. Como la mayoría de los personajes de la editorial tendría un reinicio durante la Silver Age, al estar en publicación continua, esta no llego a tener una revisión tan drástica, no como la de sus compañeros de la JSA Green Lantern y Flash. Wonder Woman estaría ahora bajo la mano de Robert Kanigher en esta época. Con este veríamos un personaje más enlazado con la mitología griega, donde sus cómics cambiarían continuamente de temática hasta que todo volvería al cauce superheroico más convencional con su unión a la Liga de la Justicia de América.

Las historias de la amazona tendrían otro quiebre que supuso un punto y aparte en cuanto a la popularidad del personaje en nuestras tierras, llegaría 1985 y el “Mundos vivirán, mundos morirán y el universo DC no volverá a ser el mismo”. Crisis en Tierras Infinitas trajo un reinicio en el universo y el propio dibujante del evento fue el encargado de traernos a la amazona de vuelta con otro origen nuevo. George Perez se tomó el trabajo de reconstruir al personaje de forma brillante, reunió los elementos helenísticos y recompuso que significan las amazonas mientras construía una Themiscyra que era un sueño mucho más feminista que el ya idílico Isla Paraíso, un mundo donde todas las mujeres asesinadas por el patriarcado del mundo del hombre tenían un lugar donde vivir seguras.

El origen y las motivaciones de Diana se siguieron explorando en obras como “El Torneo” de Messner-Loebs. Entre las siguientes etapas se fue creando una gran mitología complementaria gracias a Byrne, quien no se alineo tanto a lo presentado y construido por Perez. A cambio, Greg Rucka nos llevó a un lugar muy especial con el personaje y que construyó algo vital para lo que ECC ha sacado este mes. Greg nos presentaría a la embajadora de las amazonas en el mundo del hombre como una idealista, pues el título con el que fue a nuestro mundo lo lleva a un nuevo nivel al ser la embajadora de las Naciones Unidas. Con un tono mucho más televisivo, enmarañado a la vez de un tono político y donde empezaría a llevar a Diana por un camino de no retorno, donde la compasión y la empatía van corrompiendo las acciones de violencia y muerte, jugando con la ceguera de esta y con la justicia que imparte. Su etapa culmina con Crisis Infinita, un evento que dejó a muchos fans de la mujer maravilla divididos entre aquellos que entendían lo propuesto por la etapa y los que estaban en desacuerdo con este rumbo.

Los años venideros fueron extraños, con algunos felices por el cambio de Wonder Woman donde Donna Troy hacía de señuelo y Diana jugaba a los espías, pero pronto cambiaría con la llegada de Gail Simone a los guiones, y fue una etapa un poco controvertida. Más allá del éxito de El Círculo, Gail puso como eje central la maternidad de las amazonas, o la falta de ella, lo que rompía con muchos de los conceptos sobre el sistema matriarcal de Themiscyra. Un cómic que no ha envejecido muy bien a pesar de los pocos años que hace de su publicación. Algo que cabe destacar hoy porque Tom King rescata alguno de estos elementos de esta etapa. J. Michael Straczynski llegaría poco después para darnos un relanzamiento muy peculiar, pero con uno de los diseños que más han permeado, desgraciadamente duraría poco tiempo ya que Barry Allen decidiría tomar una decisión un poco egoísta, viene Flashpoint.

Llegamos a los Nuevos 52, el gran quebradero de cabeza en esta sección todos los meses. Brian Azzarello y Cliff Chiang serían los encargados de volver a contar y crear un nuevo origen para nuestro querido miembro de la trinidad y toca dar espacio al origen más mitológico. Esta vez siendo hija de Zeus e Hipólita, donde irían enfrentándose a los dioses olímpicos mientras llegaba a incluso a formar parte de estos. Estos años nos dieron una etapa muy recordada y finalizaría con el matrimonio Finch, quienes ya no son tan bien recordados. Además, Geoff Johns entre bambalinas estaba tocando algo de la mitología de la princesa, pues descubrimos con su Vibe y su Liga de la Justicia que había sido pareja sentimental del hombre de acero y que a la vez que esta nacía, en la isla de las amazonas, también se daba a luz a Grail, la hija de Darkseid, y al hermano gemelo de la mismísima Diana: Jason. Personajes que se quedarían dentro de la mitología de su cabecera hasta la actualidad y que también vamos a ver por la etapa de Tom King.

Llegaría Renacimiento, volvería Greg Rucka de nuevo con una historia sobre orígenes y legado perdido, muy recomendable pero que aun recogiendo elementos de su serie clásica no llega a brillar y sentirse tan fresca, quizás fuese lo de ser quincenal con dos historias independientes lo que le haría algo de lastre. Tras la salida de Rucka hemos tenido tiempos compulsos, donde ningún guionista estaría mucho tiempo escribiendo a la amazona, con Robinson pasando sin pena ni gloria, Steve Orlando quien si se atrevió a hacer alguna cosa chula y una Willow Wilson que duró demasiado poco. Mariko Tamaki tuvo la oportunidad de quedarse algún tiempo más, pero el uso continuado de Maxwell Lord como villano y el baile de dibujantes, aunque fuesen increíbles como Steve Pugh o Sandoval/Tarragona, no ayudó a que la etapa permease.

Tras el evento de metal duro orquestado por Scott Snyder y la llegada de Frontera Infinita, Wonder Woman había muerto para lo que al resto del Universo DC les incumbía, pero esta en realidad solo había ascendido a un poder superior que acabaría rechazando. Eso la llevó a cruzarse con el panteón nórdico y fue recuperando poco a poco su espacio en el Universo DC. Una etapa que reestructuró todo aquello que conocíamos de las Amazonas y de las tribus asociadas, donde dieron a las Wonder Girl protagonismo, nos reintrodujeron a Nubia quien es ahora reina de las amazonas, así como nos presentaron a Yara Flor. El trabajo desde Frontera Infinita hasta esta nueva etapa ha tenido sus altibajos, pero Becky Cloonan y Michael W. Conrad han sabido darnos un trabajo interesante, una pena que haya quedado inconcluso en España.

Y con este, no tan rápido repaso, llegamos a Tom King. Nuestro ex agente de la CIA favorito siempre nos da de que hablar y sabe llevar a los personajes a sus momentos más bajos para resurgir como personas distintas, esperemos que pueda trabajar libre y bien con el único miembro de la trinidad que le faltaba.

ENCUESTA WONDER WOMAN

Y ha llegado la hora de la verdad…

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JLI LA LLEGADA DE LA JLE

Con la llegada a las tiendas del segundo tomo de la edición de la JLI, llega también la entrada en escena de la JLE (68 entregas USA). La franquicia se expandió gracias a su éxito de ventas y crítica, ampliado miras y poniendo en circulación una segunda serie en la que sus artífices, Keith Giffen y J.M. DeMatteis, en primera instancia, apostaron por repetir la fórmula, pero ajustándola más a la épica y la acción. Los acompañaba el espectacular Bart Sears como la guinda de un pastel que este año cumple 35 años.

La Liga de la Justicia de América se ramificó en una nueva división, la europea, afincada en París, y a cuya embajada se trasladarían los miembros de esta nueva Liga que repetiría la fórmula y el éxito de su rama americana. Esta situación generó un doble escenario con el que poder jugar y desarrollar tramas cada vez más relacionadas en las que Giffen y DeMatteis iban a demostrar que se podían contar buenas historias cuando hay talento, ganas y cariño por unos personajes que no tienen por qué ser necesariamente los más importantes y vistosos de la editorial.

Giffen y DeMatteis tenían claro que esta segunda serie debía ser también su particular patio de recreo, una zona de juegos en la que poder desarrollar más y mejor su ya bien entrenado músculo de la risa. Lo primero que precisaban es disponer de una serie de personajes con los que ir desarrollando este circo de dos pistas y para ello recurrieron de nuevo a personajes tan variopintos como el Capitán Atom, Animal Man, Elongated man, Flash, Power Girl, Metamorfo y Rocket Red, con un breve cameo de Wonder Woman en sus primeros números y a la que deberían renunciar debido al trabajo que George Pérez estaba desarrollando en su propia colección. Con semejante alienación el conflicto, algo que Giffen y DeMatteis ansiaban sobremanera en este trabajo, está servido. Fue una alineación a la que más tarde se incorporarían Crimson Fox, Bruja Plateada y Blue Jay, cerrando una formación tan perfecta en su imperfección que hoy en día continúa siendo una de las más queridas por los aficionados.

Pero antes de arrancar a dar unas pinceladas a cada uno de sus miembros es importante detenerse un instante a analizar al dibujante con el que la Liga de la Justicia de Europa pudo contar en sus primeros arcos argumentales. Estamos hablando de Bart Sears (1963). Un dibujante de trazo intenso, poderoso y estilo abrumador por sus anatomías culturistas, que demostró estar a la altura del desafío al ser capaz de plasmar adecuadamente, como el propio Maguire, las emociones a través de las expresiones faciales, con el añadido de que Sears era mejor narrador que Maguire y más espectacular en su puesta en escena. Lo que sí compartían ambos dibujantes era su extrema lentitud dibujando, lo que a la larga pasaría factura a la serie, lo que no le impidió firmar algunos de sus mejores arcos argumentales e historias más míticas.

El líder el grupo era el Capitán Atom, muy de moda en ese momento en el Universo DC por haber estado detrás de la ofensiva militar de la Tierra contra los Dominadores durante Invasión. El Capitán Atom fue una creación de Steve Ditko para la editorial Charlton. El personaje llegó a DC tras la compra de su catálogo por parte de DC y disfrutó de serie propia escrita por Cary Bates y dibujada por Pat Broderick en la que el mundo militar que rodeaba al personaje fue el eje de todas las tramas. El Capitán Adam es un hombre desplazado en el tiempo, un hombre que debe asimilar que su tiempo pasó, que sus hijos ya no son los niños que recuerda y que el mundo no va adaptarse a él, sino que él debe adaptarse al mundo.

Metomorpho, ex miembro de los Outsiders, al que todos creían muerto en servicio, regresó con amnesia justo para incorporarse a esta Liga. Fue creado por Bob Haney y Ramona Frandon en 1964, para el número 57 de la serie The Brave and the Bold. Mason fue engañado por el empresario Simon Stagg para ir en busca de un objeto arqueológico perdido en el antiguo Egipto. Los planes de Stagg eran muy distintos a los que le planteó a Mason, ya que su intención era asesinarlo a fin de romper la relación amorosa que estaba teniendo Mason con la hija de Stagg, Shaphire. Mason lograba evitar su muerte gracias a la trasformación que sufre al tocar el objeto perdido, sufriendo una dolorosa trasformación que le deformaba el cuerpo y lo dotaba de la capacidad de poder transmutarse en cualquier elemento químico de la tabla periódica de los elementos. Rex tuvo serie propia entre el 1965 y el 1968 conducida por Bob Haney, Ramona Frandon, Charles Paris, Joe Orlando y Sal Trapani.

El Flash de la JLE es el que peso de legado caía sobre los hombros de Wally West, que llegó al grupo con un punto de rabia contenida y una actitud definida por su guionista en la serie regular, Mike Baron, que buscaba distanciarlo de la sombra de Barry Allen. Fue creado por John Broome y Carmine Infantino en el número 110 de Flash (1959) destacando no solo por su forma de ser, sino también por vestir el segundo uniforme más elegante de DC. Giffen y DeMatteis recurren a Flash para aportar al grupo el legado, la transición, pero para mostrarnos su cara más amarga, la de la presión de hacer lo que todos esperan de alguien que asume el manto de un héroe que se destacó por su personalidad amable y conciliadora.

Power Girl era el músculo de esta Liga. Su presencia, siendo la única presencia femenina en el grupo (hasta la llegada de Redfox y Bruja Plateada) de campo, generaba tensión por no respetar el mando del Capitán Atom y estar permanentemente en un estado de enfado contra todo y todos. Fue creada en el All Star Comics número 58 (1976) por Gerry Conway y Wally Wood. En esta primera versión antes de Crisis, Power Girl, respondía al nombre de Kara Zor-El, la prima del Superman de Tierra-2, en lo que era un claro trasunto de Supergirl de Tierra-1. Power Girl compartía no solo poderes con Supergirl, sino también origen con la diferencia que en Tierra-2 el tiempo que transcurría en los cómics era el mismo que transcurría en la realidad, por lo que Superman llegó a la Tierra en 1938 y Kara lo hizo en 1976. Su identidad secreta era la de Karen Starr y su primera relación con la comunidad superhéroica de Tierra-2 fue precisamente ayudando a la JSA en un desastre volcánico en China. Formó parte del grupo de jóvenes héroes y heroínas conocido como Infinity Inc., que no eran sino hijos o socios de los miembros oficiales de la JSA. Hasta aquí lo fácil. Pero llegó Crisis y toda esta continuidad fue borrada y Power Girl se quedó huérfana de origen. Su origen fue modificado muchas veces, demasiadas, hasta que se unió a la Liga con un pasado relacionado con Arion, un hechicero atlante que se pone en contacto con Kara para explicarle que es su nieta y que fue enviada desde el pasado remoto a esta época para evitar su muerte a manos del hermano de Arion, Gran Daanuth.

Llega el turno del único miembro de la Liga europea que es, de alguna forma, europeo. Nos referimos a Rocket Red. Fue miembro de la brigada creada por Kilowog en el Green Lanterns Corps 208 (1987), por Steve Englehart y Joe Staton, para que la Unión Soviética dispusiera de sus propios superhéroes. Cada miembro portaba una armadura de alta tecnología y se diferenciaban entre ellos gracias a un número diferente. La que portaba el bueno de Dimitri en esta Liga es una versión mejorada que incorporaba tecnología de Apokolips.

Animal Man fue uno de los fichajes para esta Liga que acabó demostrado que no todos sus miembros eran igual de interesantes para trabajar en grupo. El trabajo de Morrison en su serie regular no ayudaba mucho a ello. Otro de los miembros con familia (Dimitri, Rex también tenían hijos). Animal Man fue creado por Dave Wood y Carmine Infantino en el Strange Adventures 180 (1965) en los que Buddy Baker adquiere el poder de absorber las habilidades de los animales como su fuerza, vuelo, agilidad, etc. Posteriormente sus poderes serían ampliados y llegarían a ser más complejos gracias a su conexión con el campo morfogenético de la Tierra, el Rojo, que le permitiría llegar a adquirir habilidades de cualquier animal, incluso si este no está cerca de su radio de acción.

Ralph Dibny ya formó parte de la última encarnación de la Liga de la Justicia, la conocida como la Liga de Detroit y fue incorporado a esta división acompañado de su esposa, experta informática, con la idea de añadir un extra cómico dada su tendencia a creerse un buen detective. Elongated Man apareció por primera vez en el número 112 de Flash (1960), de la mano de John Broome y Carmine Infantino, con una intervención indirecta de Julius Schwartz, editor de la serie, que buscaba un personaje de apoyo para Flash. Schwartz no se percató de que en DC ya tenían a un personaje con poderes elásticos, Plastic Man, adquirido por la editorial en 1956 cuando compró los personajes de Quality. Aún con todo, Elongated Man fue creado e introducido en la serie, aunque no tardaría mucho en ser reconducida su carrera de héroe.

Con la publicación de la sexta entrega de la serie, Giffen y DeMatteis crearon un nuevo personaje para engrosar las filas de la división europea de la Liga, Crimson Fox. El personaje en cuestión respondía al nombre de Crisom Fox y bajo su máscara se escondían dos personas diferentes, las gemelas Vivian y Constance D´Aramis, dueñas de una importante firma de perfumes. Crimson Fox poseía una agilidad, rapidez y fuerza sobrehumanas, además de poder emitir feromonas que despiertan una fuerte atracción sexual en los hombres.

Ambas hermanas están en la actualidad muertas. Vivian murió a manos del villano francés Pointeur en el número 104 de la Liga de la Justica Internacional y Constance fue degollada por la hija del supervillano Mist que había sustituido en la Liga, subrepticiamente, a Ice Maiden (Hielo).

Y les llega el turno a las incorporaciones de otro mundo, Blujay y Bruja Plateada. Ambos formaban parte de los Campeones de Angor formados por Bowman, Capitán Speed y Wandjina, e hicieron su aparición en la Liga de la Justicia #87 (1971), como un particular homenaje de DC a los héroes Marvel, Ojo de Halcón, Mercurio, Chaqueta Amarilla, la Bruja Escarlata y Thor. Su mundo tendría un importante papel en una de las sagas más relevantes y potentes de la serie, la de Los Extremistas.

La serie empezó con ganas de comerse el mundo y acabo insertada en la memoria colectiva de los lectores. El grupo sufrió, rio, fracasó, venció y derrotó a las adversidades con su estilo inimitable. Aprovechar la oportunidad para conocerla si es que no sabíais de su existencia y si es así, recordar, para que nunca sean olvidados, los héroes y heroínas que salvaron el mundo sin esperar nada a cambio. Y no dejéis escapar el podcast que le acabamos de dedicar.

35 años Anual 5 del Vol. 2 de La Cosa del Pantano

Seguimos cumpliendo años y lo hacemos de la mano de un anual, el quinto, de la serie de La Cosa Del Pantano, que sopla ya 35 velas de la mano de Neil Gaiman, que se marcó un especial donde la Cosa del Pantano no es la protagonista. Y es que, en este anual, Gaiman, se sacó de la manga recuperar un viejo personaje de DC de lo más peculiar. Hablamos Brother Power, the Geek.

Esto nos hace viajar en el tiempo, hasta 1968, cuando llegó al mercado el primer número de una nueva serie de DC Comics. Una serie que tenía como protagonista a un maniquí que había cobrado vida tras el impacto de un relámpago en el escaparate de la sastrería donde lucia los diseños de moda de finales de los años 60. Criado por la contracultura imperante, su carrera como defensor del pueblo fue efímera, pues con la llegada de su segunda entrega la colección fue fulgurantemente cancelada. Sus creadores fueron Joe Simon y Al Bare (al que se tardó en acreditar), los que le dieron habilidades tan variopintas como la de poder crecer de tamaño a voluntad, absorber electricidad, poseer cualquier figura inerte que simule a un ser humano, así como habilidades físicas especiales. Todo este listado de “poderes” fue desarrollándose a lo largo de su errática carrera editorial.

Esta cancelación vino motivada del profundo desagrado que le generaba el personaje a Mort Weisinger, que según ha narrado Carmine Infantino en algunas entrevistas, mostraba una aversión nada velada por el movimiento hippie. Según Weisinger, el trabajo de Simon con el personaje retrataba a este movimiento contracultural de forma muy benévola. El tercer número nunca llegó a publicarse, aunque estaba prácticamente acabado y hasta la fecha no se ha podido ver nada del mismo. El propio Simon se negó a relatar el argumento al ser informado del cierre de la colección.

Pero hay personajes que, como las ideas, se resisten a morir. Brother Power esconde algunas curiosidades como la que se puede ver en Legends, donde se ve un cartel en un cine, en el que proyectan una película con el título: Brother Power, the Geek: The movie. Los seguidores de Animal Man, sobre todo del trabajo de Morrison, pueden recordar cómo es nombrado varias veces como alguien que escapó del limbo de los personajes. Y por cerrar este párrafo de curiosidades, añadimos que también es la voz en off del casco del Pacificador en la fallida, pero interesante, serie de Inferior Five.

Dos décadas después, Gaiman lo recuperó para su anual #05 de la Cosa del Pantano, que aprovechó para reformular al personaje al mostrarlo como un elemental imperfecto conectado con todos los elementos artificiales que simulan a un ser humano. La historia comienza cuando el satélite en el que estaba encerrado Brother Power cae a la Tierra y queda libre para poner en peligro, de forma inconsciente, a la ciudad de Gotham, lo que lleva a la intervención de Batman, Abigail y el propio gobierno, quedando la solución en manos de un viejo
hippie…

Brother Power también ha tenido versiones alternativas y se trata de un personaje recurrente, al que se le ha sacado muy poco partido, pero que de alguna forma nadie se olvida del todo. No en vano, en ese regalo a DC Comics que le hizo Grant Morrison llamado, Multiverso (2015), se le puede ver en la Tierra 47 formando parte del Sindicato del amor.

Como veis se trata de un anual en el que Gaiman juega con la propia historia del Universo DC y nos regala el regreso de una de sus creaciones más extrañas y atemporales. Y es que no solo de grandes etapas de cien números viven los personajes, porque hay ocasiones, que solo dos entregas pueden hacer que sea eterno y ser suficientes para que hoy estemos hablando de Hermano Poder.

Sandman Mystery Theatre

Este mes se confabulan los astros para el clásico del Magazine DC. Primero y más obvio, porque ECC (al fin) publica uno (más o menos), The Sandman Midnight Theatre. Y segundo porque se cumplen nada menos que 85 años desde la primera aparición del Sandman original en la cabecera que lo acogería, Adventure Comics, en el número 40 de julio 1939.

Conste en acta que su primerita del todo sería en la particular New York World’s Fair Comics, tan sólo 3 meses antes. Y ya que estamos con aclaraciones para los despistados, como algunos lo fuimos en su momento, esto del “original” viene de distinguir el primer Sandman del personaje que se ha hecho más famoso con ese nombre en DC, la encarnación del Sueño creada por Neil Gaiman que prácticamente dio pie al sello Vértigo.

En todo caso, es una oportunidad que no podíamos dejar pasar para comentar la serie que le dedicó el mismo sello independiente de DC, a cargo del gran John Wagner, durante 6 años y 70 números más 2 especiales, uno de ellos el reeditado este mes. Del 1993 al 1999 se desplegaría uno de los mayores y más elaborados homenajes a una creación de la Edad de Oro de los cómics.

Wagner es un guionista de pocos héroes (buen momento para recordar los dos artículos sobre el escritor de mi tocayo Enrique Ríos). Pese a sus cientos de maravillosos cómics, se cuentan con los dedos de la mano los personajes que ha desarrollado. Y se puede decir, que después de sus dos grandes creaciones, Grendel y Mage, este Wesley Dodds/Sandman sería el tercero en importancia (con permiso de sus interesantes aportaciones al murciélago).

No sabemos si Gaiman inspiró a Wagner a través de los 3 simples paneles que dedicó el británico al personaje original en el primer número de su Sandman. Lo que si ha confesado Wagner es que Karen Berger supo respetarle lo suficiente para hacer lo que quería con una creación ajena.

Ésta es de Gardner Fox y Creig Flessel, un héroe Pulp al uso, ricachón, ataviado con chaqueta, sombrero, corbata y, especialmente, una llamativa máscara de gas. Ya que su arma principal era una pistola que expulsaba un compuesto gaseoso capaz de dormir a sus oponentes.

Lo que hace atractivo este personaje al guionista son sus tics habituales, aunque aquí los transforma. Es por supuesto alguien con una misión clara y convicción fuerte. Pero en vez de darle una ambigüedad moral que se mueve entre grises, es tan blanco como negros sus enemigos. Lo que aquí se aprovecha para explotar esas tonalidades con valores más volubles son una buena cantidad de secundarios entre ambos extremos.

Como Lawrence Belmont, amigo de Dodds y fiscal del distrito, o el teniente Burke, enemigo/aliado a la fuerza de Sandman. Entre estos secundarios, otro aspecto de Wagner; pese a su tendencia por protagonistas masculinos, siempre hay mujeres fuertes detrás. Aquí la novia del héroe es valiente, inteligente, desinhibida… Esta Dian Belmont es recreada convirtiéndola incluso en alguna aventura en Sandy, haciendo un guiño al antiguo compañero del héroe, que el guionista decide eliminar de su realista ecuación.

De hecho, ese realismo sería el principal leitmotiv de la obra. Empezando por trasladar a Dodds de Gotham a la Nueva York de finales de la década de 1930, y haciendo coincidir milimétricamente acontecimientos de la época con personas reales que habitaron la ciudad en esos tiempos entre gánsteres, artistas y políticos. Siguiendo con detalles como la mesura casi obsesiva del tiempo, que en algunos momentos se pude discernir de los diarios de Dian.

Y sobre todo por la comentada negrura que se desprende de los bajos fondos, de las almas descarriadas, de los crímenes truculentos. El ambiente opresivo de preguerra en un país sumido en la pobreza, la corrupción, el racismo, el machismo, la drogadicción, la explotación infantil… Wagner no deja escapar ningún tema mínimamente depresivo con el que ahogar al protagonista, aunque le ofrece ese salvavidas de ternura que es su relación con Dian.

Son ellos los que mantienen la continuidad y soportan la evolución de la serie, pues el argumento es siempre despachado en pequeñas miniseries de 4 números perfectamente orquestadas. Salvo precisamente la última, de dos, guionizada por el otro artífice más longevo de la serie, Steven T. Seagle. Wagner escribiría del 1 al 60 mientras que Seagle, colaborador habitual del primero, se une a coguionizar en el 13 y se encargaría en solitario del 61 al 70.

Mientras que respecto al arte, el peculiar Guy Davis abriría la serie y le daría el tono, con ese trazo tan nervioso como atractivo, tan deslavazado como objetivo. Sería además el que más actos dibujaría, aunque le acompañaron talentos tan interesantes como Vince Locke, Michael Lark o, atención, nuestro Daniel Torres. Mantenidos todos bajo la atmósfera apropiadamente apagada del colorista David Hornung.

También cabe destacar las portadas basadas en fotomontajes realizadas por la dupla de Gavin Wilson y Richard Bruning durante toda la serie. Pero si lo que queréis es un análisis técnico de todos los artífices, ediciones y curiosidades, por favor repasar esta maravilla de artículo de nuestra propia casa.

Mención aparte merece el eclético Teddy Kristiansen, que hace un trabajo que sólo se puede calificar de magistral en el Midnight Theatre que abría esta sección. Un número especial que contó con el argumento de Wagner pero los guiones de Gaiman, una combinación tan exquisita como apabullante en la que el segundo nos delita con su particular manera de enlazar una fábula detrás de otra hasta construir un collar de piedras preciosas.

En este especial, aunque se sitúa argumentalmente en el ecuador de la colección, se explotaría más descaradamente la relación entre ambos Sandman. Algo que como dijimos ya sugirió Gaiman, pero que Wagner aprovecharía sin tapujos desde el primer número de la serie. Esto es, el Eterno Morfeo atormenta con pesadillas a Wesley sobre los crímenes que habrá de ajusticiar.

Esta no sería la única conexión entre personajes de DC aunque dentro de los parámetros impuestos por Wagner. Por ella se pasearán Hourman, Starman y BlackHawk, pese a que disten en parte de sus versiones uniformadas, y algunos enemigos reconvertidos de la época en Adventure Comics. Además del mencionado guiño a Sandy e incluso al colorido traje del personaje durante su breve época superheroica. Y si se hace un esfuerzo por situar al protagonista en continuidad pese al sello Vértigo, se podría en el periodo previo a su incorporación a la Sociedad de la Justicia de América pre crisis.

Pero no amedrentarse por mis devaneos entomológicos los que no conozcan la obra ni el personaje. Precisamente su condición fuera de Universo DC y división en etapas la hace perfecta para tomarla en cualquier momento; algunas como El Bruto, o La Máscara son especialmente recomendables y el anual que publicó Zinco y posteriormente Planeta también es un excelente punto de entrada. La relación de Wesley y Dian podrá cambiar, pero en cada uno de estos actos evoluciona en un aspecto particular y delicioso.

Sólo hay que tener estómago para visitar la condición humana más oscura, la sordidez del periodo que auguraba la Segunda Guerra Mundial. Sólo hay que dejarse llevar por los sueños de una nación que se sumergía en la pesadilla. Y confiar en una pareja de héroes a veces falible en su cometido, pero que proyectaban el sueño de los justos.

La mejor Historia de Zinco Jamás Contada

Era obligado, obligatorio casi, hablar de este libro en nuestra sección literaria. Sin ánimo de hacer la pelota a los autores (dos de los tres son redactores de esta página), se trata de una novedad literaria de primer nivel para un magazine como el nuestro. Un libro sobre Zinco, la editorial que más tiempo ha publicado DC en España. Una auténtica hacedora de fans. Un referente. Un recuerdo imborrable.

Zinco no fue la primera, ni la última. Pero sí fue única porque su edición de DC en España se produjo en los años del boom. En los años locos en los que consolidó la marca, el sello, en España y en castellano.

Los autores de este libro desarrollaron su amor por la editorial catalana a través de su pasión deceíta (tres frikazos de cuidado, ya os lo digo yo). Sin embargo, en este “biografía” se detallan los antecedentes en España de la edición de tebeos, la marcha empresarial, las revistas que publicaron, los tebeos de géneros dispares que sacaron a la luz, etcétera.

El centro, el corazón, es la publicación de DC. Ahí el nivel de detalle es explosivo. La tarea entomológica es demencial. Con una estructura en tres partes, se nos detalla cada colección, especial, one-shot, prestigio que publicó Zinco. De manera más profunda en las colecciones más importantes o extensas. Conforman una exposición casi enciclopédica, con virutas de opinión, como si fueran mini-reseñas.

Se nos habla de autores, etapas, hitos, momentos determinantes (tanto desde un punto de vista editorial como desde un punto de vista de los personajes), interrelación de las colecciones, reediciones, etcétera.

El libro cuenta con una profusión de ilustraciones, portadas, páginas, detalles que humedecerán los ojos del lector más talludito (incluso los legendarios checklists), además de un detalle espectacular (y algo enfermizo, pero así es este hobby nuestro) como es la lista de ediciones, correspondencias con números USA de los números publicados por Zinco, a través de un código QR.

Es un libro ideal para leer de una sentada (larga), rememorar los viejos tiempos, corregir desviaciones de memoria (doy fe, no discutáis nunca un dato con Gustavo Higuero), empaparse de tebeos añejos, de anécdotas desconocidas, de despertar las ganas de ir al rastro o al Mercat de Sant Antoni y ponerse al día con las colecciones que quedaron a medias, repasar los correos, los artículos… todo aquello que despertó nuestra pasión.

Además, es ideal como material de consulta, para revisar cuándo y cómo se publicaron según que colecciones.

En definitiva, es tan obligatorio reseñar y recomendar este libro, como indispensable para cualquier lector de DC. Una lectura llena de detalles, guiños, nostalgia y entomología.