Mundo Independiente: Reseñas Junio 2014

Bienvenidos a una nueva entrega de las reseñas de los #1 de Mundo Independiente. Como solemos hacer, pero recordamos para quien lo desconozca o esté desprevenido, en la publicación de hoy recuperamos la última semana de mayo y las de junio sin incluir la actual (que se incluirá en la próxima entrega).

A continuación entonces contamos con las reseñas de los #1 que hemos leído en este período, a cargo de un cada vez más amplio equipo de redactores de Zona Negativa, lo cual nos permite abarcar cada vez mayor cantidad de cómics. Como siempre, claro, pedimos su colaboración en los comentarios para complementar la tarea con los títulos que crean que falten.

Brass Sun, de Ian Edginton e I.N.J Culbard. 2000 AD.

La siempre interesante 2000 AD británica es una fuente inagotable de buenas historias y buenos autores. Desde tiempos inmemoriales, esta revista ha alojado en sus páginas historias de jóvenes escritores británicos que han terminado convirtiéndose en grandes leyendas del medio como Alan Moore o Neil Gaiman. Sus páginas han conocido viñetas de todos los colores y sabores y prueba de su folclórico y exitoso camino son los casi 1900 números que atesora. Brass Sun, el cómic que nos ocupa, es el último de los salidos en esta revista que da el paso al mercado americano a través de grapas de 32 páginas. Y es que ese es un paso que no todas las historias de 2000 AD consiguen lograr de modo que, cuando lo hacen, estar ojo avizor es la menor de las obligaciones para un aficionado docto en las viñetas. Si bien Brass Sun es conocido por los lectores ingleses de la revista (se han publicado ya dos novelas gráficas a través de la misma y están planeada una tercera) los americanos la están descubriendo ahora con este número 1. La historia, que contiene conceptos que sonarán a más de uno, mezcla elementos reales como la Inquisición y los problemas religiosos con trazos de historias clásicas de ciencia ficción y aventuras, donde me atrevería incluir obras como el Mago de Oz.

El sistema solar es un perfecto engranaje –literalmente– que conecta todos los planetas al sol y que funciona mediante grandes ruedas que lo hacen girar. Sin embargo, el sistema, al que los habitantes de uno de los planetas adoran religiosamente –también literalmente–, parece no funcionar del todo correctamente haciendo que los planetas se vayan congelando al no llegarles su luz con intensidad. Por si fuera poco, aquellos que alertan del riesgo son quemados en hogueras y perseguidos cruelmente. Siendo una miniserie de 6 números, podemos esperar una historia bien cerrada que, visto lo visto en este primer número, no adolecerá precisamente de falta de imaginación. Es solo ver la previa del número 2 y ver que el camino por el que va a seguir todo esto va a ser liso y cómodo, pudiendo esperar que la protagonista vivirá buenas aventuras por muchos de los mundos que conforman ese engranaje buscando la solución al gran problema. Ian Edginton construye así un mundo pleno y fascinante con una diversión potencial inimaginable y, viniendo de este veterano escritor, podemos realmente esperar lo mejor en el futuro. Sabemos con certeza su motivación, pues en alguna entrevista ha dejado caer que no conoce fin para este universo y que aún tiene muchas historias que contar. Si, además, le sigue acompañando el limpio y preciosista arte de INJ Culbard –quien ya colaborara con Ian Edginton en el pasado y cuyo primer trabajo íntegro en solitario, Celeste, tiene una pinta la mar de interesante– todo está destinado a ser una obra magnífica que, al contrario que el sistema solar que lo protagoniza, no tiene visos de quedarse atascada en el futuro.

Valoración: Por Tomás Martínez.

Big Trouble in Little China, de Eric Powell y Brian Churrilla. BOOM! Studios.

Golpe en la Pequeña China, tal como se tituló en España, fue una película de John Carpenter estrenada en 1986 con Kurt Russell, Kim Cattrall y James Hong, como actores protagonistas. La cinta, que narra las aventuras del camionero bocazas Jack Burton en una Chinatown que alberga seres de leyenda, no fue un éxito de taquilla, pero el paso del tiempo la ha ido convirtiendo en un clásico ochentero con un nutrido grupo de fans. Ahora, cerca de su trigésimo aniversario, Boom Studios, que ya está acostumbrada a esto de adaptar al noveno arte el séptimo, ha querido continuar el legado de Carpenter con un cómic homónimo de la película.

La historia retoma el final de la película, con Burton conduciendo su querido camión y con un tripulante inesperado; aquella criatura abominable que hacía de lacaya de Lo Pan, el hechicero y villano del film. Por tanto, estamos ante un punto y aparte del guión original en el que el lector se reencontrará con personajes conocidos como Wang Chi, el amigo de Burton, Egg Shen y Miao Yin, la novia de Chi. Ni si quiera la presencia del siniestro Lo Pan se libra en este cómic, que aunque sigue muerto, sus seguidores buscan venganza, lo que a la postre será el motivo que inicie la trama de esta serie y que seguramente llevará a Burton y los suyos a enfrentarse a nuevos peligros y leyendas de la China milenaria. Con todo ello queda claro que este cómic está dirigido directamente a los conocedores de la película, que a poco que hagan memoria, podrán ponerse en situación sin problemas.

En lo que respecta a la caracterización de los protagonistas, Eric Powell intenta transmitir la personalidad carismática y burlona que el actor Kurt Russell encarnó hace ya cerca de tres décadas. A Jack Burton podríamos definirlo como el sidekick (de Wang Chi) con exceso de bravuconería y torpeza que quiere ser héroe, algo que parece cambiar en este cómic, porque ahora el seguidor es la extraña criatura peluda. Esto, que apunta a convertir a la versión en tebeo de Golpe en la Pequeña China en un producto aún más de comedia, puede que no sea lo más apropiado si se quiere expandir el universo y el tono creado en la película. Por otro lado, hay un intento por enriquecer el trasfondo del personaje principal recordando pasajes de su pasado y que posiblemente sirva de herramienta para futuras tramas.

En cualquier caso este primer número supone un reinicio bastante descafeinado de la obra de Carpenter. Los ingredientes son los mismos, pero no llega a parecerse a la receta original, ni tampoco ofrece nada realmente novedoso.

Valoración: Por Marcos Martín.

The Empty Man, de Cullen Bunn y Vanesa R. Del Rey. BOOM! Studios.

En su nueva aventura independiente fuera de Marvel Comics (y de DC, ahora que es guionista de Sinestro), Cullen Bunn ha decidido apostar por el suspense salpicado de terror. Y en este primer número parece que pretende seguir los designios de H.P. Lovecraft y construir una narración en la que lo menos importante es la forma física de aquello que aterroriza a los protagonistas. Porque si hay algo peor que saber cuando vas a tener miedo, es no saberlo con exactitud. En este caso nadie sabe si lo que está causando violentos asesinatos y extraños suicidios tiene siquiera forma física. Esta especie de pandemia empiezan a investigarla un par de agentes de una fuerza conjunta del FBI y del CDC (el Centro de Control de Enfermedades estadounidense). Lo que nos llega a través de sus investigaciones es que nadie sabe cómo empezó, nadie sabe como se contagia y nadie sabe siquiera cómo surgió su curioso nombre, el que da nombre a la serie (Hombre Vacío, Hombre Hueco…).

Bunn cocina su relato con mimo, sin prisas, como los buenos cocineros. Hasta que finalmente nos enseña algo en la última página que picará la curiosidad del lector para continuar con la serie. Aunque si es cierto que puede perderse un poco la magia creada en todas las páginas anteriores cuando ya nos desvelan parte del misterio creado.

A los lápices tenemos a Vanesa R. Del Rey, que con un trazo ligero y desenfadado de cierta similitud al de Jeff Lemire, consigue transmitir con inteligencia el desasosiego que el guionista intenta transmitir. La primera página da buena muestra de ello, cuando en un sermón servido por el predicador de una iglesia desconocida, el rostro de los allí congregados queda a oscuras u oculto tras unas gruesas líneas. Esas sombras y líneas adornan todo el cómic y consiguen un efecto inquietante. Pero no deja Del Rey aparcado lo referente a la gestualidad y la expresividad de sus personajes, sabiendo en cada momento qué mirada es la idónea.

The Empty Man es, por tanto, un inicio prometedor de un relato de terror. Quizá logre aportar algo novedoso y despunte en ese género, o quizá sólo se quede en algo prometedor pero por el momento las sensaciones son buenas.

Valoración: Por Ivan Rivas.

Nightbreed, de Clive Barker y Piotr Kowalski. BOOM! Studios.

Y seguimos con cómics que surgen a raíz de una película. Bueno, en realidad Nightbreed (Razas de Noche en España, Engendro de la Noche en Latinoamérica) fue la adaptación cinematográfica de una novela de Clive Barker (Cabal) en 1990 dirigida por el mismo autor. Ahora el cómic intenta expandir las historias de los personajes que aparecen en el filme y para ello Boom! Studios se vale de un autor de la talla de Mark Andreyko para que se encargue de los guiones. Sin embargo, se trata de una expansión retroactiva, en la que el lector se sitúa en tiempos pasados para conocer las primeras historias de algunos de los personajes de la película.

Para los profanos, en Razas de Noche se cuenta la existencia de una raza de seres humanos que viven alejados del resto de la civilización por su apariencia y extrañas habilidades. Organizados en una sociedad subterránea, habitan una ciudad llamada Midian en la que intentan sobrevivir sin el conocimiento del resto de los humanos por miedo a ser exterminados. Aunque la idea huele a mutantes por los cuatro costados, el universo de Nightbreed es mucho más oscuro, siniestro y violento que el de Marvel, como podría esperarse del padre de Hellraiser.

La acción se sitúa en dos contextos históricos americanos bien diferentes. Uno en la Luisiana de 1857 y el otro en el Boston de 1945. En ambas tramas los protagonistas son personas que, aparentemente, son normales y corrientes pero que por diferentes motivos, terminan cruzando sus vidas con dos miembros de las razas de noche. Para el conocedor de la obra de Barker puede ser un aliciente descubrir el origen de tales criaturas, lo que también puede suponer una ventaja para poder tolerar mejor un primer cómic carente de información. Y es que si alguien se asoma por primera vez al universo de Nightbreed, le pueden surgir muchas preguntas sobre lo que se está contando y no le resulte suficiente saber simplemente que hay unos seres muy extraños viviendo entre nosotros ¿Qué motivaciones tienen? ¿Por qué son así? Parece que lo que el escritor quiere contar es que dentro de la cotidianidad de nuestra vida, hay un lado más oscuro en el que existen unas criaturas que, aún siendo diferentes, intentan salir adelante.

La propuesta de Andreyko es ahondar en las experiencias más personales de algunos de los protagonistas de la película, comprender por qué, además de su apariencia, son unos parias de la humanidad y qué misterios les envuelve. Elipsis de información que posiblemente para el lector familiarizado con Razas de Noche le puede parecer alentadora, pero que para el iniciado podría resultar en todo lo contrario.

Valoración: Por Marcos Martín.

Thomas Alsop , de Chris Miskiewicz y Palle Schmidth. BOOM! Studios.

Luego de que DC Comics cerrara Hellblazer, en el mundo del cómic ha quedado un cierto vacío que varios han intentado rellenar. Aquí llega otro aspirante a ese título, de la mano de dos autores relativamente nuevos (el guionista es actor y productor de cine y el dibujante es danés con poca experiencia en el mercado estadounidense) y la cada vez más interesante BOOM!. Su nombre es Thomas Alsop y es un mago de la ciudad de Nueva York. En su presentación se hace demasiado evidente la referencia e inspiración que es John Constantine para la creación de este personaje, lo cual resta un poco al crédito que se le presta a cualquier cómic en su primera lectura (que bien puede ser la última si no convence lo suficiente).

No obstante, detrás de esa primera caracterización arquetípica hay un trasfondo más trabajado con potencial de crear una historia interesante. Thomas Alsop es el más reciente titular del cargo de “Mano de la Isla”, nombre que se le da al protector místico de Manhattan. Este título lo recibe como sucesor de la línea familiar, cuando se le otorgó a su tatarabuelo en el siglo XVIII, en épocas de las colonias y la conformación de las ciudades del este norteamericano. Aunque todo indica que su existencia se remonta más atrás en el tiempo…

En este #1 (de una serie de ocho entregas) la narración va desde el presente al pasado y de vuelta al presente, planteando una trama que combinará al actual Thomas Alsop con el origen del título que ostenta su familia desde hace tres siglos.

De esta forma, se contrarresta lo negativo del comienzo con el potencial de una historia atractiva, con un guión bien estructurado y un estilo de dibujo y de coloreado (todo a cargo del mismo artista) estéticamente notable.

Valoración: Por Mariano Abrach.

Doctor Spektor: Master of the Occult, de Mark Waid y Neil Edwards. Dynamite Entertainment.

Contamos aquí con el último de los estrenos de la línea de personajes de Gold Key relanzados por Dynamite. Todas las series contaron con guionistas interesantes y esta de Doctor Spektor no es la excepción, teniendo a Mark Waid al frente. Como dato añadido, este es el menos popular de los cuatro (Turok: Dinosaur Hunter, Magnus: Robot Fighter y Solar: Man of the Atom, los otros tres) lo cual presentaba un desafío para el escritor, quien se vio atraído por la idea de abordar un personaje que no había sido revitalizado desde su aparición casi cuarenta años atrás y del cual él no había leído nada hasta ahora, incluso siendo un amante de los personajes desconocidos.

En su versión original, el Doctor Spektor era un “detective de ocultismo” que investigaba diversas criaturas que puedan caber en esa clasificación (momias, vampiros, hombres lobo, etcétera). En esta actualización a cargo de Waid, se lo presenta como el protagonista de un espectáculo televisivo de reality show, enfrentándose a esas mismas criaturas mencionadas pero para la teleaudiencia. Dicho sea de paso, con estas cualidades nos encontramos ante otra de las candidatas para suceder a Hellblazer (como decíamos de Thomas Alsop arriba).

Con una secuencia de ese espectáculo se abre este cómic, metiéndonos de lleno en la acción como sabe hacer el guionista. Luego de presentarlo en su contexto más atractivo, el escritor nos lleva a conocer otros aspectos de su personalidad para trabajar en la caracterización del protagonista e introducir futuras subtramas. La manera de llevar a cabo este apartado es un tanto brusca, sin el desarrollo necesario ni las presentaciones suficientes de los demás personajes del reparto. Asimismo, la secuencia final está en la cual se plantea un conflicto para concluir en el típico cliffhanger, también está estructurada de manera abrupta y pierde la efectividad que debería tener.

En esta misma tendencia de poca sutileza encontramos la mención a los otros tres personajes de este incipiente universo cohesivo, en una manera obvia que parece incorporada caprichosamente para informarnos de que estamos ante un mismo mundo en las cuatro series.

Respecto al dibujante, Neil Edwards también se luce mucho más en la escena de acción inicial que en el resto del número, trabajando en esas primeras páginas muy bien en todos los aspectos. En lo que sigue su trabajo se diluye perdiendo calidad en el trazo, los encuadres, la narrativa…

Nos encontramos entonces ante un cómic que comienza muy bien y que, lamentablemente, en su segunda mitad prácticamente todo el interés generado. Por lo visto de su potencial, merece una oportunidad más, pero no podría juzgarse a nadie por no querer seguir la serie en los próximos meses.

Valoración: Por Mariano Abrach.

Star Trek Harlan Ellison’s The City On The Edge Of Forever, de Scott Tipton, David Tipton y J.K. Woodward. IDW Publishing.

Todo Trekkie que se precie conoce la historia que rodea a The City on The Edge of Forever, posiblemente el capítulo más celebre y famoso de entre todas y cada una de las series de Star Trek (y de la ciencia ficción televisiva en general). El guión original del capítulo, escrito por Harlan Ellison, fue reescrito por un equipo elegido por Gene Roddenberry, creador de la serie, debido a que no cumplía los requisitos que por aquel entonces –hablamos de 1966– debía tener un capítulo de la serie. Para empezar, en el guión aparecían drogas, algo que totalmente quedaba fuera de lugar en una serie cuya principal pretensión era mostrarnos un futuro perfecto donde las enfermedades, las guerras y la pobreza habían desaparecido de la humanidad. Por lo tanto, si en el capítulo que vio la luz era el Doctor McCoy quien cambiaba el pasado haciendo desaparecer a la Federación de Planetas, en el original era un miembro de la tripulación afectado por las drogas. Estando más o menos de acuerdo con algunos de los cambios, es indudable que el capítulo que salió a la luz es una obra maestra –la cantidad de premios recibidos así lo atesora–, lo cual no quita que el cambio en el guión fuera tan drástico que el propio Harlan se negara a aparecer en los créditos. Llegados a este punto lo cierto es que el guión original es de sobra conocido, pues a lo largo de los años lo hemos visto reproducido en libros o incluso en fotonovelas, con menor o mayor exactitud.

El caso que nos ocupa es la revisitación de ese guión que, de una vez por todas, pretende ser lo más fiel posible ya que cuenta con el asesoramiento y aprobación del propio Harlan Ellison. ¿Y cuál es el resultado? Bueno, muy bueno. No sólo porque supone una curiosidad enorme para todos aquellos que nos sabemos el capítulo original casi de memoria –los Trekkies, vaya– y que vemos como el resultado es una historia completamente diferente –incluida la estética– que la que vimos en el capítulo final, sino porque supone además una historia de ciencia ficción tan sobradamente buena e interesante que cualquier aficionado, incluso sin haber saboreado en su paladar el aroma de Star Trek puede disfrutarlo sin ninguna duda. El dibujo de J.K Woodward es simplemente magnífico, plasmando en sus líneas y colores el espíritu scifi clásico de la serie original y realizando una labor estupenda en la elaboración de las caras de los personajes que son reconocibles al milímetro. Lástima que hayan decidido publicarlo en 5 partes y no en una sola directamente ya que se queda muy corto este primer número y hace muy difícil analizarlo con certeza pues a la historia aún le quedan muchos pasos para llegar al final.

Por ello, sólo queda concluir que lo visto deja la puerta abierta a seguir leyéndolo indubitadamente y por otro lado, a recomendarla a todo aquel que guste de la buena ciencia ficción, pues lo que verá en estas viñetas es pura historia de la misma. Es una pena que IDW haya reducido los cómics de Star Trek a la revisitación de capítulos originales a través de los ojos de los nuevos protagonistas de la gran pantalla, pero con cómics como éste donde incluso la portada brilla con luz propia, a uno le queda la esperanza de que la editorial aproveche el potencial Trek para traernos grandes cómics como ya hicieron otras editoriales en el pasado. Un brindis por la buena ciencia ficción.

Valoración: Por Tomás Martínez.

C.O.W.L, de Kyle Higgins, Alec Siegel y Rod Reis. Image Comics.

La Liga Organizada de Trabajadores de Chicago (Chicago Organized Workers League) es un equipo dependiente del gobierno y de la policía que se encarga de neutralizar villanos con superpoderes a través de miembros con superpoderes también. Con ese sencillo argumento, el siempre interesante Kyle Higgins y su eterno colaborador Alec Siegel lanzan las cartas sobre el tapete –lanzan, sí, no colocan– para que el lector las tome o las deje, sin contemplación alguna y se aventure con ellos. Y es que C.O.W.L parte de una idea sencilla y vista antes de la que subyace una ejecución también muy típica que, por supuesto, hemos visto también millones de veces antes. Sin embargo, algo tiene este cómic que engancha, que apetece seguir leyendo. Muy probablemente sean sus personajes, arquetípicos también al fin y al cabo, pero a los que si eres capaz de coger el punto posiblemente quieras seguir leyendo acerca de ellos en el futuro. Donde no hay lugar a la originalidad si encontramos huecos de empeño y clase. De ganas de hacer las cosas bien. C.O.W.L es una coctelera donde camben muchos ingredientes: un poquito de Watchmen por aquí, una pizca de superhéroes mainstream por allá, un toque de Hollywood para endulzar… En fin, todo lo que uno podría esperar de un cómic de metahumanos superpoderosos luchando contra villanos a cambio de un salario.

Y como estamos en Image, pues también tendremos dosis de alcohol, insultos, mala leche y, muy posiblemente, sexo en el futuro. El arte de Rod Reis, a quien yo adoro por el coloreado que realiza mes tras mes para DC Comics, es sin duda lo mejor del cómic, dotando de un sensible metarrealismo a las viñetas mediante el uso abstracto tonos grises y marrones y trazo confuso e irregular a una historia que no se sale por la tangente de los cánones establecidos. Está claro que los guionistas han querido ser fieles a su premisa y no hay lugar en este cómic donde podamos encontrar una sorpresa o una ligera salida de ruta que no indique su GPS particular. Sin embargo, todo lo que tiene de rutinario y predecible lo tiene de divertido. No seré yo quien recomiende este cómic por encima de otros, más existiendo una diversidad sin precedentes y teniendo tan poco tiempo como tenemos algunos para poder leerlo todo. Sin embargo sí creo firmemente en que es un cómic a tener en cuenta para, ojeando en el futuro nuevas críticas, leerse del tirón la serie cuando se vaya publicando por tomos. Por ahora, dejémoslo en interrogación.

Valoración: Por Tomás Martínez.

Red City, de Daniel Corey y Mark Dos Santos. Image Comics.

Que Image se encuentra en un periodo rodeada de flores no es ningún secreto. Las libertades de las que gozan los autores que publican para la editorial y la encomiable gestión de los derechos sobre las personajes y las historias que pueblan sus cómics ha atraído al fuerte de la industria que ve como pueden crear esas historias que todo escritor quiere contar. Si en las grandes editoriales están los grandes cheques, aquí está creatividad en su estado mas puro. A eso hay que sumarle el crédito que se ha ido ganando la editorial en los últimos años y que le permite arriesgar de tanto en cuanto trayendo a colación a autores desconocidos que proponen historias a priori interesantes. Este es el caso de Daniel Corey, un autor que no se ha destapado todavía como un autor de referencia en la industria del cómic –una simple búsqueda de su nombre en internet nos arroja que se dedica también a otros menesteres– y que en este caso nos trae Red City, un cómic ambientando en un futuro lejano donde los distintos planetas del Sistema Solar forman una alianza llamada NSS (New Solar System) y que, tras un intento de independencia por parte de Venus y Neptuno y su oportuna guerra civil, vive un periodo de paz en el que se están renegociando los tratados de importación y exportación de los planetas. En medio de todo ello, Cal Talmage, un ex policía humano nacido en Marte y venido a menos deberá resolver un caso que involucra a toda la NSS en Mars Central, la Ciudad Roja. Partiendo de una base tan original y divertida, lo cierto es que el cómic es una sucesión de tópicos mas o menos bien llevados pero que adolece de algunos fallos que lastran el cómic hacia una indiferencia intrínseca. Por un lado, el protagonista es el típico policía venido a menos que está detenido y es enviado de nuevo a una misión que solo él puede hacer; Mars Central es la típica ciudad de crimen donde la lujuria de Las Vegas se ve mezclada con el ensordecedor estruendo popular de Nueva York y los personajes que pululan por el cómic no sorprenden en ningún momento pues da la impresión de que se ha quedado un poco coja s caracterización.

Llama la atención también que la narración en primera persona del protagonista vaya destinada a nosotros, seres humanos del Siglo XXI (que salvo posibles futuros viajes en el tiempo no tiene demasiado sentido), lo que hace que sea demasiado explicativa. Es decir, el autor en vez de ir narrando las cosas poco a poco metiéndonos en situación de forma conjunta con la trama, apuesta por contarnos todo en dos páginas para acto seguido llenar el cómic de la trama noir futurista que centra el cómic. El arte de un Mark Dos Santos correcto no hace más que acentuar que es un cómic del montón, dispuesto a ofrecer algo más que de momento no parece destacar en ninguno de sus apartados más allá del lenguaje soez y llamativo que emplea el protagonista en las didascalias. Tiene potencial, pero más le vale sorprendernos en un par de números ya que de lo contrario estamos ante un intento más de Image por traernos una buena historia que termina fracasando, algo que no está siendo demasiado habitual en la editorial comandada por Eric Stephenson. Bienvenido sea pues el precio de arriesgar.

Valoración: Por Tomás Martínez.

Rise of the Magi, de Marc Silvestri y Sumeyye Kesgin. Image Comics.

En el día del cómic gratis estadounidense Top Cow, el sello ya veterano de Image Comics, presentó en sociedad una nueva serie del también veterano Marc Silvestri. La temática mágica que presenta Rise of the Magi no es extraña ni para el sello ni para su autor. Y el público al que se dirige es, por consiguiente, el mismo que ya es lector habitual de Top Cow y es conocedor de los cómics que publica. La lectura de aquel número no es esencial para entender éste, ya que se hace un resumen de lo allí acaecido. Silvestri nos presenta un mundo mágico llamado Rune en el que la magia es de un uso tan habitual como lo es aquí el WhatsApp. En ese mundo Asa Stone, un joven cuyo trabajo es el de «reparar» alfombras voladoras. El joven se verá por casualidad involucrado en una conspiración contra Rune que pretende robar El Orbe, una esfera que es la fuente de toda magia. Es el objeto más importante y más protegido de ese mundo presentado inicialmente como «ideal». Asa acabará por ser el único posible salvador de su mundo, perseguido por un traidor y por los monstruos que le ayudan.

El dibujo se reparte a dos bandas entre el propio Marc Silvestri y el desconocido Sumeyye Kesgin. El primero ofrece un dibujo de un estilo más cartoon, que quizá sea más apropiado para el tono jovial de las primeras páginas pero menos apropiado para la acción que se desata a mitad del cómic, en la que, cómo no, Silvestri se desenvuelve como pez en el agua. Como ocurre con todo dibujante, la edad no perdona. Ha perdido parte de su magia (precisamente) pero sigue aportando algo que otros no pueden, o que al menos Kesgin no puede.

Pero el problema de Rise of The Magi no es su dibujo. La historia no aporta nada novedoso ni en su concepción ni en su desarrollo. Su última página, que pretende impactar y dejar boquiabierto al lector, no es sino un cliché repetido en demasiadas ocasiones. Pero la serie, por su ligereza, se dirige quizás a un público al que no le resulte un argumento manido. Sin embargo, eso no puede ser impedimento para ofrecer algo con más contenido.

Valoración: Por Ivan Rivas.

The Superannuated Man, de Ted McKeever. Image Comics.

Al anunciarse la premisa de este cómic, parecía ser otro más que venía a traer una nueva visión post apocalíptica: en un mundo futurista, en el cual nuestro planeta es dominado por animales desarrollados y con mutaciones, y la mayoría de los humanos han desaparecido, se contará la historia de uno de los pocos hombres que quedan, ya envejecido. Al contrario de lo que podía juzgarse a priori, se trata de un trabajo que parece tener mucho de personal para el autor, dando su opinión del mundo actual a través de este planteo ficcional, metafórico.

Aparte de esta interpretación, se trata también de un cómic bastante extraño en su aspecto, similar a lo más propiamente indie, underground. Esto se aprecia en las figuras, particularmente de los seres que habitan este mundo, así como también en la utilización exclusiva de blanco y negro.

En cuanto a lo que se presenta en este primer número, verdaderamente no hace más que introducir el mundo sin esbozar demasiado de una trama a desarrollar en las próximas entregas.

Por curiosidad de ver cómo sigue esta historia (si es que llegará a algún sitio), por apreciar el trabajo gráfico interesante de McKeever o por incorporar un material no tan convencional a las lecturas mensuales, los lectores irán más allá de este #1 que no ofrece demasiado.

Valoración: Por Mariano Abrach.

The Wicked + The Divine, de Kieron Gillen, Jamie McKelvie y Matthew Wilson. Image Comics.

The Wicked + The Divine es la última colaboración, en el sentido más amplio aplicable al concepto de creación de un cómic, de Kieron Gillen y Jamie McKelvie. Tras encandilar a los aficionados Marvel con una nueva perspectiva de su obsesión por explorar la juventud y jugar al máximo con los límites de las viñetas con sus Jóvenes Vengadores, han aparcado por el momento su primera colaboración independiente, Phonogram (la cual esperemos que no se convierta en un nuevo caso Balas Perdidas), para mezclar conceptos e ideas como la fama, adoración, música y dioses en un resultado pop muy llamativo, llevando la acción a regiones que no hubiéramos adivinado en ningún momento y salpicando todas las páginas de tantas metáforas como guiños musicales les es posible, todo con mucho glamour.

Doce dioses llegan a La Tierra por el plazo de dos años reencarnados como ídolos musicales adolescentes. Con esa premisa, paralela en muchos sentidos al concepto de celebridades que gozan muchos superhéroes, y con la frase promocional “Recuerda que por que seas inmortal no significa que vayas a vivir para siempre”, enseguida destacan dos personajes. Por un lado Laura, nuestra narradora recién llegada del sur de Londres y que se ve envuelta en toda la acción a la vez que el lector. Por otro lado, Luci. De Lucifer. Si hasta ahora habíamos podido disfrutar durante más de tres años del tratamiento que el propio Gillen había hecho del joven Loki (en Journey Into Mystery primero y en Jóvenes Vengadores a continuación), queda claro que no nos van a dejar echarle de menos porque esta encarnación de traje blanco de Lucifer se lleva las mejores frases (y eso es mucho decir, siendo Gillen uno de los mejores dialoguistas de la actualidad) y el cliffhanger, desternillante a la vez que efectivo.

Evidentemente, todo esto no sería lo mismo sin Jamie McKelvie. Aún infravalorado cuanto menos y desconocido cuanto más por la mayoría de los lectores de cómics actuales, su manejo de lenguaje corporal (reminiscente en ocasiones del Kevin Maguire más inspirado), sus composiciones de página y su manejo absoluto de las perspectivas y el punto de cámara hacen que el resultado sea redondo, sin olvidar el trabajo al color de Matthew Wilson, con un sabor muy Warhol. En definitiva, un primer número muy sólido que perfila a esta serie como seria candidata a futuras e importantes nominaciones, consolidándose como uno de los estrenos más interesantes del año, mano a mano con Southern Bastards o Trees.

Valoración: Por Pedro Monje.

Trees, de Warren Ellis y Jason Howard. Image Comics.

Que Warren Ellis presente un nuevo trabajo siempre es motivo de expectación, y con frecuencia, también suele serlo de alegría. Tras el pequeño desengaño que supuso el (por otra parte previsible) abandono de la remarcable Moon Knight en Marvel tras sólo seis números, Image, probablemente la editorial más interesante del actual panorama comiquero estadounidense, nos compensa ofreciéndonos el último proyecto hasta la fecha del escritor inglés.

Acompañado por el artista Jason Howard, Ellis nos presenta un desasosegante relato de ciencia ficción ambientado en un futuro aparentemente cercano. Diez años atrás, tuvimos nuestro primer contacto con alienígenas. Unos gigantescos cilindros llegaron a la Tierra e ignorando a sus habitantes, se emplazaron en ella insertándose en el suelo. Sin establecer contacto con la humanidad, ésta terminó acostumbrándose a la presencia de sus silenciosos y enigmáticos nuevos vecinos. Las únicas interacciones que los llamados árboles (de tales dimensiones que alcanzan las nubes) han tenido con nosotros de vez en cuando, han sido emisiones masivas por su parte de una sustancia líquida corrosiva, inundando y destruyendo con ella todo lo que haya alrededor. Lo cual en ocasiones, solía tratarse de ciudades enteras.

Ningún arma creada por el hombre consiguió afectarles y poco a poco, tras el terror y la intriga inicial fuimos asimilando su presencia a lo largo y ancho de todo el globo como una parte más del paisaje, igual que aceptamos otros muchos horrores en nuestro día a día.

En éste primer número se nos presentan a varios personajes en distintos lugares del mundo y somos testigos de su relativa cotidianeidad. Unos chavales perseguidos por la policía en las favelas de Río de Janeiro. El candidato a la alcaldía de Nueva York que discute con su director de campaña. El joven artista chino que se muda lleno de ilusión del medio rural a la ciudad de Shu. Todas éstas nos ponen en antecedentes acerca de la situación, mientras que la última, en la isla noruega de Spitsbergen (situada en el círculo polar ártico y en la que se encuentra el “arca” mundial que guarda semillas de todas las especies vegetales de la Tierra), parece que será la que introduzca el primer paso de avance de la historia, ya en las siguientes entregas.

El arte de Howard no es muy destacable, aunque resulta dinámico y encaja muy bien con el inquietante tono del relato. La historia ofrece interesantísimas posibilidades, como por otra parte suelen hacerlo todas las ideas de partida de Ellis. A la vista de un solo número, teniendo en cuenta esto último y que básicamente hemos asistido a una (muy eficaz, por cierto) presentación de la premisa, es difícil juzgar si se tratará de un trabajo de esos de los que el guionista de vez en cuando nos brinda y que se quedan en poca cosa, o si finalmente contaremos esta obra entre una de las más sólidas. De momento, como decimos, pinta bien.

Valoración: Por Sergio Aguirre.

Armor Hunters, de Robert Venditti, Doug Braithwaite y Laura Martin. Valiant Entertainment.

Armor hunters es el nuevo evento que une los caminos de los diversos personajes del universo de la editorial Valiant. Apoyándose en los ya veinticinco números que lleva escritos para la colección de X-O Manowar, Robert Venditti consigue que la historia aquí contada nos parezca surgida de forma natural, como prolongación lógica de su andadura en el título, y no como una forzada forma de mercadotecnia. Pero es que además consigue al tiempo hacer de esta primera entrega una lectura casi perfectamente accesible, en la que lo que se necesita saber para entender lo contado va deslizándose de forma fluida durante la narración. Ese destacable uso de la continuidad como formula ampliadora cimentadora de la ilusión de realidad y no como lastre que desalienta al nuevo lector no es la única virtud del guión de Venditti. Además, estamos ante un tebeo muy entretenido, en el que la sensación de que algo terrible está a punto de suceder (y va sucediendo) es constante.

La historia, en la que unos alienígenas, (los cazadores de armaduras del título) llegan a la Tierra para localizar y destruir la armadura portada por Aric, consigue una vez mas producir esa sensación de que todo va confluyendo lógicamente en sus páginas finales, cuando se producen los hechos que involucrarán al resto del universo Valiant en la trama. Tras lo sucedido y sus apocalípticas proporciones, es imposible que no haya repercusiones en el resto de títulos y que sus protagonistas no se vean afectados.

Mención aparte debe ser hecha sobre los antagonistas y lo bien diseñados que están cada uno, como personajes individuales y no como simples a oponentes los que golpear. Que además, a pesar de sus terribles actos, estén actuando por lo que creen el bien mayor, es un bienvenido añadido.

El relato que Venditti ha declarado que revelará el verdadero origen de la armadura que porta el protagonista de X-O Manowar se beneficia además del apartado gráfico que aportan Doug Braithwaite en los lápices y Laura Martin coloreando directamente sobre éstos. El dibujante de Justice y la colorista de The Authority ya habían colaborado antes en Universo X, y lo cierto es que aquí los resultados son también excelentes. Tal vez se pueda poner la pega de que en esta ocasión, esta tendencia de prescindir de un entintador no ha sido bien elegida, ya que los lápices quedan un tanto desdibujados y crudos.

Armor Hunters ha tenido un gran arranque. Así, da gusto y no pereza afrontar la lectura de otro evento.

Valoración: Por Sergio Aguirre.