Marvel Knights, historia del sello que revolucionó la Casa de las Ideas

Durante los casi tres años que duró esta primera hornada, habría de sumar a las cuatro series regulares originales –Daredevil, Pantera Negra, Inhumanos y Punisher– varias mini-series de culto como Marvel Boy, de Grant Morrison y J.G. Jones (quien además había dibujado una limitada sobre la Viuda Negra), donde el escocés daba una perspectiva posmoderna a una colección de conceptos de la Marvel más clásica; y El Vigía (Sentry), otro personaje de nuevo cuño con el que Paul Jenkins hacía todo un ejercicio de retro-continuidad. En series como Daredevil, por su parte, se aprovechaba el público ganado por Kevin Smith para tomar decisiones audaces, como las de contratar al artista David Mack y al experto en cómics policíacos Brian Michael Bendis, llamados a construir una de las más memorables etapas del hombre sin miedo. Poco a poco, autores como Morrison y Bendis comenzarían a colarse también por los títulos de la Marvel ‘convencional’. No cabía discusión: el sello MK había lanzado una nueva generación de autores Marvel que estaban para quedarse. Declaraciones tan esclarecedoras como éstas de Jenkins demuestran que esta insólita manera de hacer las cosas daría pie a un fértil creatividad, capaz de conjugar el prestigio y el poder, y que no volvería a repetirse dentro de las oficinas de la Casa de las Ideas ni fuera de ellas.

Daredevil vol. 2 #1-25, de Kevin Smith, Joe Quesada, David Mack, Bob Gale y Brian Michael Bendis

Y, como ya hemos comentado, se eligió a Daredevil de título bandera del sello. Los tiempos en los que la colección había cosechado una popularidad (y buenas críticas, no lo olvidemos) sin precedentes a manos de Frank Miller habían quedado atrás. A pesar de algunas interesantes etapas que la habían continuado, como las de Ann Nocenti y Karl Kesel, entre otras, Daredevil languidecía aun siendo un personaje de culto. Kevin Smith, acompañado del propio Quesada al dibujo, firmó una breve (apenas siete números, relanzando la serie con un nuevo número uno) pero memorable saga que revitalizó a Matt Murdock y su mundo de cara al siglo XXI, volviendo a captar la atención de público y crítica. A pesar de caer en el recurso fácil de abundar en el lado atormentado del protagonista machacándole con desgracias, (una tradición vigente con Daredevil hasta hace relativamente poco) y de una resolución algo tramposa, la caracterización e inteligentes diálogos de Smith unidos a los dibujos de Quesada dotaron a la serie del cuernecitos de un impulso notable.

Este empuje fue necesario para crear una inercia y mantener la colección a flote durante los siguientes números. La marcha de Smith y su sustitución a los guiones por David Mack dieron lugar a otra etapa, caracterizada por la introspección y los experimentos con la puesta en escena de las páginas, en la que pudimos asistir a la primera aparición de Maya Lopez, Echo. Después, Mack pasó a dibujar y el apartado gráfico se vio enormemente potenciado por las bellas ilustraciones y la lírica narrativa del autor de Kabuki. Mack contaba con unos seductores guiones de un Brian Michael Bendis que tocaba por primera vez al diablo defensor de Hell’s kitchen en su colección regular (tras su paso por la mediocre miniserie Daredevil:Ninja) y en los que ya demostraba no saber demasiado de continuidad Marvel. Que se lo pregunten al villano Rana saltarina y a su hijo.

Del número 20 al 25, Bob Gale, (co-escritor de Regreso al futuro junto con Robert Zemeckis), nos contó acompañado por Phil Winslade a los lápices un proceso legal en el que Daredevil resultaba demandado en los tribunales por daños a la propiedad. A pesar de su tramposa resolución (una vez más, que los misterios a resolver tengan explicaciones basadas en hipnotismo, ilusiones y control mental demuestra defraudar), no se puede negar que esta exploración de las implicaciones de las actividades y ética de los superhéroes sobre la gente de a pie tenía cierto atractivo.

Pero el interés del público iba diluyéndose poco a poco. La serie parecía sin rumbo, incluso con la calidad de los autores involucrados y de sus historias, tal vez debido precisamente a sus constantes relevos. Y tuvo que volver Bendis, colaborando esta vez con Alex Maleev para dar lugar a una larga etapa que dejase autentica huella en la historia del personaje.

Los Inhumanos vol. 2 #1-12, de Paul Jenkins y Jae Lee

Paul Jenkins, escritor venido del Hellblazer de Vertigo-DC, hizo su desembarco en Marvel con esta maxiserie de 12 números que redefinió la óptica desde la que ver a los habitantes de Attilan, y muy especialmente a su familia real. Ganadora de un premio Eisner a la mejor nueva serie en 1999, Jenkins tejió una historia en la que lo importante no era tanto lo que se narraba, sino cómo se hacía, con ese sobrio acercamiento edificado sobre lo ya conocido a la personalidad de los protagonistas, aplicándoles nuevas capas, nuevos ángulos. La alegoría sobre una cultura ajena al mundo exterior del siglo XX basada en la distinción de castas y el ritual de madurez, una metáfora siempre presente pero pocas veces explotada, es desarrollada en estas páginas en las que la tenebrosa atmósfera es fundamental para definir su disfrute.

Y es que, claro, Jenkins no estaba solo a la hora de establecerla, sino que contó con un colaborador de lujo. Los lectores de Marvel pudieron reencontrarse aquí con un Jae Lee que tras su paso por Image había dejado atrás la hipertrofia que le había caracterizado y se encontraba en estado de gracia. Lee desplegó aquí por primera vez en un cómic de la casa de las ideas su estilizado, oscuro y elegante estilo, del cual ya había dado muestra en la lamentablemente, inconclusa y tremendamente interesante segunda parte de Hellshock (la primera es bastante del montón, un pastiche noventero más del Cuervo de James O’Barr), su proyecto personal para Image.

En sus fechas de publicación, los aficionados asistían mes a mes atónitos a lo bien que funcionaba un uso tan, digamos sofisticado, de conceptos coloristas de Kirby de los años 60 bajo un prisma tan distinto, sin traicionarlos con reinvenciones escatológicas mediante retrocontinuidad. Es cierto que se va edificando una tensión episodio a episodio que no termina de explotar y que el final resulta un tanto anticlimático. Y aunque hoy por hoy su lectura y atmósfera le puedan resultar rutinarias al lector recién llegado, acostumbrado a un tono así ya como algo habitual en muchas esquinas del universo Marvel desde hace ya tiempo, esta es una de las obras que allanó ese camino y que resultaron realmente rupturistas en su momento.

Pantera Negra vol. 3 #1-12, de Christopher Priest y Mark Texeira

Y, usando también personajes regios nacidos en la mejor etapa de Stan Lee y Jack Kirby en los Cuatro Fantásticos, Christopher Priest nos ofreció esta colección abierta que de nuevo nos dejó atónitos. El escritor anteriormente conocido como James C. Owlsley, una de las voces afroamericanas más relevantes de la industria, decidió que era necesario que el primer superhéroe de color de la historia tuviese la importancia y la molonidad debida.

Así, reinventó al monarca de Wakanda como nunca se le había visto, no solo como un honorable y respetado luchador, sino también abundando en un aspecto del personaje que parece mentira que tan a menudo se pase por alto: el de una de las personas más inteligentes del Universo Marvel . T’Challa aquí siempre tenía un plan, como si fuese una suerte del Batman de la competencia, lo cual unido al uso de artefactos de alta tecnología (una característica que muchos escritores también parecían olvidar y que limitaba bastante las capacidades de Pantera Negra), le permitía enfrentarse a pesos pesados como Mefisto.

Pero la tónica del título no era exclusivamente cósmica ni mística, ni mucho menos, sino más bien urbana, con un aspecto visual impactante debido a Mark Texeira. Éste le devolvió la capa que lucía en sus primeras apariciones y le dotó de esos ornamentos metálicos dorados que dan contraste a su imagen monocroma. El color era sensacional, pero Texeira solo duró seis números a bordo, y fue sustituido por Joe Jusko, Mike Manley y Mark Bright, entrando la colección en un declive paulatino del apartado gráfico.

Pero los guiones seguían ahí:, los impagables e inolvidables secundarios (Everett K Ross, las Dora Milaje, Zuri…), la narrativa no linear con títulos en cada escena a lo Pulp Fiction… y las sombras, además de la luces de un T’Challa que revelaba un lado tristemente poco honorable con sus aliados los Vengadores. La interesante y bien hilada trama que aunaba una acción frenética con un thriller político de Priest vio su continuación cuando la serie se incorporó a la línea ‘normal’ de Marvel, y aunque tuvo después también bastantes aciertos, los episodios que se ganaron la admiración de la crítica, a pesar de las discretas ventas y los pronósticos de luminarias como Chris Claremont (que vaticinó, parece ser que con cierto desprecio, que la colección no llegaría ni al número seis), fueron estos.

Punisher vol. 4 #1-12, Punisher vol. 5 #1-37, de Garth Ennis y Steve Dillon

Aunque hoy parezca increíble, los responsables de Marvel Knights no dieron con su versión perfecta para El Castigador hasta el segundo intento. Con el lanzamiento de la línea, Tom Sniegoski, Christopher Golden y el dibujante Berni Wrightson (casi lo único reseñable del experimento)trataron de relanzar a Punisher en una serie que, al final, se convirtió en una limitada de cuatro números, Punisher: Purgatory, donde Castle tenía que hacer frente a una serie de sucesos sobrenaturales.

No fue hasta el 2000, cuando Quesada pensó en el rompedor equipo creativo de Predicador, Garth Ennis y Steve Dillon, para diseñar al Punisher definitivo, el que influyó en todo lo que el personaje hizo después. En 12 números, este cuarto volumen dedicado al justiciero de la calavera, con un aire todavía más tenebroso que cualquier otra serie de la línea, seguía la estrategia de Daredevil de volver a traer a sus protagonistas al mundo real. Ennis se cargó de golpe y porrazo los conceptos más ‘superheroicos’ y fantásticos que no le convencían -los ángeles-, para convertir la cabecera en una mirada salvaje y real de los bajos fondos de Nueva York , de las familias del crimen, y de la guerra contra las drogas.

Ya sin su dibujante, el quinto volumen, en 2005, mantuvo la misma tónica a lo largo de 37 números. Durante la larga etapa, lograron crear lo que pocos autores del personaje habían logrado, todo un sub-universo personal a su alrededor, con secundarios, escenarios y villanos propios. A partir de 2004, Ennis trasladó a Castle a la línea Max, donde se deshizo de cualquier vestigio de continuidad que se apreciara para dedicarse a narrar durante 60 números las historias reales que revolotearan por los periódicos (armas, contrabando, trata de humanos, prostitución, guerra…) y que despertaran su imaginación. Todavía más salvaje y sangriento. Sin lugar a duda, uno de los grandes clásicos modernos de la Marvel del siglo XXI. Las icónicas portadas de Tim Bradstreet lo acompañaron durante toda su andadura.

Marvel Boy #1-6, de Grant Morrison y J.G. Jones

Marvel Boy, un personaje de nuevo cuño sin relación con el héroe de los años 50, es un Kree con funciones diplomáticas que atraviesa millones de dimensiones alternativas camino a casa. Tras sufrir el ataque de un multimillonario obsesionado con la adquisición de poderes, Noh-Varr acaba en una Tierra parecida a la 616, donde declara la guerra a todos los habitantes.

La colección fue fruto de lo que Grant Morrison consideró un “retiro de seis meses” del mundo del cómic, y que supuso que solo escribiese esta limitada, la novela The If y una o dos ideas para películas. Sobre No-Varr, el autor escocés afirmo que era su «intento de crear un personaje insignia para Marvel. También estoy intentado huir del nostálgico estilo ‘retro’ que actualmente dominan los tebeos, así que aparte del nombre y del respeto hacia el trabajo de Bill Everett [escritor de Namor: The Sub-Mariner], esto es algo completamente fresco y que mira hacia el futuro. Es como un arcade punk con una banda sonora de Atari Teenage Riot y el trabajo más deslumbrante de J. G. Jones que jamás hayas visto. Estoy disfrutando de muy buenos momentos en el cómic y espero que éste establezca nuevas tendencias para el inicio del Siglo XXI«.

Morrison se atrevió incluso a incluir a Marvel en esta crítica a la globalización y el consumismo, aunque reconociendo que le hubiera sido imposible contar la misma historia solo dos años después, bajo algo que no fuera el ultra-protegido sello de Quesada y Palmiotti. Su fantasía definitiva del poder adolescente se convirtió en un éxito de culto inmediato y le abrió las puertas de la gran franquicia Marvel, los X-Men, donde podría poner boca-abajo el universo mutante.

Su joven protagonista, y los conceptos que le rodeaban, gozaron también del abrazo de la Marvel convencional, y, tras su participación en Guerra Civil (donde se cruzó con Runaways y Jóvenes Vengadores) e Invasión Secreta, Noh-Varr fue establecido definitivamente en el universo de la editorial. Primero en los Vengadores Oscuros de Norman Osborn y más tarde como miembro oficial de Los Vengadores de Bendis en La Edad Heróica, Marvel Boy ya es un personaje insignia. Su bautizo de fuego lo ha acabado de dar como carismático Peter Pan chulo-playa y musiquero en la muy morrisoniana Jóvenes Vengadores de Kieron Gillen y Jamie McKelvie.

Sentry #1-5, Sentry: Fantastic Four, X-men, Spiderman, Hulk & The Void, de Paul Jenkins y Jae Lee

Sentry es, junto con Marvel Boy, el único personaje original que la línea lanzó en su primera etapa. Otro superhéroe que utilizaba la longeva historia Marvel para darle un giro retorcido y oscuro. Creado por Paul Jenkins, Sentry (El Vigía en España) fue concebido como una especie de Superman marvelita luchando contra todo tipo de adicciones y psicopatías. El artista y guionista Rick Veitch fue quien dio la idea de fusionar el personaje, una especie de guardián, con las diferentes épocas de Marvel desde los años 40, concediendo un estilo artístico diferente a cada una de las eras por las que viajara.

El truco era que un tremendo suceso habría llevado a todo el Universo Marvel a borrar su existencia de la memoria de todos, la de él -Bob Reynolds- incluida. Una miniserie llena de metatextualidad dibujada por un Jae Lee en estado de gracia recién salido de Inhumanos. Para su lanzamiento, MK incluso se atrevió a jugar con el marketing en un artículo de Wizard donde se aseguraba que El Vigía era un personaje previo a la creación de los Cuatro Fantásticos, recuperado desde Startling Stories #17 de 1961. Supuestamente, dichos bocetos redescubiertos habían sido creados por Stan Lee y Artie Rosen.

A la limitada de cinco números del 2000 le siguió una serie de números únicos interconectados donde el desconocido se cruzaba con los héroes de distintas épocas, los 4F, Hulk, Spiderman y los X-men. Diferentes artistas dieron su visión retro de la historia, para concluir el relato con Jae Lee en un número especial donde Sentry se enfrentaba al que se convertiría en su antagonista, El Vacío. Tras este concluso final, el Vigía parecía haber desaparecido. Al menos hasta el momento en el que Brian Michael Bendis lo convirtió en uno de los miembros clave de Nuevos Vengadores.

Desde entonces, habiendo pasado por variadas re-imaginaciones, ha tenido una importancia vital en los engranajes del universo compartido, incluso ahora que está muerto. Jenkins aprovechó 2005 para lanzar un segundo volumen ya fuera de la línea MK.

Viuda Negra #1-3, de Devin Grayson y J.G. Jones

Sacada directamente de su aparición en el Daredevil de Kevin Smith, Natasha Romanova protagonizó un miniserie de tres episodios (retitulada posteriormente como The itsy-bitsy spider, el nombre una canción infantil norteamericana) en la que el tono de acción desenfrenada y espionaje sucio usando personajes Marvel precede, salvando las distancias, al posterior y popular trabajo de Ed Brubaker en Capitán América.

Devin K Grayson, una notable guionista (que lamentablemente fue más conocida por su noviazgo con Mark Waid y a la que hace tiempo que henos dejado de ver en el mundo del cómic) lanzó a la hoy en día archiconocida miembro de los Vengadores a un thriller a largo de varias localizaciones internacionales, en el que estaba de fondo el tema de las relaciones y fricciones entre el espionaje Ruso y Norteamericano tras la guerra fría y antes del 11-S. En ese ambiente, la antigua agente soviética desertada a los Estados Unidos, a los Vengadores y a SHIELD, conoce por primera vez a la sustituta que la agencia rusa La habitación roja ha puesto en su lugar como nueva Viuda negra: la avasalladora joven Yelena Belova, ansiosa por demostrar su superioridad en el cargo respecto a su antecesora.

La escritora contó que para este proyecto Kurt Busiek le asesoró, que Joe Kelly dejó caer alguna idea, y que se usó a propósito la narración en primera persona que Grayson, acostumbraba a emplearla en Catwoman, para así mostrar el carácter melancólico, distante y espartano de la protagonista. La dinámica de estos tres números, en los que la gelidez a punto de quebrarse de una Natasha que se enfrenta a una profunda crisis personal contrasta con la experiencia de blockbuster de cine de acción, encontró una perfecta compañía en el soberbio trabajo de JG Jones, en una de sus primeras incursiones dibujando para las majors Estadounidenses. En resumen, un gran cómic de acción, sin demasiadas pretensiones pero con oficio.

El personaje de Yelena, además, quedó para la historia conectada del sello. La viuda rubia había sido como invitada especial en Los Inhumanos de Jenkins, y volvería a enfrentarse a Natasha en la miniserie de tres números Black Widow: Breakdown, escrita por Greg Rucka en 2001. También se asomó, a su vez, por la serie regular -que solo duró seis números- que MK acabó dando a la Viuda en 2004, capitaneada por Richard K. Morgan y Bill Sienkiewicz. Este último escritor acabó llevando la batuta, con la ayuda de Sean Phillips, de la cuarta -y última- limitada que Natasha tuvo bajo el sello MK, ya en la última etapa en 2005.

Marvel Knights #1-15, Marvel Knights vol. 2 #1-3, de Chuck Dixon y Ed Barreto

Dado el carácter auto-conclusivo y oscuro de la línea, tener un equipo de super-héroes Marvel Knights parecía un concepto algo anacrónico. Había que aprovechar, no obstante, la buena recepción para conseguir que los lectores que acudían en masa a Daredevil -muchos de ellos curiosos empujados por la promoción- se interesaran por otros rincones del universo. Así, en el 2000, nació este equipo callejero que, si bien nunca recibió el nombre de caballeros Marvel en las viñetas, cumplió ese lugar en las estanterías. El grupo sin nombre del hombre sin miedo resultó una suerte de lo que Brian Bendis haría años más tarde con Nuevos Vengadores.

Para llevar a cabo esta labor, además, contaron con Chuck Dixon, guionista, que, al contrario de muchos de sus compañeros del sello, tenía una larga historia con los supertipos más clásicos, pero sobre todo con Punisher. Era precisamente Castle quien, superado por una masacre a la mafia rusa, recomienda a Daredevil -en una estrategia bastante alejada del personaje- formar una alineación callejera para investigar el suceso. Murdock da en los barrios neoyorquinos con su ex la Viuda Negra, Puñal (a la que más tarde se une Capa tras dar un poco de guerra) y Shang-Chi.

Juntos se enfrentan a amenazas a las que no están acostumbrados, como Ulik, Fu Manchú o incluso el crossover Maximun Security, y a antiguos enemigos comunes. Con el paso de los números se fueron uniendo a las filas el Caballero Oscuro (con quien Dixon también compartía historia) y Luke Cage. El Castigador, a su vez, se acabó convirtiendo en el foco del grupo, el enemigo al que deben dar caza. Tras la clasicista primera temporada de 15 números, el segundo volumen de solo seis, ya bajo el mando de Stuart Moore, trató de casar mejor con la oscuridad de la línea. John Figueroa y Alberto Ponticelli (de dibujo menos claro y sucio) pusieron de nuevo a trabajar juntos a Matt, Natasha y Frank, a regañadientes, contra una mafiosa europea, controlada por el mayordomo, adicta a la cirugía plástica y que ha ascendido en el hampa aprovechando la ausencia del Kingpin narrada en Daredevil.

Con Joe Quesada en la cabeza de la Marvel generalista, a partir del 2000 Marvel Knights dejó de ser ese pequeño sello de prestigio solo reservado para anti-héroes y autores venidos del mundo independiente. La linea se había convertido en toda una operación con varios editores que llegaba a todos los rincones del Universo Marvel. La nueva MK quería dar una visión diferente, adulta y no tan apegada a la continuidad de héroes como Spiderman, Los 4 Fantásticos, Hulk y los mutantes. Nombres como los de J. Michael Straczynski, Mark Millar, David Hine, Frank Cho, Greg Rucka e incluso Neil Gaiman se unieron a la prestigiosa lista de autores envueltos con el todavía prometedor proyecto. Camino a 2006, sin embargo, la línea fue muriendo de éxito, en una editorial dirigida por su precursor donde su planteamiento había dejado de ser lo excepcional para convertirse en norma. Las series más maduras (Punisher, Alias, La Viuda Negra de Rucka…) se encontraban más cómodas bajo el sello MAX, sin censuras de ningún tipo. A mediados de década, y con las series regulares preparadas para renumerar sin necesidad de este paraguas editorial, había llegado el momento de cambiar el propósito originario.

Daredevil vol. 2 #26-81, de Brian Michael Bendis, Alex Maleev y David Mack

Tras los vaivenes que hicieron peligrar la colección del Hombre sin Miedo tras la marcha de Kevin Smith y Joe Quesada, ésta encontró por fin su rumbo con los guiones de Brian Michael Bendis y el arte de Alex Maleev. Juntos firmaron una de las escasas etapas que rivalizan con la de Frank Miller a la hora de señalar como la definitiva del personaje.

Bendis, con su decompressive storytelling, y Maleev con su oscuro, realista, urbano y sórdido apartado gráfico, relataron sólidamente durante más de cincuenta números, en clave de serie negra moderna con tintes superheroicos, la historia de cómo se hace pública la identidad de Matt Murdock como Daredevil y las consecuencias de tal filtración. Mostrándonos algunos de los recovecos más mundanos y burocráticos de aspectos del Universo Marvel, que nunca se nos habían enseñado pero que por fuerza deben estar ahí, pudimos asistir a la caída de Kingpin como señor del hampa y a una solida crónica de cómo el bajo mundo se comportaba fluctuando según este vacío de poder. Incluso vimos como Matt trataba de ocuparlo para proteger su barriada de Hell’s Kitchen, una proclama que marcaría definitivamente su descenso en una espiral que acabaría con él en la cárcel, teniendo que afrontar sus cuestionables decisiones y el acoso de un FBI movido por intereses políticos, obsesiones personales y maquinaria burocrática, pocas veces por la justicia.

Y así, de forma cruel, fue como se despidió Bendis del personaje que inició su ascenso al estrellato en la editorial, dejándolo en las eficaces manos de Ed Brubaker, que siguió torturando al pobre Matt ya fuera del sello Marvel Knights.

Daredevil: Amarillo / Hulk: Gris / Spiderman: Azul / Capitán América: Blanco, de Jeph Loeb y Tim Sale

Considerando que el artista Tim Sale es daltónico de nacimiento, resulta paradójico que se encargase (junto a su colaborador habitual en varios notables trabajos con Batman y Superman, Jeph Loeb) de estas miniseries en las que se relacionaba temáticamente a un color con una etapa clásica de un conocido personaje de Marvel. De este modo, Daredevil:Yellow, la primera de todas, nos mostraba los primeros días de Matt Murdock en su carrera superheroica, cuando vestía ese primer traje predominantemente amarillo. El juego de palabras de Yellow (que inglés significa tanto amarillo como cobarde, irónico al aplicarse a quien es conocido como El Hombre sin miedo) no fue muy explorado por el guión de Loeb, y aunque no es uno de esos trabajos lamentables que a veces firma (Tim Sale parece sacar siempre lo mejor del escritor), resulta simplemente correcto en comparación con la belleza del dibujo.

Es ya en Spiderman: Blue, donde el guionista nos recuerda que a veces puede sorprendernos y ofrecer historias maravillosas. Si en Yellow había hecho que el relato fuese contado en forma de una carta de Matt Murdock a su fallecida amada Karen Page, Loeb decide que ese monologo con un difunto es la mayor fuerza de aquella narración y que repetirá el recurso, que será lo que tengan en común de algún modo estas miniseries, aparte del juego de palabras temático sobre el color, el cual reforzará. Y así, ya que blue es tanto azul como tristeza en inglés, Loeb aprovecha y lanza una nueva y nostálgica visión acerca de la etapa dorada (números 40 al 49 de Amazing Spiderman), de Stan Lee y John Romita Senior al frente de la colección del trepamuros. Nos encontramos a Peter en la actualidad (la del momento de publicación de la obra, a principios de siglo XXI), grabando una cinta de audio dirigiéndose a la desaparecida Gwen Stacy y recordando aquellos felices tiempos de juventud cuando su primer amor seguía vivo y combatía a sus coloristas villanos clásicos. Si en Yellow el trabajo de Sale se imponía de largo al de Loeb, en Spiderman:Blue, ambos están a la misma altura, geniales.

En Hulk: Gray, Bruce Banner habla sobre su por aquel entonces difunta esposa, Betty Ross (ah, el Universo Marvel y sus giros…) en una sesión de psicoanálisis con el doctor Leonard Samson. Volvemos a visitar las primeras 48 horas tras la detonación de la bomba Gamma (y su consecuente transformación en la Masa) y examinamos cómo era su relación con el resto de secundarios de la serie en aquellos entonces: la amistad con Rick Jones, la animosidad del General Ross… Incluso asistimos a un apócrifo primer encuentro con Iron man. El juego de palabras cromático viene en esta ocasión tanto por el color de la piel del protagonista, como por la idea de que nada a nivel moral es puramente bueno o malo, en blanco y negro, sino más bien dentro de espectro tonal de grises. Justo como la naturaleza de Hulk, por un lado un héroe dada su bondadosa naturaleza y por otro un peligroso monstruo debido a su poder, su ira y su incapacidad de comprender las devastadoras consecuencias de sus actos. Sin embargo, el juego empieza a dar señales de agotamiento. Tampoco es que podamos encontrarle mayores defectos al cómic más allá de un perdonable anacronismo: el breve intervalo en sus orígenes en el que lució piel gris, Hulk no tenía la personalidad que aquí aparece, la de bien intencionado pero incomprendido salvaje de vocabulario limitado, sino que era el perverso lado oscuro de la psique de Bruce Banner, llevado a acciones heroicas casi por accidente. No, el problema no es ese, y lo cierto es que las virtudes que se daban en Spiderman: Blue siguen aquí presentes. Sin duda este trabajo de Loeb con el personaje es infinitamente mejor que su posterior etapa con Ed McGuinness. Las últimas páginas en blanco, negro y verde además son realmente memorables, precedidas por una escalofriante revelación sobre la naturaleza del atractivo que Betty sentía por Bruce. Pero en realidad, lamentablemente todo ya nos suena y no nos resulta fresco.

Un proyecto adicional fue anunciado, pero su publicación nunca terminó cristalizando. Captain America: White iba a contarnos los recuerdos que Steve Rogers tenía sobre la segunda guerra mundial y la relación con su camarada Bucky en aquellos años. Tim Sale afirmó estar haciendo mucha investigación para el aspecto gráfico de una obra ubicada en esa contienda, pero no se pasó de publicar un número cero (cuya salida se publicitó para el 4 de Julio de 2008 para coincidir con la celebración de la fiesta nacional norteamericana, retrasándose finalmente una semana respecto a esta fecha ) en el que se incluía solo 16 páginas de historieta, siendo el resto bocetos de Sale y una entrevista con ambos autores. Los fans siguieron clamando pidiendo la aparición del título, pero el tiempo fue pasando y poco a poco Captain America: White cayó en el olvido, víctima de los retrasos debidos a la agenda del dibujante, para terminar desapareciendo de cualquier horizonte de publicación con los años.

1602, de Neil Gaiman y Andy Kubert

1602 puede considerarse como una obra menor en la carrera de Neil Gaiman -algo que ya es decir mucho, en comparación con otros-, guionista que regresaba al cómic tras un lustro de ausencia. La mini-serie que sitúa a los héroes Marvel en los primeros días de unos Estados Unidos incipientes es, sin embargo, un What if? de lo más curioso e imaginativo. Sir Nicholas Fury, Peter Parquagh, el Inquisidor español Enrique (Magneto), el indio Rojhaz (Steve Rogers) o la escuela de Brujería -mutantes- eran solo algunos de los extravagantes personajes que galopaban a caballo entre el viejo y el nuevo Continente, y por donde también se asomaba un personaje histórico de postín como la Reina Isabel I. Todo acompañado por los dibujos de otra estrella de las viñetas que se prodiga poco como Andy Kubert.

Mucho menos mencionables son, por el contrario, las colecciones spin-off y continuaciones que llegaron después, y por las que, como era de esperar, Gaiman nunca apareció. Las ganancias de la serie, por suerte, sirvieron para que Gaiman pudiera financiar parte de la lucha para recuperar los derechos de MarvelMan. Una puerta abierta para que el creador de Sandman volviese a Marvel, aunque fuera de modo indirecto.

Elektra vol. 2 #1-22, de Brian Michael Bendis, Chuck Austen, Greg Rucka y Carlo Pagulayan

Elektra es un personaje difícil de escribir. Aparte de su creador Frank Miller, que tomo elementos de la Sand Sareff de Will Eisner, de las tragedias griegas y de la moda de las artes marciales de los años setenta para concebirla, pocos han sabido dar en el clavo con ella. A la hora de caracterizarla de forma correcta al tiempo que hacerla vivir aventuras suficientemente interesantes como para sustentar una colección propia, a menudo uno o varios elementos terminan fallando. Esta serie, a pesar de los reputados escritores con los que cuenta, lamentablemente no es una de esas excepciones.

Bendis tenía inicialmente algunas ideas tan extravagantes como hacer que la protagonista muriese en cada episodio (como el Kenny de South Park, declaraba) pero por suerte finalmente las descarto. Y aunque acertó con la forma de narrar y presentando la personalidad de Natchios, aquella historia sobre una invasión de Irak en el universo Marvel que precedió a la del mundo real resulta floja. Tampoco el inteligente uso de elementos como SHIELD, sus SDVs, Hydra o la llave de Escorpio consigue levantar la trama. Pero además de detalles como la desastrosa aparición del Samurai de plata, es que el de Cleveland tuvo la desgracia de contar con los dibujos de Chuck Austen, y lo cierto es que las bellas portadas de Greg Horn evocaban más a una dulce y voluptuosa modelo californiana que al sutil y letal atractivo de Elektra.

Con la llegada de Greg Rucka, el apartado artístico mejoró algo, pero, a cambio éste se volvió algo inestable y fue el guionista el que firmó uno de los trabajos más flojos de su carrera. Una premisa a priori interesante, embarcar a la protagonista en un camino de redención tras afrontar las consecuencias de una vida de adicción a la violencia, terminó con resultados ridículos.

Fue ya con la salida del sello Marvel Knights, a partir del número 23, cuando Robert Rodi escribió los mejores momentos de la colección, menos pretenciosos pero más dignos. Su oficio, combinado con el arte del algo estático Sean Chen y las magnificas portadas de un Bill Sienkiewicz que volvió así a tocar al personaje, no salvaron a la serie justo cuando empezaba a despegar, y quedó cancelada en su trigésimo quinta entrega. Una pena, la verdad.

Capitán América vol. 4 #1-28, de John Ney Rieber, John Cassaday, Chuck Austen, Jae Lee, Robert Morales, Chris Bachalo y Dave Gibbons

Inmediatamente después del ataque terrorista del 11-S, la A de América en la capucha del Capitán América se veía obligada a cambiar su significado. Su salto a Marvel Knights, llevaban a cambiar de arriba a abajo el mundo de Steve Rogers. Los grandes villanos casi caricaturescos de la política y la historia dejaban paso a una mirada más realista y cínica del mundo contemporáneo y el sueño americano. La desconfianza y el pesimismo frente al Gobierno y los EEUU se convertían en idea principal de este nuevo Capi, más intimista, que debía luchar contra la amenaza islámica, los prejuicios de los estadounidenses sobre sus conciudadanos diferentes y las desavenencias en la agencia de espionaje SHIELD. Rogers, desenmascarado, se convertía en una ciudadano y los ciudadanos se convertían en los héroes. El mensaje patriótico estaba muy vivo, a veces rozando cierta incomodidad para los foráneos.

El casi desconocido John Ney Rieber (Transformers, G.I. Joe) se unía en los lápices a un John Cassaday, que daba vida a la serie y que la ponía gracias a sus dibujos por encima de la media. La narrativa del futuro creador de Astonishing X-men era clara, moderna y creativa. La pareja, que marcó indudablemente el camino que tomaría años más tarde Ed Brubaker, no duró en el título ni tres arcos argumentales. La irregularidad se convirtió en la tónica de la continuación

Chuck Austen tomó las riendas para devolver a la serie sus raíces más clásicas y los villanos más famosos. Sus números resultaron tan típicos e impersonales como toda su historia en la industria, pese a estar acompañado de un dibujante ya veterano en la línea como Jae Lee, que como de costumbre apostaba por la oscuridad. Tras un clasicista arco escrito por Dave Gibbons (Watchmen), que sumergía al héroe en un universo alternativo del 1964 controlado por Cráneo Rojo, el número 21 trajo a Robert Morales, quien, junto a Chris Bachalo, quiso volverlo a sumergir en el lado más humano y contemporáneo. Quien medio año antes había creado al Capitán América negro, decidió salpimentar su etapa con problemas tan palpables como Guantánamo y la paradoja que supone convertir al héroe en material de propaganda. El desencanto de Steve volvía a estar muy presente, aunque de nuevo muy influido por el ámbito de los super. La etapa terminaba de manera abrupta en el número 27, abriendo la puerta a Vengadores Desunidos y un cambio de status quo que llevaría al Capi a su mejor etapa, ya fuera de MK pero muy cercana a los propósitos de esta primera Marvel de Quesada.

MK: 4 #1-27, de Roberto Aguirre-Sacasa, Steve McNiven, Jim Muniz y Valentine De Landro

Después de aparecer por la línea en 2001 con una miniserie de 4 números de la mano de un potente equipo creativo formado por Grant Morrison y Jae Lee (dos Caballeros de Marvel con todas las de la ley), Los 4 Fantásticos aterrizaron definitivamente en MK durante 2004 con una serie regular que correría en paralelo a la cabecera principal. Roberto Aguirre-Sacasa decidió dar un giro a la familia de imaginautas, para tratar de huir de los conceptos de ciencia-ficción de Lee y Kirby en los que se habían bañado ya innumerables equipos creativos, desde John Byrne hasta Mark Waid.

El escritor venido del teatro ponía todo su foco en los conflictos y relaciones familiares de los miembros. La colección, dibujada por un desconocido -y ya espectacular- Steve McNiven, comenzaba con una propuesta insólita. El cuarteto se enfrentaba a la bancarrota, era desahuciado del Edificio Baxter, y cada uno de los miembros se veía obligado que ponerse a buscar trabajos de verdad. A partir de esta propuesta, el escritor comenzó a desarrollar la iconografía obligatoria de cada etapa: Namor, Pantera Negra, Muerte, el Hombre Imposible… Pero también números autoconclusivos -algunos divertidos, otros personales- que navegaban por el universo como un todo.

La andadura, que poco a poco fue perdiendo su rumbo y la regularidad artística, se reconvirtió con su número 28 simplemente a Four, para acabar desapareciendo con el 30. Nadie dijo que el mercado pudiera aguantar dos cabeceras de Los Cuatro Fantásticos durante mucho tiempo.

MK: Spiderman #1-22, de Mark Millar, Terry Dodson, Frank Cho, Reginald Hudlin y Billy Tan

En 2004, Mark Millar todavía tenía que probarse con el Universo Marvel tradicional. Tras triunfar con su visión de Ultimate, y particularmente de Los Ultimate, el escocés entró por la puerta del 616 de la mano de Marvel Knights: Spider-Man. La serie, tras la polémica Trouble, le dejaba practicar con los juguetes arácnidos, aunque sin necesidad de regirse por la continuidad de la cabecera madre. Como principal foco de atención, la excelente galería de villanos del redes que se dispuso a reformular desde la portada del número uno.

Acompañado por los Dodson y un nombre como el de Frank Cho para fill-ins, Millar tuvo espacio en sus 12 números para presentar su visión de Octopus, el Duende Verde, la Gata Negra, los mafiosos de los bajos fondos e incluso un nuevo Veneno (con Mac Gargan en su interior) que se mantuvo durante un largo tiempo en la continuidad. Como mandaban los objetivos originales de la línea, la historia fue autocontenida e independiente, hasta que, cuando marchó Millar, entró Reginald Hudlin , para convertirla en otra serie secundaria del tres al cuarto complemento de las aventuras de Spidey con Los Vengadores. El enfoque se acabó diluyendo -como había ocurrido con tantas series antes- y, con el 22, MK acabó regresando al manido Sensational Spider-Man.

Distrito X #1-14, de David Hine, David Yardin y Lan Medina

Siguiendo una de las ideas presentadas en los Nuevos X-men de Grant Morrison, la proliferación de mutantes hasta el punto de tener su propia barriada marginal dentro de Nueva York, David Hine nos presentó está serie de corte policíaco.

El escritor inglés, ayudado principalmente por Lan Medina a los lápices desarrolló la historia de Lucas Bishop, el hombre X venido del futuro, que aquí trabajaba para el FBI resolviendo casos criminales relacionados con el día a día en las vidas de los habitantes del susodicho Distrito X. Para ello contaba con la ayuda de un policía humano, un patrullero común asignado como su compañero. Sin embargo, afortunadamente el tono de la colección distaba de ser el de un frívolo buddy movie de un poli negro y otro cubano. La visión de miseria urbana, de drama policíaco moderno, estaba exenta de cualquier glamour, aun pasada por el filtro del cómic de superhéroes, o el de mutantes, si existe tal distinción.

Lamentablemente la serie no ofrecía mucho más que ese ambiente. Las tramas eran correctas, los personajes estaban definidos tridimensionalmente, se aprovechaba de forma inteligente las peculiares características de los habitantes del gueto para ofrecernos casos interesantes, tragedias domésticas, fricciones entre grupos sociales, prejuicios, dramas adolescentes, historias de mafias de barrio…pero algo le faltaba. Era como leer el Top Ten de Alan Moore (incluso había un personaje llamado Melek), pero sin esa chispa, ese genio, y por supuesto sin ese sentido del humor, cosa que por otra parte Hine no buscaba.

El dibujo de Medina, aunque muy eficaz, tal vez parecía demasiado superheroico como para enfatizar el ambiente de decadencia urbana que se pretendía describir. Apenas había interrelación con el resto del Universo Marvel (alguna aparición del coronel Alexei Vazhin, el Nick Furia ruso y la del propio Bishop) y eso finalmente jugó en su contra. En el número 14, con fecha de portada de 2005, la serie fue cerrada. De nuevo, una lástima: tal vez con tiempo la colección hubiese podido asentarse y servir de plataforma para una gran obra. Nos queda la muy agradable lectura de esos episodios.

Madrox #1-5, de Peter David y Pablo Raimondi

Dale limones y Peter David te hará batido de chocolate. El nuevo Distrito Mutante abrió un mundo de posibilidades al guionista para volver a dar una vuelta de tuerca más a algunos de sus personajes favoritos, pero con la originalidad que habitualmente le caracteriza. Madrox era un eterno secundario de la franquicia X al que nadie, salvo David en su etapa al frente de Factor X, había sabido tratar. Ahora, el veterano autor daba un giro a su vida y lo trasportaba hasta una agencia de detectives única, de lo más ‘noir’.

Dispuestos a ayudarle a resolver los misteriores que envolvían el barrio mutoe, junto a él aparecían por esta miniserie Guido Carosella y Loba Venenosa, tres secundarios mutantes cuyo aterrizaje en Marvel Knights les hacía ganar madurez y profundidad. Madrox era, sin embargo, solo una introducción. Lo mejor que dio la cabecera fue, sin duda, el legado que dejó en la larga andadura de PAD al mando de X-factor -y de la que hemos hablado largo y tendido– que llega hasta el día de hoy, de una forma u otra.

Shanna: The She-Devil #1-7, de Frank Cho

Esta versión «moderna» de la compañera de Ka-Zar, el rey de la Tierra Salvaje, llegó a las estanterías con el beneplácito de haber causado cierto revuelo en Internet. Shanna nunca hubiera tenido una serie propia -más allá de ese frustrado intento en el 73, donde se trataba de empoderar a personajes femeninos- si al experto en dibujar mujeres bellas y esbeltas Frank Cho (Liberty Meadows) no se le hubiera encaprichado. En un primer momento, sin embargo, el dibujante y guionista decidió soltarse la melena demasiado en sus bocetos, y dibujó a Shanna como vino al mundo, con su voluptuosidad al aire. Dado el tiempo que le lleva a Cho acabar sus dibujos, las ilustraciones, que serían meticulosamente censuradas en lo que se publicó, no tardarían en dar el salto a Internet. El personaje se convirtió así en un tema de conversación entre las páginas de cómics. Las comparativas comenzaron a multiplicarse.

Pese al revuelto, y lo efectivo de sus dibujos, la mini-serie de siete números resultó un quiero y no puedo, que si bien dejaba claro que las bellezas se le daban de miedo a Cho, el argumento y la evolución de personajes no era uno de los fuertes de la serie. De colores brillantes y con un estilo pulp que encandilará a muchos, la serie tiene cierto encanto, que gustará a los que busquen una lectura rápida y un divertimento con un punto de locura. Ah, sí, y dinosaurios. El propio Palmiotti trató un par de años más tarde hacer una continuación de esta especie de Shanna Ultimate, pero ya sin Cho, se escapaba la única razón por la que un título así podía tener algún interés.

Extraño #1-6, de J. Michael Straczynski y Brandon Peterson

Tras una discreta miniserie escrita en 1999 por Dan Jolley y con un apartado gráfico de Tony Harris y Paul Chadwick (sin duda el aspecto más interesante de ese The Flight of bones), el mago más conocido del universo Marvel volvió a gozar de una oportunidad dentro del sello.

Sin duda, cuando Joseph Michael Straczynski afrontó este encargo de redefinir y modernizar de cara al siglo XXI el origen del Doctor Extraño en seis episodios, acababa de verse la primera película de la trilogía Matrix. Y así, forzó las ciertamente ocurrentes similitudes entre ambas historias, y estableció a Stephen Strange en el papel de Neo, a Clea en el de Trinity, al Anciano en el de Morfeo, al Baron Mordo en el del traidor Cifra, a Wong como el resto de la tripulación de la Nabuconodosor y cambió la amenaza del agente Smith y las máquinas pensantes por la de Dormammu y sus demonios de la dimensión oscura. El guionista de Rising Stars mezcla el relato de redención del egoísta cirujano para terminar fusilando sin piedad la estructura de la cinta de los hermanos Wachowsky (con los que incidentemente colabora ahora en el mundo del cine y la televisión).

Tal vez Straczynsky no comprendía la diferencia entre el sello Marvel Knights y la línea Ultimate, en la que este tipo de revisión hubiese encajado bastante más y con cuyo tono no hubiese desentonado tanto, siguiendo la gracia de Mark Millar en aquella escena de The Ultimates también sacada de la cinta protagonizada por Keanu Reeves.

El apartado gráfico de Brandon Peterson, es cumplidor pero bastante limitado. No le beneficia nada la comparación con la riqueza visual desplegada por Steve Ditko en la versión original de la aventuras del buen Doctor, quintaesencial para el personaje y a la cual ni se acerca. Sus rediseños, con una capa de levitación transformada en una horterísima gabardina larga que parece hecha con unas cortinas exóticas y un Dormammu más parecido que nunca a Johnny Storm, francamente tampoco están a la altura.

Una autentica lastima, decepción y ocasión perdida, ya que el escritor de Midnight Nation parecía el hombre adecuado para este personaje dadas sus declaraciones de intenciones, y a veces, nos da oro en sus historias. En cambio, en otras ocasiones como esta, nos tenemos que conformar con el epilogo de las últimas páginas, única muestra a la altura del errático talento con el que Straczynski a veces nos conquista.

Pantera Negra vol 4 #1-13, Capitán América/Pantera Negra: Banderas de nuestros padres, de Reginald Hudlin, John Romita Jr., Scot Eaton y Denys Cowan

Reginald Hudlin era otro de estos fichajes de Marvel Knights, a lo Kevin Smith, que fue anunciado a bombo y platillo gracias a su estrecha relación con el mundo del cine. Toda una eminencia entre el cine de corte afroamericano nacido a rebufo del éxito de Spike Lee, no había título más perfecto para este cineasta -nominado al Oscar hace un año por ser productor en Django Desencadenado– que Pantera Negra, primer gran superhéroe negro del cómic. La carrera de Hudlin, sin embargo, no era tan brillante como la de Smith, con Colgado de Sara, Boomerang o The Ladies Man en su curriculum.

Para el primer arco, en el que estuvo acompañado por un John Romita Jr. en buen estado, este guionista todavía no completamente cómodo con el medio se dedicó a presentar a T’Challa a los nuevos lectores. Una revisión propia casi del universo Ultimate. ¿Quién es Pantera Negra? eran básicamente seis números cocinados específicamente construidos para hacer un tomo recopilatorio. Casi una limitada. Pasado este trance, perdida completamente la coherencia argumental dentro del título, hacer ligar la serie con el universo Marvel se convirtió entonces en objetivo principal. Así, a un tie-in de Dinastía de M siguió un crossover con X-men, con el que trató de convencer al lector de que el Rey de Wakanda y Tormenta estaban hechos el uno para el otro.

Si la piel del supertipo tenía una pigmentación más oscura que la habitual en Marvel, tenían todas las papeletas de asomarse por el trabajo de Hudlin. Incluso héroes como Luke Cage, Sang-Chi, Monica Rambeau, el Halcón, Brother Voodo y Blade tuvieron tiempo para pasarse por las viñetas antes de que con el número 14 las altas estancias decidieran borrar el inservible sello MK de la portada y terminar de devolver a T’Challa a la casa madre. Así empezaron los preparativos, y la inmensa promoción, para la boda del año. Una vez fuera de la línea, y siempre aprovechando cualquier cruce en las oficinas editoriales, Hudlin se mantuvo en el título hasta el número 38, volviendo más tarde para guionizar el volumen 5 protagonizado por la femenina Zuri.

El autor, asimismo, regresó a la línea años más tarde, en 2010 y bajo una Marvel Knights muy diferente, para hacerse cargo de una miniserie que rememoraba el primer encuentro de Pantera Negra -el padre de T’Challa, T’Chaka- con un joven Capitán América, Nick Furia & co. durante el ataque Nazi a Wakanda, en el epicentro de la Segunda Guerra Mundial.

Daredevil: Redención #1-6, de David Hine y Michael Gaydos

Durante el tiempo que Marvel Knights estuvo en pie, y gracias al continuado éxito de su serie regular, ningún personaje contó con tantas miniseries como Daredevil. A pesar de la cantidad, ninguna llegó al nivel de calidad de esta pequeña joya de David Hine y Michael Gaydos (Alias) que saca a Matt Murdock de su zona de confort para narrar una historia de la América profunda más cercana a un episodio de Ley & Orden o True Detective que al habitual cómic de superhéroes.

El héroe de La cocina del infierno se olvida momentáneamente del mundo de los bajos fondos de Nueva York por los que se caracterizan sus aventuras de Frank Miller, para retomar la dupla abogado/supertipo en un municipio rural donde un niño aparece brutalmente asesinado. Con el pequeño pueblo llamando a la justicia de manera muy sonora, Murdock deberá hacer todo lo posible para evitar que el supuesto asesino, el joven “malo” de la escuela, pase por la silla eléctrica. Un canto a la hipocresía de la pena de muerte y lo trágico de los abusos a menores, así como una reflexión sobre esa complicada perspectiva con la que los conservadores vecinos del corazón de EEUU ven la justicia penal.

Ghost Rider: The Road to damnation (Motorista Fantasma: Autopista al infierno) #1-6, de Garth Ennis y Clayton Crain

Algo que caracteriza a la producción de Garth Ennis cuando se embarca en algún proyecto para Marvel es que se nota que sus personajes no le interesan ni lo más mínimo. Excepto por sus magníficos trabajos con Punisher y Nick Furia, (fundamentales para ambos personajes y que en realidad son el grueso de su obra para la editorial), da la impresión de que normalmente coge al héroe que toque, lo ridiculiza hasta extremos humillantes, y que para tener algo que contar tira de una historia sacada de un cajón de ideas almacenadas para usar cuando le hacen algún lucrativo encargo. El resultado final del tebeo, siguiendo este supuesto, queda por tanto totalmente en función de la calidad del concepto que el irlandés encuentre en ese cajón, que tendrá sus propios protagonistas y secundarios creados para la ocasión, y que luego perfilará ligeramente para que encaje en el mundo del supuesto protagonista. Pero relato y héroe suelen tener una relación más bien tangencial y a veces el producto resultante huele demasiado a alimenticio. En este caso, sin embargo, estamos de suerte.

Y es que, el salvaje, sobrenatural e irreverente relato que aprovecha la infernal naturaleza del Motorista fantasma podría perfectamente ser, sin la presencia de este, una de las historias que el autor suele publicar bajo el sello Vertigo. Una de las apasionantes y divertidas. El, por un lado caricaturesco y por otro terrorífico arte de Clayton Crain, con ese espectacular coloreado digital que ya disfrutamos en su etapa en X-Force, resulta acertadísimo para esta miniserie que consigue muchos más aciertos que la anterior incursión del Motorista Fantasma en el sello Marvel Knights.

Aquella, sin ser mala en absoluto, tenía el guion firmado por Devin Grayson, pero el dibujo de Trent Kaniuga, un Chris Bachalo de segunda con todo lo bueno y malo que eso implica (incluido el hipertrofiado aspecto del protagonista), deslució bastante el resultado.

Años después, Ennis y Crain se reencontraron con el Motorista Fantasma en una precuela de esta historia, Trail of tears. Ambientada en la Guerra civil americana, y contando la historia de Travis Parham, otro avatar del espíritu de la venganza anterior a Johnny Blaze, Ennis pudo volver sobre otro de sus géneros predilectos y que mejor se le dan. A pesar de esto, y de lo interesante de la propuesta, Trail of tears resultó menos acertada que esta muy disfrutable Road to Damnation.

Supervisada por Quesada, el gran jefe señaló a mini-series como Loki de Robert Rodi y Esad Ribic, Shanna de Frank Cho o El Motorista Fantasma de Garth Ennis y Clayton Crain de punto de partida para diseñar este nuevo enfoque. El primer lanzamiento fue una limitada dedicada a la época de guerra de Nick Furia, y, desde entonces, las series fueron estrenándose sin ningún tipo de regularidad ni propósito aparente. Algunas, eso sí, serían recibidas y promocionadas, con más éxito y efusividad que otras, dependiendo en parte de la calidad y renombre de los autores envueltos. Poco a poco, a propósito o no, las cabeceras fueron perdiendo el sello MK en sus portadas, dejando la firma prácticamente desaparecido a la llegada de Axel Alonso como editor jefe. Sin colecciones regulares. Según nuestros cálculos, la segunda colección de Strange Tales dedicada a autores independientes, publicada en diciembre de 2010, e Iron Man: The Rapture, principios de 2011, fueron las últimas que llevaron impreso la marca en su portada.

Furia: Pacificador, de Garth Ennis y Darick Robertson

Garth Ennis se alejaba de Punisher momentáneamente para hacer frente a un encargo en el sello que lo coronó en la editorial muy diferente a lo que había hecho antes, pero con el mismo alma y mala leche. Junto a él, en este regreso a la Segunda Guerra Mundial de la mano del espía más famoso de la editorial, Darick Robertson, quien ya dibujó la guerra vietnamita de Frank Castle en Punisher: Born.

Seis números donde el director de SHIELD -de Sargento y todavía sin parche- se envuelve en una historia bélica de corte clásico, que podría haber estado completamente separada del universo Marvel, con Nazis, venganza, sexo, sangre y balas. Una lectura menor en la carrera de Ennis -que acabaría guionizando a un Furia mucho más salvaje y sin tapujos en Max-, que, sin embargo, deja con buenas sensaciones.

Silver Surfer: Réquiem, de J. Michael Straczynski y Esad Ribic

Coincidiendo con el estreno de la película Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer en 2007, se decidió lanzar esta miniserie con Estela Plateada de protagonista y prestigiosos autores a su cargo. Lamentablemente, volvemos a ver muestras de la tendencia de JM Straczynski a utilizar la premisa argumental de alguna obra de más que probado éxito pasándola por su tamiz personal. Si en Strange todo nos sonaba a Matrix, en Supreme Power recordábamos Miracleman, y en Rising Stars pudimos sentir ecos de Watchmen, El pueblo de los malditos y Los Inmortales, ahora le tocaba el turno a las ideas que Grant Morrison tenía para el proyecto Superman Forever y que se vieron publicadas finalmente en All-Star Superman.

Y así, la historia gira en torno a cómo Estela Plateada afronta sus últimos días antes de morir por una incurable enfermedad y asistiremos a cómo hay quienes al compartir su percepción del mundo sufren una epifanía, cómo le pasase a Lex Luthor en la visión del escocés sobre el hombre de acero. A pesar de este cargante tipo de cosas con las que Straczynski a veces nos trufa sus historias, ( y de algún chiste de Spiderman que sería más adecuado para el Capitán América del universo Ultimate), lo cierto es que la belleza de los monólogos internos de Estela y la emotiva recta final de la miniserie la salvan. La llegada de Galactus a Zenn-La, el planeta natal de Norrin Radd al que éste ha ido a morir, resulta emocionante, al reflejar con acierto la despedida del devorador de mundos a aquel que a pesar de haber sido su sirviente y haberse rebelado contra él, también fue tal vez su único amigo. Y si bien el guion se redime hacia su conclusión, el verdaderamente impresionante arte de Esad Ribic nos mantiene pegados boquiabiertos a las páginas desde la primera viñeta.

Spiderman: Reino, de Kaare Andrews

Ambientada en un futuro distópico, esta obra fruto del esfuerzo de Kaare Andrews al guion y el dibujo (sin olvidar la impresionante labor de José Villarrubia en el coloreado) tiene la etiqueta de ser el Dark Knight returns de Spiderman. Y en efecto, las similitudes con la seminal obra de Frank Miller para Batman, están ahí: Un protagonista anciano y retirado de su carrera superheroica, aplastado por la culpa debido a la muerte de un ser querido, decide volver a sus andanzas ante el decadente, corrupto y casi apocalíptico estado de las cosas.

Si cambiamos el nombre de Bruce Wayne por el de Peter Parker, el de Jason Todd por el de Mary Jane Watson (y, forzando esta comparación y dando la vuelta a los papeles de forma inaudita, el de Alfred Pennyworth por el de J Jonah Jameson), tenemos dos premisas argumentales prácticamente idénticas. Eso sí, al contrario a como pasaba con el moderno cruzado de espartano y arisco carácter que Miller redefinió para Batman, Peter nos resulta básicamente reconocible en lo que a personalidad se refiere, aparte de que los derroteros de los relatos terminan yendo por caminos distintos.

El aspecto gráfico de Reign no hace sino acentuar este paralelismo con aquella obra clave de los años ochenta protagonizada por el hombre murciélago, y si bien en ese ámbito incluso lo supera, es en todo el resto donde sufre, precisamente por la comparación. Y es que, por parecerse tanto a Dark Knight Returns, de Spiderman: Reign hay que decir que en el guion es más floja y que no tiene la trascendencia rupturista para el medio que tuvo la obra de Miller, ya que en realidad, no pasa de ser una imitación hecha muchos años más tarde. Con todo, no deja de ser una interesante y entretenida anécdota, un What if? visualmente brillante y un tebeo curioso que contiene uno de los mayores WTF? de la historia del hombre araña, el relativo a las circunstancias de la muerte de su pelirroja esposa.

Logan, de Brian K. Vaughan y Eduardo Risso

Cuando, tras recordar todo su pasado como consecuencia de Dinastía de M, Lobezno viaja a Hiroshima buscando un cabo suelto de su vida pasada, el relato sobre otra ocasión en la que allí estuvo se desata. Huyendo junto con otro fugado no muy de fiar de un campo de prisioneros japonés durante la segunda guerra mundial, Logan conoció y amó a una mujer durante una sola noche. Las consecuencias de esa historia en el presente no se harán esperar más: ya lo han hecho durante más de sesenta años.

Brian K. Vaughn, uno de los guionistas más interesantes de lo que llevamos de siglo, nos presenta un drama más bien simplón, bastante por debajo de las posibilidades del escritor de Y, el último hombre o Saga. Con todo, lo cierto es que resulta un relato con todos los ingredientes que los fans del personaje pueden pedir a una historia de Lobezno (fascinación por la cultura japonesa, referencias al pasado de James Howlett, acción a raudales, venganza, amor perdido…) y que podría perfectamente haber aparecido en su día en la etapa de Larry Hama en la colección del mutante de garras de adamantium. El soberbio dibujo de Eduardo Risso, la mejor parte de la sobrevalorada 100 balas, convierte a este Logan en una nada innovador pero muy efectivo cómic del más popular miembro de la Patrulla X.

Magneto: Testamento, de Greg Pak y Carmine Di Giandomenico

No nos engañemos: en esta historia no aparece Magneto. Ni falta que le hace para ser soberbia. Greg Pak tiene el acierto de contarnos la infancia del villano como si fuese la de un niño judío “normal” en los tiempos del exterminio de su pueblo a manos de los Nazis. Sólo intuimos los tremendos poderes magnéticos del joven Max Eisenhardt durante un par de ocasiones en toda la obra e incluso ahí son tratados con ambigüedad.

A través de los ojos de Max y de su historia de inalcanzable amor con la gitana Magda, asistimos a una lección de historia sobre ese periodo del siglo XX en la que se nos muestra desde la perspectiva del protagonista el nazismo en la Europa de los años 30 y 40: las olimpiadas de Berlín, el asesinato del agregado alemán en París a manos de un judío (y cómo esto fue usado como excusa para desencadenar la infame Noche de los cristales rotos), la huida de Alemania, la invasión de Polonia, la vida en el guetto de Varsovia, el traslado a Auschwitz, la Zigeunernacht (la noche de los gitanos, en la que se exterminó a casi tres mil personas de esta etnia), la supervivencia en el campo de exterminio como uno de los Sonderkommandos… Visto tan oscuro relato desde los ojos de un niño que va creciendo entre el horror, el magnífico arte de Carmine Di Giandomenico resulta simplemente perfecto por lo adecuado. Una pequeña joya.

Capitán América: The Chosen, de David Morrell y Mitch Breitweiser

David Morell es el escritor de la novela First Blood, cuya adaptación al cine de 1982, Acorralado, lanzó definitivamente al estrellato nada menos que a Sylvester Stallone en el papel de John Rambo. A pesar de ciertas diferencias ideológicas entre el libro y la posterior y conocida franquicia del personaje, la cual contaba con el beneplácito de ilustres como Ronald Reagan, lo cierto es que todo esto ya nos podía dar pistas acerca de cómo iba ser el tratamiento de Morell de un icono como el Capitán América en el clima de los Estados Unidos post 11 de Septiembre.

Y así, nos encontramos con la historia de un valiente y sacrificado soldado, el cabo James Newman, que solo quiere ayudar a su país. Bueno, y al que está invadiendo, Afganistán, dice. Newman empieza a tener visiones en medio de enfrentamientos con los insurgentes del Capitán América luchando a su lado, pero nadie más parece verlo. No es que el capi sea un personaje ficticio en este relato: más o menos la historia se desarrolla en el Universo Marvel, aunque no exactamente, como veremos. Newman cree estar alucinando hasta que descubrimos que lo que sucede es que Steve Rogers está muriendo y busca a su sucesor. El suero de supersoldado en sus venas está empezando a fallar y al Vengador de las barras y estrellas le quedan las horas contadas. Así que en Washington le han conectado nada menos que a una maquina telepática que en su lecho de muerte le permitirá explorar el mundo y encontrar a quien transmitirle su legado.

Tal vez sea injusto juzgar el guion de Morell solo por todos estos desatinos argumentales y por la clara intención propagandística de apología de sus fuerzas armadas e idiosincrasia nacional. Si se consigue escapar de esto (y no es fácil porque impregna cada página: honor, valentía y sacrificio es un mantra repetido a lo largo de toda la obra) lo cierto es que se nota que está escrita para llegar al corazón. Su revisitacion de la historia del Capi a lo largo de los años está bastante conseguida, los diálogos no son malos y el giro final de que sea una multitud de honrados y valientes ciudadanos, no un solo hombre, quienes heredan el manto del Capi cuando éste muere (porque muere, si) tiene cierta gracia. El dibujo de Mitch Breitweiser trata de transmitir las mismas bondades siendo descarnado, y resulta en una especie de mezcla entre Olivier Coipel y Jae Lee, sin llegarpor supuesto a las cotas de ninguno de estos dos. Prescindible, tendenciosa…esta miniserie de seis episodios puede generar sentimientos encontrados, ya que a pesar de estas evidentes faltas, mala per se tampoco se puede decir que sea.

X-Statix Presents: Dead Girl, de Peter Milligan, Nick Dragotta y Mike Allred

Peter Milligan y Mike Allred vuelven a tocar varios personajes más queridos de su aclamada X-Force (luego X-Statix) en esta intrascendente pero muy entretenida miniserie de cinco números. A pesar del título, el protagonismo no recae solo sobre Dead Girl, sino también sobre el Doctor Extraño y sobre varios de sus compañeros en el peculiar grupo mutante.

Aprovechando el estado de fallecidos de Dead Girl y sus camaradas Orphan, U-Go Girl y El Anarquista, Milligan embarca al Hechicero supremo en una trama llena de metalenguaje acerca del espinoso tema de las resurrecciones en el universo Marvel, como ya hiciese Jim Starlin en su Marvel: The end. Un misterioso villano muerto recluta en el infierno a célebres difuntos como Kraven, Mysterio, El Anciano (el maestro de Strange), Miss América y Tike Alistair, para reaparecer temporalmente en el mundo de los vivos y atacarlo para conseguir un modo de hacer permanente tal retorno. Stephen Strange, cumpliendo las obligaciones que vienen con su cargo, recluta a Dead Girl, para viajar a la otra vida y abortar el plan de los infernales villanos. En su periplo se les irán uniendo los mencionados U-go Girl y Orphan, pero también otros conocidos fallecidos como Scott Lang, el Hombre Hormiga o Carter Slade, el Jinete Fantasma, algún desconocido como el hilarante Pianista, y contarán con la ayuda puntual del Club de lectura de las hermanas muertas de Gwen Stacy, Moira MacTaggert y Pájaro Burlón.

Milligan pocas veces ha sido de lectura tan divertida. El tono es más distendido que nunca, con memorables diálogos, algunos llenos de tensión sexual como los que hay entre Miss América y El Anarquista, o entre Stephen y Dead Girl. El esperpento aparece una y otra vez, poniendo relieve algunas de las características más inverosímiles del Universo Marvel. Incluso se nos da otra explicación a por qué son tan frecuentes las resurrecciones en este ficticio cosmos. A veces, es cierto, el humor roza el mal gusto, como en lo concerniente a las flatulencias soportadas por el Anciano y a las hemorroides del Doctor Extraño. Del arte de Mike Allred (ayudado por Nick Dragotta) hay poco que decir, mantiene su genialidad y su peculiar estilo, que resulta idóneo para el tono de la obra.

Una muy disfrutable gamberrada, más aún hoy por hoy, al observar que aquello de lo que se cachondeaba Milligan, lo frágil de la muerte en los cómics, no ha ido sino en aumento. ¿Cuántos de los personajes presentados aquí como difuntos continúan siéndolo? No todos, desde luego.

Angel: Revelations, de Roberto Aguirre-Sacasa y Adam Pollina

Agradable sorpresa esta miniserie dedicada a un personaje a quien pocos han sabido sacar más provecho que transformarlo en el violento Arcangel. Si como superhéroe no parece dar mucho de sí, se demuestra una vez más (como ya hiciesen en su día Ann Nocenti y David Mazzuchelli) que se pueden contar buenas historias de otro corte con Warren Worthington III.

Un veterano de la línea, Roberto Aguirre-Sacasa, nos traslada a los días en que al adolescente y futuro hombre X no le habían crecido todavía sus alas, interno en un colegio religioso de niños bien. Y a pesar de tratarse fundamentalmente de un drama juvenil de instituto, aquí no hay espacio para ñoñerías ni visiones edulcoradas o nostálgicas de la adolescencia. La serie expone un ambiente despiadado, el que se puede dar en una institución así, con sus despiadadas relaciones de poder y diversos tipo de abusos entre los estudiantes. Cuando sus alas empiezan a crecer en la espalda, el cambio del imperturbable Warren no se limita a este aspecto, sino a uno más profundo: el de pasar de ser un popular estudiante y atleta a un marginado cuando empieza a actuar de forma esquiva para ocultar su mutación física y evitar una marginación aun mayor, todo ello manteniendo su orgullo, altivez y dignidad. Su ex novia, su rival deportivo, su amigo secretamente enamorado de él, el profesor que agrede sexualmente, son todos personajes que apuntalan la atmósfera de opresión y soledad en la institución del relato.

Para que no sea solo una historia digamos costumbrista y haya algo de acción, veremos también el periplo de un fanático religioso que va recorriendo el país asesinando mutantes, a los que considera criaturas del demonio. Para ello se guía por las visiones de una niña que tiene secuestrada y que intuye en sus premoniciones lo que Warren llegará a ser como miembro de la Patrulla X. Esta sub-trama añade no solo un componente de tensión, sino un elemento terrorífico, y al confluir con la historia principal desencadenará alguna sorpresa sobre el comportamiento de varios de los personajes.

El expresionismo de Adam Pollina, con su elegante diseño de página y sus estilizadas (casi caricaturescas) figuras, nunca ha estado a un nivel tan alto. Tanto su trabajo como el color de Matt Hollingsworth, contribuyen de forma rotunda a generar esa atmósfera casi gótica y llena de imaginería religiosa. Otra joya a reivindicar.

Punisher: War Zone, de Garth Ennis y Steve Dillon

Poco más se puede decir de Ennis y Punisher. Tras un par de años retirado del título, era el momento de que Garth Ennis volviera a unirse a Steve Dillon (que no ha acabado de encontrar su sitio en Marvel en ninguna otra colección) para recuperar a El Castigador y a algunos de los secundarios que presentaron en su primera etapa. Los seis números de Zona de Guerra ponían a Frank de nuevo frente a la resucitada Ma Gnucci. Más locura, vísceras en el canto de cisne del que era ya el gran autor detrás del historia del personaje, el que lo había redefinido para todo lo que vendría después. Ennis, que parece que volverá una «última vez» en 2014, se ha creado su propio cajón desastre en este universo en el que desarrollar sus locuras lejos de la continuidad y en el que ya ha ubicado también miniseries dedicadas a su personal Furia (bajo la línea Max).

Namor: The Depths, de Peter Milligan y Esad Ribic

Incluso como uno de los más clásicos (anti)héroes de Marvel, Namor ha tenido siempre una complicada historia editorial. El personaje no ha contado con una cabecera importante desde hace tiempos inmemoriales. Su historia en el mundo de la ficción, además, no ha dejado de dar tumbos. Desde su recuperación en los primeros tiempos de Los 4 Fantásticos, el príncipe de Atlantis ha sido héroe, villano incomprendido, vengador, Illuminati, miembro de la Patrulla X, romántico con causa y secundario habitual de cientos de colecciones. Depende del guionista que lo escribiera, la perspectiva era distinta.

Dos veteranos del sello, el personal Peter Milligan y el realista Esad Ribic, se reúnen en esta mini de cinco números para dar una nueva perspectiva casi fílmica que, sin embargo, se centra más el descubrimiento del mito de Atlantis en un mundo todavía sin super-tipos que en la existencia del propio Namor. Un grupo de exploradores sub-marinos se adentra en las oscuras profundidades del océano para destapar uno de los grandes misterios de la historia de la humanidad. El hombre submarino acaba siendo un simple MacGuffin de esta curiosa idea alejada del típico cómic pijamero, pese a que, eso sí, ocupe todas las portadas.

Thor: Por Asgard, de Robert Rodi y Simone Bianchi.

La limitada Loki de Robert Rodi (Codename: Knockout), de 2004, sentó las bases para fortalecer los objetivos de la nueva Marvel Knights. Por lo que resultó lógico conceder una continuación al mismo autor, esta vez de vuelta a la perspectiva del Dios del Trueno, aunque sin la potencia artística del entonces desconocido Esad Ribic -ya una marca del sello-, que dejó boquiabiertos a los lectores. La segunda serie limitada, Thor: Por Asgard en la que Rodi se adentró en los pasillos de la mítica Asgard no pudo tenerlo como dibujante, pero el espectacular e igual de realista Simone Bianchi tampoco tenía nada que envidiar al croata. Loki cede el protagonismo al Dios del Trueno, aunque el tono, la ambientación y el espíritu de la primera se mantienen en este título publicado bajo el sello Marvel Knights que, sin embargo, adolece de una trama inacabada que parece no tener un rumbo claro. Rodi continuaría su historia con el vengador nórdico en Astonishing Thor. Guía de Lectura: Thor.

Strange Tales I y II, de VV.AA.

Siguiendo el ejemplo de Bizarro Cómics de DC, Marvel recuperó uno de sus títulos antológicos más clásicos, Strange Tales, para ceder a una lujosa lista de autores independientes y/o underground a sus personajes más icónicos, aunque fuera por un puñado de páginas. Imaginativo, divertido y, sobre todo, lleno de narrativas originales y con personalidad propia, estos Relatos Extraños son una pequeña joya para amantes del universo Marvel y de los autores envueltos, por igual. Dos volumenes de tres números cada uno firmados por un elenco de lujo con una libertad creativa poco habitual; a saber, Sergio Aragonés, Stan Sakai, Harvey Pekar (conoció a La Cosa en un relato publicado de manera póstuma), Johnny Ryan, Nick Bertozzi (y sus relatos de Uatu), Jhonen Vasquez, Terry Moore y Mark Evanier. Especialmente destacable es el trabajo de Peter Bagge, que por fin pudo ver publicada la postergada El Incorregible Hulk, la historia más larga de la colección. Incluso Jonathan Hickman y Matt Kindt tuvieron tiempo de aportar su pequeño granito de arena, antes de desembarcar en la primera plana de la editorial.

Iron Man: Viva Las Vegas, de Jon Favreau y Adi Granov

Pese al potente equipo creativo envuelto, Iron Man: Viva Las Vegas no era más que una excusa para conectar el estreno cinematográfico del hombre de hierro con el mundo del cómic. El director de la cinta, Jon Favreau, se dejaba llevar por la locura de las viñetas para narrar una historia que nunca podría contar en la gran pantalla: La batalla de Tony (y Elsa Bloodstone) contra un Fin Fang Foom dispuesto a destruir Las Vegas. Adi Granov, encargado del diseño de la armadura y los carteles cinematográficos, creaba la versión renovada del clásico monstruo subterráneo de Marvel. Pero las estrellas deslumbraron demasiado la idea. Los múltiples compromisos de guionista y dibujante hicieron que, tras dos publicados, la mini de cuatro números fuera pospuesta sine die. Uno de los grandes proyectos nunca concluidos de los últimos tiempos. Los primeros ejemplares eran, aun así, bastante poco memorables. No creemos que nadie espere todavía con impaciencia la continuación de la aventura. Está bastante claro que nunca llegará a las estanterías.

Iron Man: The Rapture, de Alexander Irvine y June Chung

El que según nuestros cálculos es el último título del sello antes de la reconversión, pasó sin pena ni gloria por las estanterías. Alexander Irvine (el novelista experto en series terciarias de Marvel) y Lan Medina se encargan de esta limitada de cuatro números donde ponen el universo de Iron Man boca-abajo de la mano de un thriller cyberpunk sobre la tecnología y los límites entre lo físico y lo digital. Dentro de un StarkWorld convertido en un infierno, Pepper Potts y Jim Rhodes luchan por salvar al mundo de Stark 2.0, un potente virus que amenaza con poner en jaque todo el mundo al volver todo a su imagen y semejanza. Mientras tanto esta creación lleva a Tony al borde de la locura y la muerte.