Magazine DC – mayo 2024

DETECTIVE COMICS #14

El trabajo de Ram V ha resultado ser peculiar y ha ganado adeptos y detractores por igual. Ram V ha construido un escenario terrenal y místico al mismo tiempo para poner a Batman y Bruce Wayne en una situación especialmente comprometida. Un trabajo que se ha fraguado a fuego lento, mucho para algunos, con un largo listado de artistas entre sus páginas y unas historias cortas de complemento que son oro puro.

Sin embargo, no todo son buenas noticias porque hablamos de una última entrega que no es un final de etapa, pues ECC cierra este volumen y queda en el aire que va a pasar con la cabecera de Detective Comics en nuestro país y de qué forma vamos a poder ver concluido el trabajo de Ram V.

Con esta entrega llegamos a ese doble final y lo hace manteniendo la esencia de las anteriores entregas. La densidad narrativa ha sido la tónica de Ram V al frente de la colección y no iba a ser menos con la llegada del desenlace. Un desenlace que viene a colocar las piezas en su sitio, que define al protagonista y que hace gala de un conocimiento profundo de lo que encarna esta cabecera dentro de la propia mitología del murciélago.

Detective Comics es donde Batman vio la luz, donde dio sus primeros pasos, fue evolucionando de forma progresiva y que en 2019 llegó a las 1000 entregas. Un hito, solo igualado por Action Comics, que demuestra la fortaleza de la marca, no solo del caballero Oscuro, sino de su cabecera, por mucho que dispusiera de una segunda con su nombre desde 1940.

Estos cuatro tomos, que comprenden parte del trabajo de Ram V en la serie,donde el guionista ha demostrado que la narración de tempo lento es posible y se pueden construir elegantes tramas con la que llevar al personaje por los densos caminos propios de su propio estilo narrativo.

Toca disfrutar de esta última bala, de esta trama donde lo terrenal se une a lo esotérico, lo sobrenatural, en una Gotham más protagonista que nunca, y donde el valor de las cosas está en los detalles.

MAD MAX: FURIA EN LA CARRETERA

Hay películas que nacen pequeñas para crecer y acabar siendo leyendas del séptimo arte. Una de esas cintas es Mad Max, una película escrita y dirigida por George Miller y que se estrenó en 1979 en su país de origen, Australia, para luego dar el salto al resto de las salas del planeta donde firmó una taquilla de 100 millones de dólares… que pueden parecer pocos pero que, si se comparan con el presupuesto de la cinta de 350.000 dólares australianos, la percepción cambia.

Aquella historia nos metía de lleno en una Australia distópica, de fututo incierto, para presentar a Max, un policía de carretera, que debe lidiar con un estado inexistente por la crisis energética, la sequía, la falta de recursos naturales que hacen de la gasolina un bien de extrema importancia. La Patrulla Central es la última línea de defensa en unas carreteras en las que impera el caos y la violencia manifestada a través de bandas de motoristas cuya única ley es el asfalto, la gasolina y la sangre.

Y es sobre este escenario sobre el que Miller edificó una película que es mucho más que persecuciones en coche, al seguir las andanzas de Max, el policía que renuncia a su trabajo, hastiado por una situación que considera le ha superado, para retirarse con su familia a un apartado lugar perdido de Australia. Una historia que se adereza con la venganza de fondo, coches de alta cilindrada, como el mítico V8 Interceptor y el peligro que implica un ser humano que no tiene nada que perder. Y es que en esta película hay una escena cuya crudeza no ha descendido con el paso de los años.

Con semejante éxito, la secuela no se hizo esperar y Max regresó a las carreteras bajo el título de Mad Max II: El Guerrero de la Carretera que condujo hasta una tercera entrega, titulada Mad Max III: Más Allá de la Cúpula del Trueno. Tres cintas que convierten a Max en lo que más temía ser, un indeseable más en una sociedad en plena descomposición.

Y la franquicia durmió durante años el sueño de los justos, hasta que su creador, George Miller, rescató a Max del olvido para que fuera encarnado por Tom Hardy en 2015, y ofrecer una cinta cargada de carburante y violencia a la vieja usanza. El éxito de la cinta fue fulgurante donde un nuevo personaje, encarnado por Charlize Theron, cautivó a los espectadores, bajo el nombre de Imperator Furiosa.

EL 24 de mayo regresa a las pantallas este mundo agonizante con una historia en la que toda la atención se centra en la juventud del personaje de Imperator Furiosa y motivados por ello, desde ECC, nos traen un tomo con historias anteriores a la cinta de 2015. Una serie de miniseries y especiales que llegaron al mercado estadounidense en junio de 2015 de la mano del propio George Miller, junto a su guionista Nico Lathouris, publicando en Vertigo unas secuelas sobre la última entrega de la saga Mad Max. Una de ellas ya era el spin-off sobre Furiosa que contaba la vida en el harén de Immortan Joe antes de que emprendiera la fuga con todas las mujeres del dueño de Citadel. En concreto el lector o lectora podrá encontrarse con Mad Max: Fury Road – Max núms. 1-2, Mad Max: Fury Road – Furiosa núm. 1, Mad Max: Fury Road – Nux & Inmortan Joe núm. 1 USA entre sus páginas.

Mad Max empezó siendo un vistazo a un futuro plagado de desastres naturales, escasez de agua, violentas guerras geo territoriales por los recursos naturales, mostrando un futuro incierto, pero que con el paso de los años se ha mostrado acertado en el devenir que lleva a nuestro planeta a un escenario cada vez más similar a lo que nos quiso vender la cinta de Mel Gibson y George Miller de 1979.

Joshua Williamson, autor de 41 años, nació en 1981 en California (EEUU). Aposentado en alguna batcueva en Portland es una de las mayores cabezas pensantes de la DC actual. Algunas de las cabeceras de mayor recorrido y eventos más importantes en los últimos años de la casa vienen firmados por su nombre. Suyos son la actual cabecera de Superman, la anterior y más larga etapa de Flash desde Flashpoint y otras obras como todo lo que es el evento Knight Terrors.

Williamson inicialmente estudiaría diseño gráfico y arte en la Brooks College of Design en Long Beach, durante estos años se daría cuenta de su capacidad como narrador que le diferenciaba del resto de sus compañeros de profesión. Esto le llevaría una vez acabados los estudios principales a atender un curso de escritura para novela gráfica en la universidad de Portland impartido por el mismísimo Brian Michael Bendis.

El autor afirma en una entrevista empezar a escribir desde una edad muy joven, en su caso lo haría en tarjetilla, las cuales cada una por separado constituiría un gag cada uno. Con los años esas tarjetillas se fueron convirtiendo en pequeñas historias que acabarían confluyendo en historias totalmente desarrolladas ya cuando estudiaba en la universidad.

Su relación con el mundo de la historieta ilustrada tiene recorrido. Desde bien pequeñito recuerda acercarse a salones y conferencias donde conoció y entabló conversación con diferentes autores. Para cuando atendía a las clases de Bendis ya tenía un cómic publicado Necessary Evil para Desesperado Comics, el autor siente que siempre tenía claro que se iba a dedicar al mundo del cómic.

Esta primera publicación sería la primera de una larga lista del autor en lo que publicaciones en el mercado americano se refiere, más de década y media a la espalda lleva guionizando. Para cuando saldría a la venta Necessary Evil, cómic que desarrollo con un íntimo amigo de la universidad, ya tendría un contrato con Image.

A lo largo de todos estos años Joshua iría ganando fama, y poco a poco conseguiría más y más contratos. A día de hoy a conseguido firmar obras de casi cualquier editorial americana que se te ocurra: Dark Horse, Image, Marvel, DC, IDW, BOOM! Estudios…

Tal vez su primera gran puesta en escena seria Ghosted, o Fantasmas como se le conoció en España de la mano de Planeta. Acompañado de Goran Sudzuka durante 20 entregas nos contarían la historia de la mayor mente criminal del mundo quien tendría que reunir a un conjunto de expertos en ultratumba. Una mezcla entre género negro, thriller y terror seria la tónica general de la obra.

El terror y el thriller no le serian desconocidos al autor ya que repetiría éxito, esta vez muchísimo mayor con Nailbitters, o Muerdeuñas como se conoce en España de la mano de Norma Editorial. Aquí repetiría con el genero del terror, nos transportaría a un pueblo que es famoso por ser la cuna de muchos asesinos. Será el agua, alguna creencia popular, la educación… el caso es que, durante sus 30 entregas y su continuación, nos embarcamos en un viaje de misterio y terror por partes iguales, intentando desenmascarar la verdad detrás de tanto asesino.

Tal vez su obra más reconocida y de mayor recorrido como autor independiente seria Birthright, obra inédita en España. En este caso dejamos el terror y thriller para aventurarnos en el mundo de la fantasía. De la mano de Andrei Bressan, con quien más tarde también compartiría cabecera en Batman/Superman vol.2, durante 50 números nos contarían la historia de un niño perdido que un año mas tarde regresa como un adulto lleno de historias fantásticas que compartir. Pura espada y brujería con un toque moderno.

Para cuando ya tenía en emisión estas obras, Williamson, ya había podido tener sus pequeñas incursiones tanto en Marvel como en DC, las dos grandes del cómic americano. Su paso por Marvel fue más bien olvidable, números sueltos de alguna de la cabecera, unos pocos números para Hulk y algún que otro especial derivado de algún evento sin mucha trascendencia.

Destacar también que durante este recorrido tendría sus incursiones en otras compañías como podrían ser: la propia Image, con otras obras más allá de las que ya se han expuesto, Dark Horse con participaciones en el universo compartido de Alien y Predator o IDW con una historia auto conclusiva para RoboCop.

Seria en 2016 cuando cogería las riendas de una de las cabeceras principales de Flash, dentro del nuevo relanzamiento de la continuidad deceita Rebirth. Durante años se encargaría de guionizar la continuidad del velocista de rojo y amarillo. Poco a poco iría cogiendo más peso en la compañía hasta su participación en el “evento” La Chapa, números que derivarían en la obra de Domnsday Clock y que de nuevo redefiniría una nueva época dentro de DC, pues se uniría el mundo de Watchmen con el mundo creador a partir de Flashpoint.

A partir de aquí su participación en los diferentes eventos que irían sucediendo en la casa eran obligatorios. Desde sus primeras participaciones en el evento orquestado por Scott Snyder en Dark Knights Metal y sus continuaciones. Pasando por Infinite Frontier que pretendía redefinir el universo superheroico. Hasta la última y más cercana Knight Terrors en el que sería el principal artífice.

Knight Terrors sería la vuelta de Williamson al mundo del terror, en este caso de la mano de losa personajes de DC. Nos sumergimos en las pesadillas de los superhéroes de la casa, ¿cuáles son sus mayores miedos? ¿qué les quita el sueño? Tal vez no haya sido la mejor de sus obras, pero si algo está claro es que el autor es importante dentro de la compañía.

En los últimos años hemos podido verle guionizar diferentes cabeceras, entre las cuales podemos destacar el nuevo relanzamiento de Superman, el cual ha tenido buena acogida. En definitiva estamos ante un autor con muchos años por delante y tal vez en el mejor punto de su carrera, lo que se pueda esperar de el es un misterio.

Green Arrow, es uno de los personajes más queridos de la editorial para haber tenido una trayectoria tan inconstante, tan extraña como las flechas de su carcaj. Creado por Mort Weisinger y George Papp, Oliver Queen debutó en More Fun Comics n.º 73. Su diseño inicial y concepto estaban fuertemente inspirados en Robin Hood, las novelas de Green Archer y, curiosamente, Batman. Con un joven compañero llamado Speedy, un vehículo distintivo conocido como el «Arrowplane», un villano que trasuntaba al Joker llamado Bull’s Eye, comenzarían las andaduras del arquero esmeralda por la Golden Age.

Entre esos años en los que muchos de los personajes de los cómics fueron desapareciendo y que luego serían actualizado y renovados en la Silver Age, Green Arrow pudo sobrevivir al paso del tiempo gracias a su creador, que lo mantuvo en publicación en More Fun Comics y posteriormente en Adventure comics, donde también se estaban publicando las aventuras de Superman joven. Al sobrevivir a los 50 como Batman y Superman, cuando llegó la Edad de Plata el personaje se mantuvo prácticamente sin cambios.

Mientras que Ed Herron estuvo al cargo como guionista de la mayoría de las historias Oliver y Roy tras la marcha de sus creadores hasta 1963, cabe destacar que Dick y Dave Wood se aliaron con el anteriormente mencionado y con Jack Kirby como dibujante para traernos unas cuantas historias del personaje en Adventure Comics y en World Finest durante 1958 y 1959.

En la cabecera de The Brave and the bold en 1969, Neal Adams actualizó el diseño del personaje, dándole ese aspecto más adulto y la barba que ahora nos parece tan característica. Este cambio de diseño también vino con un cambio en su comportamiento y estatus, que en la serie de La liga de la justicia le quitaron su empresa multimillonaria, le dieron una fuerte ideología social. Todo esto ocurrió a comienzos de la década de 1970, bajo la pluma de Dennis O’Neil y el pincel de Neal Adams. El equipo creativo dejó al arquero como coprotagonista junto con Hal Jordan de la cabecera Green Lantern y posteriormente renombrándola Green Lantern / Green Arrow. Esta etapa es una de las más recordadas del personaje y donde se forjaría los conceptos que más han permeado del mismo hasta nuestros días. Destaca mucho los números en los que tratan de su adicción a las drogas de Speedy, Roy Harper. Una cabecera que ahondó en los temas sociales y que significó machismo en esa época.

Tras esta miniserie el personaje parecía estar más definido, pero no muchos autores sabían exactamente que hacer con él. De esta manera, en 1976 Dennis lo volvió a utilizar en la cabecera de Green Lantern con su amigo Hal, en unas historias que no son tan recordadas pero que nos han llegado hace poco recopilado en DC Icons de ECC. Tras esto el personaje volvió a la cabecera de World Finest, donde siguieron avanzando con su idea de política social donde el personaje se hizo columnista y se postuló como alcalde. Antes de llegar a Crisis en Tierras Infinitas tuvimos la primera serie con el título de Green Arrow en solitario, esta fue una miniserie de 4 números escrita por Mike W, Barr y dibujada por Dick Giordano, donde al mas puro estilo de una novela detectivesca tiene que investigar un asesinato y le llevaría a descubrir al Conde Vértigo, uno de los villanos más representativos de su galería desde este instante.

Tras el “Mundos vivirán, mundos morirán, pero el Universo DC no volverá a ser el mismo” el personaje estaba con el lienzo en blanco y como había pasado con muchos de los héroes, era el momento de sentar bases para el futuro. Quien tomó la batuta de este personaje, dentro del sello de Lectores Adultos que luego conoceríamos como Vértigo, fue Mike Grell. Puedo hablar mucho de esta etapa, pero lo importante es saber que le cambiaron de cuidad, le añadieron todo un nuevo repertorio de aliados y villanos, y lo apartaron de gran parte del resto del universo DC. Estamos ante una etapa de 80 números, redefinió al personaje y es una de sus etapas que debes leer si o si da igual si te gusta el personaje. Hace unos pocos años, mi compañero Enrique Doblas ya la analizó de forma exhaustiva y os recomiendo leerlo.

Tras el final de Grell, la cabecera pasó por Kevin Dooley, Kelley Puckett y tras esto por Chuck Dixon. Con Kelley, se intentó restaurar al personaje como miembro clave del Universo DC y volver a encajonarlo en el resto de las historias de la Liga de la Justicia, pero llegando al número 100 se sacrificó y el manto del arquero esmeralda pasó a su hijo Connor Hawke. Dixon hizo lo que pudo para mantener la cabecera viva, pero Connor no caló lo suficiente. Para poder revertir la obra de Grell porque no interesaba muchos de los cambios de su etapa, aunque si mantener la personalidad de Oliver, en La Noche Final de Green Lantern se trajo a de vuelta al arquero esmeralda original, pero sin su memoria a partir del comienzo de Longbow Hunters.

En el 2000 con lo anteriormente mencionado, comenzó la etapa de Kevin Smith donde Oliver acaba de regresar por El Espectro Hal Jordan y comenzaría Carcaj. A partir de este punto, comienzan las etapas más conocidas y nos han llegado la gran mayoría. El personaje estuvo de vuelta con mayor o menor acierto, tras la marcha de Smith llegaría Brad Meltzer en una etapa aún más cortita pero muy interesante, creando una familia disfuncional con Mia, la nueva sidekick, Roy Harper, Canario Negro, Oliver y Connor Hawke. Si os interesa, de verdad que las reseñas de mis compañeros son muy interesantes.

Con los dosmiles el personaje empezó a tener cada vez más protagonismo, llegaría la serie de Smallville en The CW donde tendríamos una versión en vivo siendo protagonista de la serie, posteriormente tuvo su serie con Arrow en la misma cadena y el personaje fue ganado popularidad. Pasarían las etapas de Judd Winnick y Andrew Kreisberg, no muy recordadas, pero no fueron terribles. Su protagonismo en La noche mas oscura y El día más brillante le dejaron con un cambio extraño, como encargado del bosque de la vida, pero enseguida llegó Flashpoint y comenzó un punto y aparte del personaje.

Con los Nuevos 52 se intentó recuperar algunos de los aspectos del Green Arrow de la Golden Age y establecer muchos de los elementos que vimos en el Año Uno de Andy Dyggle y Jock en el 2007. Los encargados de hacer este no muy querido revival fueron Dan Jurgens y posteriormente Ann Nocenti, de lo cual solo nos llegó parte de esta segunda historia con el tomo de ECC Triple Amenaza. Tras esta debacle del personaje llegarían Jeff Lemire y Andrea Sorrentino, donde usaron los trozos de lienzo en blanco que tenían y crearon una nueva mitología al personaje y a la isla. Reintrodujeron cosas como al Conde Vértigo, unos nuevos Outsiders (recordemos que Ollie estuvo en los Outsiders de Batman) y cogieron a la Shado de Mike Grell. Tras momento tan bonito del personaje, ocurre lo de siempre, viene la flaqueza. Andrew Kreiberg volvió un tiempo al personaje haciendo un destrozo digno de las perores temporadas de su serie de la CW donde él era el showrunner y se marchó. Con DC You y el final de los nuevos 52, Benjamin Percy decidió sacarle en moto por el país y hacerlo licántropo, algo que estuvo mucho más divertido de lo que suena.

Con Renacimiento Johns nos contó que el amor siempre debe volver, y que había sido arrebatado por el Doctor Manhattan por el miedo que le producía este efecto en los héroes, y los afectados fueron Oliver Queen y Dinah Lance. Renacimiento parte con esta pareja reencontrándose, dándole a ese Oliver una hostia de realidad y recuperando su barbita, lo más importante. Con Renacimiento tuvimos 50 números de una etapa increíble, que se acabó de forma un poco insatisfactoria y que dejó al personaje solo como secundario de Superman, Liga de la Justicia y con protagonismo en los eventos extraños de Bendis.

Durante Crisis Oscura, Williamson le dio una muerte distinta al resto, además junto la trama de Bendis con la que este tenía preparada para Waller el propio Joshua, dejando al personaje en un limbo que al fin va a solucionarse. Empezó como miniserie, luego pasó a maxiserie, actualmente es serie abierta, Green Arrow ha comenzado una nueva andadura que llega su primer tomo este mes por parte de ECC. Un back to the basics del personaje, una trama sobre la familia perdida y que promete al fin recuperar a todos los personajes que desde hace 15 años no hemos vuelto a ver juntos nunca.

ENCUESTA GREEN ARROW

Y ha llegado la hora de la verdad…

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DYLAN DOG

Este mes acaba el enfrentamiento entre detectives, cuya primera parte ya nos referenció Román en una estupenda reseña. Al de las orejitas puntiagudas ya lo conocemos de sobra y hemos pensado que el Magazine sería un buen lugar para haceros a la idea del otro, el detective de lo oculto.

Cierto que lo mismo hicieron nuestros compañeros de europeo en un estupendo, como es una nunca suficientemente apreciada costumbre, Más Allá de la Galia. Pero intentemos refrescar vuestras memorias sin resultar muy repetitivos, o directamente descubríroslo a los fanáticos exclusivos del hombre murciélago.

Haceros a la idea, hablamos de un maromo a lo Rupert Everett (que estaba como un queso en los 80) que viste vaqueros, camisa roja bajo chaqueta negra y calza Clarks del mismo color. Vive en Londres con su criado Groucho (si, como el de Grouñidos) y resuelve casos paranormales, con ayuda del Inspector Bloch (del Scotland Yard, cómo no) y su ayudante Jenkins.

Creado por Tiziano Sclavi en 1986 y, aunque su primera historia la dibujó Angelo Stano, fue diseñado por Claudio Villa, que también se ocupaba de las portadacas. Estas son clave, porque hablamos de fumetti editado por Bonelli y, por tanto, en libritos de consumo rápido con interiores en blanco y negro.

Aunque continúa una estirpe clásica de comic negro italiano (fumetto nero si nos ponemos tiquismiquis) iniciada por Diabolik, su toque fantástico de terror pronto le dio el empuje necesario para ganarse la afición de un gran número de lectores. Pero además Sclavi y sus muchos sucesores siempre han sabido darle un extra de tridimensionalidad a los monstruos, tanto por fuera como por dentro, a los que ha tenido que enfrentarse nuestro héroe.

Otra característica son las mil y una referencias culturales, pues aparte de los dos actores nombrados o que viva en (Wes) Craven Road, en las propias historias suele haber homenajes al cine (muchas de las mencionadas criaturas a las que hace frente), la pintura, la literatura y especialmente a la música. Aunque no, el nombre no le viene de Bob, sino de Dylan Thomas, el poeta.

En Italia hoy en día, la serie mensual de Dylan Dog (¡ininterrumpida!) va por el 452, aparte de especiales, miniseries y otras series bimensuales (Oldboy) o trimestrales (Color Fest), pasote! Mientras que en España le sonarán los primeros intentos de Zinco a los más veteranos, que siguieron con Ediciones B, Aleta con mucha más constancia y recientemente ECC y Nuevo Nueve. Ojalá hubiera más.

Y lo digo porque, a riesgo de resultar pesado, hablamos de un auténtico clásico del género que ha sido escrito por Alfredo Castelli (¿os suena Martin Mystere?), Robin Wood (¿Nippur, Dago?), Dario Argento (¿en serio tengo que presentarlo?) y mil estrellas del comic (y la música y la novela y el cine) italiano. Y obviamente dibujado por directamente los mejores: Enrique Breccia, Alfonso Font, Attilio Micheluzzi, Ferdinando Tacconi…

Si tiene que ser a través de Batman el conocerle, adelante, Dylan no le hace ascos a los crossovers (los ha tenido con muchos de sus compis de Bonelli). Si te gusta y quieres saber más del mismo, empieza con lo nuevo o vete a una librería de viejo, da igual, casi te aseguro que te va a gustar. Chulería, misterio, te hace pensar… combinación ganadora.

20 AÑOS DE CRISIS DE IDENTIDAD

Aprovechando fecha tan redonda para recordar obra tan importante, vamos a hacer uno de esos auto-repasos ZN. La verdad es que son un win-win entre los pedazos de artículos que se rescatan y a la vez el disfrute que os dais de nuevo.

Y es que dada la obra de marras hemos encontrado mucho al respecto. No sólo por su calidad intrínseca, sino por la importancia de la temática. Estuvo (y sigue estando) acompañada de una gran polémica entre los giros de la trama, las revelaciones brutales y las implicaciones morales.

Respecto a lo primero recordad que se trata de la segunda obra de Brad Meltzer en DC comics después de una brevísima etapa en Green Arrow. Un ya reconocido novelista que decidió pasarse al comic con resultados absolutamente brillantes. Se le puede echar en cara su patriotismo exacerbado, que a veces transpira a través de sus obras, pero lo compensa con creces con ese amor absoluto a los personajes. Ese excesivo detallismo con cada uno de los caracteres en los que trabaja.

Y en el otro lado tenemos un Rags Morales simplemente magistral. Aquí no soy capaz de entender a sus detractores porque me parece el dibujante que la trama necesitaba sin lugar a duda. Los sentimientos que tan necesariamente han de expresar los personajes se ven acentuados en caras, posturas y composiciones. Mientras que la típica acción del medio está igualmente coreografiada con un dinamismo y narrativa de lujo.

Ahora, de lo que más se ha escrito es de lo que se cuenta, no tanto del cómo. La trama parte de una situación dolorosa y avanza descubriéndonos aspectos aún más oscuros del universo DC, tanto de los retorcidos villanos como de los supuestos héroes.

Los giros de un típico whodonnit, teniendo en cuenta que se inicia con un asesinato, también fueron motivo de discusión en su momento, pero lo que la ha mantenido en el candelero tantos años, lo que da título a esta crisis de identidad, está más relacionado con el poder y la corrupción que le acompaña.

De todo esto, decía, se ha hablado en ésta, vuestra humilde página. Empezando por las inevitables y queridas reseñas. La primera de la obra completa vino de la mano de David Fernández, que ofreció un interesante ejercicio de definiciones y expectativas. Posteriormente, nuestro Gustavo Higuero le daría un merecido repaso que generaría muchísimas más visitas y comentarios, pues el tiempo le había sentado muy bien a la obra, una vez se asentó el polvo levantado por las polémicas. Y ya más recientemente, un servidor, el Doblas, le daría un tiento a la edición XP, por tanto, no sólo a la obra sino a las series que la arroparon, en uno de nuestros magazines.

Conste que hay reseñas anteriores. Mención especial para el delicado homenaje a Sue Dibny que se marca el añorado (en la página) Toni Boix. Aprovechando la publicación del primer número en España nos dejó a punto de lagrimón. Y en aquellos tiempos ¡hasta tuvimos nuestra dosis de polémica! Una diferencia de opiniones que ha perdurado hasta hace nada, tal como reflejó uno de los juicios entre Iris West y Linda Park del antiguo Magazine DC.

Como comentaba, la polémica va más lejos del mundo del cómic. Las cuestionables decisiones que toman los grandes héroes del Universo DC fueron analizadas sesudamente en un podcast épico (o ético en este caso). Lo mejor es que tenía una segunda parte en la que vuestros queridos redactores interpretaron a alguno de los héroes juzgados, con la visita del supervillano más vilipendiado de la saga.

Pero para podcast, el que celebraba los 15 años de la publicación del evento. Pedro Monje, Miguel Angel Crespo y Gustavo se pegaron más de 2 horas y media dándole a la lengua para que no quedara absolutamente ningún recoveco sin estudiar.

De hecho, si había algún detalle suelto te retamos a encontrarlo ¿su relación con la psique estadounidense tras los atentados del 11 de setiembre? Lo tienes ¿su honroso puesto en la interminable lista de todas las crisis de DC? en un Magazine ¿y cuando…

En fin, esperemos que este repaso, ante todo, te haya dejado con ganas de leerla otra vez, porque la serie lo merece.

ARKHAM ASYLUM

La mitología del murciélago tiene décadas, casi un siglo, de desarrollo. Desde esas primeras historias allá por 1940 en la que Batman combatía el crimen, alguna vez hasta con pistola y todo, simplemente en esas historias Pulp que han quedado en el imaginario colectivo, hasta las versiones más modernas del personaje en la que una bruma de depresión se cierne constante en su cabeza y combatir el crimen es lo único que le mantiene vivo.

Muchos han sido los trabajos que han ido construyendo el personaje, pero si hay una década que lo redefiniría sería la de los 80s. De la mano de Frank Miller saldrían a la luz dos obras de suma importancia para el murciélago: Batman: Año Uno y El regreso del caballero oscuro. Estas dos obras no solo serian importantes por lo bien hechas que están, sino que traerían a la palestra un mar de posibilidades a la hora de crear historias.

No serian pocos los que cogerían el testigo de Miller y se lanzarían a escribir sus historias del enmascarado de la capa, todas ellas con cierto toque de novedad, en varios sentidos, y por supuesto con una tónica sombría y oscura que hasta entonces no caracterizaba al personaje.

Uno de esos seria Grant Morrison de la mano de Dave McKean, en 1989 nos traerían una historia que redefiniría el lore del murciélago, Arkham Asylum. No vamos a volver a hablar de la historia, a estas alturas ¿quién no la ha leído? Estamos ante un viaje del murciélago por los pasadizos del maquicomio-carcel, donde tendrá que enfrentar a los diferentes villanos que forman parte de su roster habitual.

Según los más acérrimos lectores y críticos de la obra los diferentes villanos representan los miedos del superhéroe, pero al final todos se solventan por igual… con un buen puñetazo entre ceja y ceja. En mi opinión tal vez estamos ante una de esas morrisoniadas que en este caso está maravillosamente ilustrado lo que supuso una nueva manera de concebir los comics de superhéroes.

En lo que sí tuvo una importancia a destacar es en lo que el nombre de Arkham supone. Hasta entonces Arkham era una entidad más dentro del gothamverso, como lo podría ser el ayuntamiento, que podría tener sus más y sus menos en la narrativa del murciélago. Pero no sería hasta este punto en el que se definiría a los villanos de Batman como auténticos dementes. Arkham pasaría a formar parte del elenco de personajes de la cabecera, ya no era un sitio más como podría ser el ayuntamiento, de haberlo, sino que tendría su propia aura, rezumaría vida de sus paredes.
A partir de aquí y en adelante seria recurrente ver el uso del nombre del asilo en portadas o como reclamo para diferentes arcos.

Mientras que Miller con sus dos obras magnas marcaria la hoja de ruta en lo que a la personalidad del murciélago se refiere, Morrison marcaria un antes y un después con su obra. Lo que antes eran simples villanos que en algún caso se podrían identificar como persona con problemas mentales, a partir de aquí seria la tónica general en las diferentes historias del personaje. Batman ya no se enfrentaría a un hombre vestido de payaso o a un hombre con media cara quemada, sino que se enfrentaría a diferentes trastornos personificados: como trastorno bipolar, esquizofrenia…

A su vez también queda destacar la labor grafica de Dave McKean, hasta entonces el comic más mainstream estaba destinado a ser ilustrado con unos estilos de dibujo bastante acotados, cada artista con su toque eso si, pero no había mucho margen a inventar. El uso de la tintas y de las técnicas clásicas era casi un obligatorio. No seria hasta la década de los 80s con obras como la que estamos hablando ahora u otras de Bill Sienkiwicz abrió un mundo de posibilidades en cuanto a lo que ilustración para comics de superhéroes se refiere. Cabe destacar que coincide con la época por la que se cambia el tipo de papel y de impresión a uno digital, lo que permite a los ilustradores un mayor espectro de oportunidades artísticas.

En definitiva, obra clásica donde las haya. No solo trascendente para la historia del murciélago sino también para la historia del comic americano.