Mundo Independiente: Reseñas Noviembre 2014

Bienvenidos un mes más a la subsección de Mundo Independiente dedicada a reseñar los #1 de las últimas cuatro semanas de estas editoriales. Como solemos hacer, abarcamos tanto como nos es posible en base a criterios de importancia e interés personales y de la sección, en lo que respecta a varierdad, calidad y noticiabilidad (y un poco de caprichos, también). Como siempre, los invitamos a complementar nuestra tarea aportando su opinión sobre los cómics comentados y agregando los que ustedes consideren que han faltado.

GI Jane: Women of War, de Ben Dunn y Fred Ferry. Antartic Press.

Ben Dunn es uno de los primeros artistas norteamericanos que adoptó para sí mismo el estilo japonés de dibujo reconocible del manga. Durante los años ochenta consiguió cierta notoriedad en Estados Unidos con su serie Ninja High School, publicada a través de Antartic Press, la editorial que él mismo fundó. En España le conocimos por aquella Warrior Nun Areala de la que pocas bondades podemos recordar. Pero sabíamos, a pesar de esa referencia, que Dunn era capaz de mucho más. Su trabajo para Marvel en aquel engendro que fue el Mangaverse tampoco fue muy destacable, pero teníamos la idea de que éste era un trabajo alimenticio y que dentro de Antartic Press era donde Dunn plasmaba sus obras mas interesantes.

Ahora autor y editorial nos presentan esta GI Jane: Women of War, una antología de historias cortas protagonizadas por versiones femeninas de los personajes de la célebre GI Joe con los números de serie borrados. ¿Con qué objetivo exactamente? ¿La parodia? ¿El fan service, creando una visión erótica light de los soldados de la juguetera Hasbro? La verdad es que no nos queda muy claro, y da la impresión de que Dunn tampoco tenía una idea muy concreta en la cabeza cuando concibió este tebeo que carece de cualquier tipo de rumbo o definición.

De lo que no queda ninguna duda es de que estamos ante un auténtico desastre mal dibujado por el propio Dunn y por Fred Perry (algo mejor parado sale éste último), con unos guiones totalmente estúpidos que ni parecen saber qué hacer con la escacharrante premisa ante la que nos encontramos. Dunn aquí ni es buen escritor (que tampoco se le pedía), ni consigue ser divertido. Una de las historias tiene la idea de pretender ser una reimpresión de un ficticio tebeo de los años setenta, con coloreado a puntitos y todo. Pero no evoca en absoluto los clichés, aspectos visuales o formas de narrar de aquella época, quedándose en un ejercicio estilístico mal ejecutado. Los limitados pero honestos esfuerzos de Larry Hama y Don Perlin en la colección que Marvel dedicó a GI Joe en los ochenta pretenden ser la referencia, pero quedan a años luz de este inclasificable resultado final.

Incluso hay una serie de fichas de personajes como las que acompañaban a los muñecos de aquel A real American Hero, pero es sólo otra muestra de una idea con gracia torpemente ejecutada. Quizá sea más salvable la ilustración de Fred Perry que cierra el número, en la que aparecen directamente versiones reconocibles del reparto de GI Joe (un Scarlett masculino, una mujer tras la máscara de Ojos de Serpiente, etc…) pero tampoco vamos allá de cualquier imagen que podamos encontrar en DeviantArt todos los días.

A pesar de lo tentador por picaresco de la propuesta, háganse un favor, caballeros: ahórrense su dinero. Lamentarán no hacerlo, de verdad.

Valoración: Por Sergio Aguirre.

Sonic Boom, de Ian Flynn y Evan Stanley. Archie Comics.

Sonic the Hedgehog vuelve a la carga con Sonic Boom, una nueva franquicia ideada por su propietaria, la editora de videojuegos Sega, que comprende videojuegos, serie de animación y cómics. Como es tradición, los nuevos videojuegos de Sonic han sido machacados, destrozados y vapuleados por crítica y público. La serie de animación se ha librado por los pelos de tan cruel destino. ¿Y la serie de cómics? Como siempre, Archie Comics demuestra que es lo mejor que le ha pasado al otrora icono de una generación. Escribe Ian Flynn, veterano guionista al que Sonic debe mucho, y dibuja Evan Stanley.

Vaya por delante que éste no es el Sonic que todos conocemos. Sonic Boom es básicamente un reboot de la franquicia pensado para los más pequeños de la casa. Y aquí está el problema del cómic: Flynn tiene que seguir a rajatabla las indicaciones de Sega. Esto no es necesariamente malo, pero que la editora se decantase por múltiples estereotipos nunca va bien. Así pues, los personajes de Sonic Boom se pueden clasificar como el líder, el musculitos sin cerebro, el genio de la ciencia, el bonachón… Afortunadamente Flynn es consciente de la situación y opta por una serie repleta de humor donde los protagonistas son conscientes de su condición. No hay página alguna en la cual Sonic y sus amigos no se dirijan directamente al lector. O bromeen sobre la estupidez de Knuckles (el fortachón rojo de la portada, por si no sabéis quién es), el gran perjudicado en Sonic Boom. El resto del cómic es una agradable sucesión de peleas y pequeños chistes que harán sonreír a más de un lector.

El dibujo de Evan Stanley es muy bueno, y logra el dinamismo requerido por el guion de Flynn. La expresividad de los personajes está muy conseguida y los diseños sin sentido impuestos por Sega lucen mucho mejor en las páginas de este cómics que en la serie de animación. El entintado y el coloreado tampoco se quedan atrás. Resumiendo, Sonic Boom es un entretenido y muy recomendable cómic para todas las edades.

Valoración: Por Jose Maria Vicente.

Dark Gods, de Justin Jordan y Germán Erramouspe. Avatar Press.

A Justin Jordan lo conocimos principalmente por su gusto por el gore y sus cualidades para contar historias que lo incluyan pero que sean más que solamente eso. Avatar Press es un hogar ideal para contar ese tipo de historias, por lo que pueden ser tal para cual.

Dark Gods es efectivamente un cómic que usa mucho la violencia gráfica y explícita pero en una trama y con unas ideas que la exceden, formulando una explicación de la creación del universo y del desarrollo de la humanidad atada a la existencia de, como dice el título, dioses oscuros que le dieron poder y conocimiento a los hombres.

Esto daría lugar a dos grandes bandos que se han opuesto históricamente, situándonos en el presente con un trabajador de oficina en una empresa que pasará del mundano espionaje corporativo a ser perseguido por criaturas terroríficas.

Con una combinación de conceptos religiosos, místicos y algo de influencia de la mitología de Lovecraft crea este cómic que también viene a llenar un poco del gran vacío que dejó Hellblazer y que está siendo ocupado de manera atomizada por muchas nuevas series (menores, claro está).

El guión no es nada extraordinario e igualmente sucede con el dibujo que debe lidiar con unos cuantos escenarios diferentes así como con ámbitos realistas contemporáneos e históricos y fantásticos del género de terror, y no puede cumplir con todo en el mismo nivel. Seguramente lo eligieron por su experiencia en el gore, y en eso sí el dibujante hace un trabajo más que correcto.

Con su idea de interesante mezcla conceptual y su ejecución aceptable, Dark Gods puede ser un cómic destacado para la editorial.

Valoración: Por Mariano Abrach.

Deep State, de Justin Jordan y Ariela Kristantina. BOOM! Studios.

Con apenas un número publicado, quizás estemos ante una nueva serie de televisión basada en un cómic (y en uno de las independientes). No es que me esté aventurando ni haciendo futurología, sino que Deep State fue una de las series elegidas por Fox en base al acuerdo de prioridad que esta tiene con BOOM! para desarrollar adaptaciones. Y sin lugar a dudas, este cómic creado por Justin Jordan tiene madera para ser un producto audiovisual interesante para un público más amplio.

El interés potencial está en que trata el tema de las teorías conspirativas planteándolo de una forma que bien podría ser nuestra realidad, un lugar donde existen esas teorías tan sólo como teorías pero que ocultan secretos más grandes que los postulados por aquellas. El atractivo se amplía con la introducción de una agencia especial que se ocupa de esta cuestión, con el recurso típico y efectivo de una dupla de agentes, con uno experimentado y otro novato, y con más características y personalidades que se oponen y complementan (incluido que son hombre y mujer).

Esta idea está puesta en práctica de una manera que sin ser tan original intenta ser cautivadora para un público amplio, construyendo la primera historia de la serie en torno a la llegada del hombre a la Luna de forma tal que va más allá de si llegó o no, indicando que sí lo hizo pero con varios grandes secretos.

Con toques de ciencia ficción y ficción especulativa, algo de suspenso y thriller, y un par de protagonistas que dinamizan la narrativa, Deep State bien puede ser una serie televisiva exitosa… pero no es eso lo que nos importa aquí. Cabe decir, entonces, que esta creación de Jordan también puede ser un muy buen cómic para lo cual necesita a su dibujante Ariela Kristantina quien aporta mucho desde su trabajo a la narración, así como con su trazo y tintas al tono de la historia, y sin lugar a dudas será aún más importante en su desarrollo.

Deep State, por lo tanto, no solamente es una potencial serie televisiva interesante sino que también es un cómic a tener en cuenta desde ya.

Valoración: Por Mariano Abrach.

Fairy Quest: Outcasts, de Paul Jenkins y Humberto Ramos. BOOM! Studios.

Jenkins y Ramos vuelven a Fairy Quest con este Outcasts, una miniserie de dos entregas en la que se nos relata el periplo de una extraña pareja, Caperucita Roja y el Lobo, cruzando la tierra de Fablewood. Las tiránicas fuerzas de Mister Grimm avanzan tras ellos obligando a los habitantes de este fantástico mundo a que se ciñan a sus papeles sin la más mínima desviación. Nos encontraremos además a personajes como la Bella Durmiente, Rapunzel, el típico troll que cuida un puente… todos ellos, claro, con un giro.

El guión de Jenkins está bastante bien a pesar de lo denostado que este autor pueda estar para algunos. Pero cae en el mismo error que en Fiction Squad, el spin-off de Fairy Quest que lanzó hace poco: Jenkins ha declarado su interés en hacer en este proyecto cómics dirigidos a los niños -algo loable e incluso urgentemente necesario para la industria- pero da la impresión de que olvida este principio que él mismo se marca. El ambiente aquí, resulta demasiado oscuro y terrorífico para la tierna infancia a pesar del estilo cartoon de Humberto Ramos, y parece que la narración se aleje del target al que en principio está destinada.

Por su parte, Ramos está aquí realmente fantástico. En Fairy Quest, ha encontrado un proyecto que encaja al milímetro con su estilo, y sabe dar lo mejor de sí mismo. Aquellos que somos detractores de su trabajo en Marvel y que pensábamos que aquella promesa que tal vez llegaría a dibujar muy bien durante los años noventa jamás se cristalizó, debemos abrir la boca incrédulos y reexaminar nuestra opinión sobre el mexicano. Es verdad que las tintas y el color de Victor Olazaba y Leonardo Olea hacen maravillas, pero se vislumbra perfectamente que los lápices son soberbios.

A ver si se pone las pilas y nos da lo mismo en el Spiderman de Slott, porque visto lo que es capaz de hacer cuando quiere, hay un agravio comparativo con lo que allí a veces perpetra.

Valoración: Por Sergio Aguirre.

Resurrectionists, de Fred Van Lente y Maurizio Rosenszweig. Dark Horse Comics.

El concepto de resurreccionistas refiere a los ladrones de tumbas, sea de cuerpos o de los objetos que se entierran con ellos. Fred Van Lente toma ese término y le añade un sentido más, presentando como premisa de este cómic la idea de que una persona puede reencarnar y vivir su vida una y otra vez, aún en tiempos diferentes, sin que esa persona lo sepa… al menos en un principio.

De hecho, allí nos sitúa la narración con un ladrón de piezas de museo que tiene un sueño muy vívido y cree firmemente que es algo que sucedió realmente, dando el claro indicio de que está soñando con su vida pasada, generándole un conflicto con su compañero de robos. Claro que no será este problema lo más interesante de la serie, sino el ver cómo se desarrolla la narración paralela del presente y el pasado remoto (en el antiguo Egipto) de ambas vidas, con características casi idénticas.

Con un concepto interesante de elaborar y una manera cautivadora de presentarlo en los modos narrativos, Van Lente ya tiene más de la mitad del trabajo hecho; “solamente” le restará sostenerlo en el tiempo para hacer de Resurrectionists una buena serie regular.

Para ello contará con un compañero que sin dudas colabora mucho en lo que refiere a la acción como es Maurizio Rosenszweig, a quien conocemos de Clown Fatale. A diferencia de esa miniserie, aquí tiene muchas más responsabilidades que retratar mujeres voluptuosas y sensuales, y demuestra que en efecto es capaz de hacerlo entregando un trabajo de mayor nivel que el citado, moviéndose entre épocas perfectamente y brindando el apoyo visual que necesitan las ideas del guión en lo que respecta a los personajes distintos pero parecidos.

El tiempo dirá si puede mantenerse por un período prolongado como colección mensual, pero seguramente que tiene con qué hacerlo, tanto en guión como en dibujos.

Valoración: Por Mariano Abrach.

Django/Zorro, de Quentin Tarantino, Matt Wagner y Esteve Polls. Dynamite Entertainment/Vertigo.

Para un medio como el cómic, considerado tradicionalmente como el hermano pequeño del cine en el mejor de los casos, que una luminaria del celuloide como Quentin Tarantino se le aproxime de algún modo, por minimo que sea, siempre es motivo de un regocijo algo provinciano. Reconozcámoslo, en pocas ocasiones aproximaciones así dejan obras memorables (las hay, por supuesto: Jodorowsky, Kevin Smith, Straczynski y varios más lo demuestran) y es más bien la esperanza de que ante la opinión pública el medio se dignifique -la publicidad extra tampoco viene mal- lo que genera expectativas. En el caso concreto de Tarantino, resulta más curioso, ya que parece no importarle el reconociento académico (que esta indiferencia sea o no sólo una pose es una cuestión que aquí no abordaremos) y ha reconocido su afición al noveno arte en multiples ocasiones, cosa que se ha visto reflejada en varias de sus películas.

Pero el caso es que Tarantino ha escrito un cómic, que eso genera titulares y que ahora es el momento de ver si tanto bombo estaba realmente justificados. Y la verdad es que es dificil decidirlo. No por la calidad de la obra, que no es baja, sino porque el director de Reservoir Dogs coescribe con un grande del cómic como es Matt Wagner. Y claro, es dificil saber cuanta es la aportación de cada uno, aunque tal vez el tono parece señalarnos más al autor de Grendel y Sandman Mistery Theatre que al de Jackie Brown y Pulp Fiction.

Por supuesto no hay que olvidar que en esta obra también ha aportado su granito de arena como editor ejecutivo Reginald Hudlin, guionista de una etapa de los cómics de Pantera Negra (la dibujada por John Romita Jr.) y de la pelicula Django Desencadenado. Es precisamente este personaje redefinido en el cine por Tarantino y Hudlin (recordemos que estos no lo crearon: Django es un heroe mítico del spaghetti western desde los años sesenta, al que estos dos añadieron la negritud de Jamie Foxx) el que desembarca en las viñetas, compartiendo protagonismo con El Zorro, del cual Matt Wagner ha escrito varias aventuras. Así pues, tenemos a autores reuniéndose con personajes conocidos para ellos, cosa que redunda en beneficio de la obra, la verdad.

Así, un anciano Don Diego de La Vega va cruzando Arizona en su diligencia privada cuando recoge a un hombre de color cuyo caballo ha muerto. Las conversaciones que mantendrán durante el largo viaje cimentarán la amistad y el respeto mutuo de los singulares viajeros. Y algún encuentro que sufrirán no hará mas que consolidar la amistad entre el cazador de recompensas llamado Django y el rico hacendado que en su juventud escondiese su identidad tras una máscara y marcase a sus enemigos con una Z.

Con un dibujo meramente correcto, estamos ante un tebeo bien escrito en el que tal vez lo unico que se podría achacar es casi todo el número se dedica a establecer la relación que tendrán los protagonistas. No es una gran acusación y de hecho parece algo de lo que muchos de estos cruces de personajes podrían tomar nota. Si queríamos todavía mas acción, debemos recordar que estamos ante el primer número y que conociendo a los autores involucrados… bueno, seguramente la habrá en abundancia en los siguientes episodios.

La entrega se cierra con un agradable añadido, una selección de temas musicales sugeridos como banda sonora de la lectura. Es algo cuya inclusión en otros casos podría ser discutible por algunos, ya que acentúa las carencias del cómic frente al cine (en el cual ya viene incorporada la música) en lugar de incidir en los recursos que el noveno arte tiene ante el celuloide, pero dada la naturaleza del proyecto y el medio nativo de los protagonistas, la verdad es que no podría haber un caso mas adecuado.

Valoración: Por Sergio Aguirre.

The Phantom, de Peter David y Sal Velluto. Hermes Press.

El Hombre Enmascarado vuelve al cómic norteamericano. Y lo hace de mano de nada menos que Peter David, el cual afirma que llevaba años con la idea de esta historia en la cabeza. La encarnación mas clásica del fantasma que camina, Kit Walker debe seguir el rastro de unos criminales que van buscando la mítica ciudad de Ophir. Este nombre y el encuentro con otro personaje descrito como inmortal evoca la obra de Edgar Rice Borroughs, lo cual no deja de ser una curiosa mezcla que abre interesantes posibilidades.

Pero aunque parezca increible la estrella aquí no es Peter David, ni sus siempre ingeniosos diálogos, sino el italiano Sal Velluto. Viejo conocido de los seguidores de Marvel desde finales de los años ochenta, probablemente todo el mundo convenga en que su trabajo visto hasta ahora le definía como un imitador mediocre de Neal Adams. No era malo, pero tampoco nadie a reivindicar ni recordar. Pero el tiempo que ha pasado dibujando los cómics de precisamente The Phantom para Egmont (la editorial que tiene los derechos y publica los cómics del personaje en la peninsula de Escandinavia) le ha sentado magníficamente. Su estilo, algo alejado del que desplegase en Marc Spector: Moon Knight y la Pantera Negra de Christopher Priest recuerda ahora mas bien al de Mike Grell, aunque menos tosco y mas dinámico que el creador de Warlord. Sus lápices se benefician del color de Eugenio Mattozzi dando un resultado que es a la vez clásico y fresco, muy atractivo.

Resulta curioso ver que Hermes Press, hasta ahora conocida tan solo por el reboot de Buck Rogers realizado por Howard Chaykin, haya podido hacerse tanto con los derechos del personaje (Dynamite ha publicado recientemente y va publicar en breve también cómics protagonizados por el Hombre Enmascarado), como con los servicios de David y Velluto. Pero si estos movimientos son indicativos de su futura política editorial, habrá que estar atentos a un nombre que puede convertirse en uno de los grandes dentro del panorama independiente.

Y así, señores, es como El Fantasma Que Camina lució mejor de lo que lo llevaba haciendo en décadas enteras.

Valoración: Por Sergio Aguirre.

Drifter, de Ivan Brandon y Nic Klein. Image Comics.

La ciencia ficción es un género muy abordado últimamente, debido a que son muchas las posibilidades que brinda para tratarlo. En efecto, aquí Ivan Brandon y Nic Klein tratan otra manera intentando ser algo originales y diferentes. Su premisa es plantear una historia futurista en una colonia extraterrestre, antes de que sea completamente colonizada con los peligros y complicaciones que ello implica.

La originalidad se cae rápidamente cuando notamos que esa es precisamente las ideas de los westerns, con la civilización estadounidense que no termina de conquistar el territorio y es amenazada constantemente desde fuera así como no consigue imponer del todo el peso de sus leyes. Drifter tiene bastante de western en su ambientación de ciencia ficción, incluyendo criaturas extraterrestres, una aldea pequeña, herramientas futurísticas, peleas en un bar, un atardecer lejano…

El hecho de que no sea muy original no le quita tanto interés, que claramente lo tiene y en especial para quienes gustan de ambos géneros… y tal vez de Mad Max. El atractivo de la serie no se basará únicamente en eso, ya que el guión también planta un misterio que parece sumar cualidades de suspenso, poniendo en duda en el final del número inicial algo que parece darse por explicado claramente en sus primeras escenas. La intriga, quizás, invitará a seguir leyendo.

Pero quien más invitará al #2 es Nic Klein, con su notable trabajo de dibujo desde el lápiz al color, creando un mundo visualmente espectacular, con personajes humanos y extraterrestres cobrando vida en él, desde el diseño hasta las acciones.

Es decir que si no se quedan por las ideas de Ivan Brandon con ambiciones que exceden su planteo concretado en el cómic, seguramente si querrán quedarse por el dibujo de Klein que nos mete de lleno en este mundo nuevo con resabios a otros que ya conocemos.

Valoración: Por Mariano Abrach.

The Humans, de Keenan Marshall Keller y Tom Neely. Image Comics.

Imaginen un mundo poblado por simios. En un mundo así, habría monos motoqueros, ¿o no? Al menos eso es lo que nos plantean Keenan Marshall Keller y Tom Neely en The Humans, introduciéndonos a una pandilla de motociclistas simios, cuyo nombre es precisamente el de la serie. Y sumen a esa mezcla una ambientación entre las décadas de 1960 y 1970, con drogas, lisergia, rocanrol y libertad sexual… no puede salir nada que no sea divertido, entretenido.

Y en efecto lo es, aún comenzando la historia en un punto emocionalmente bajo con el funeral de uno de los motoqueros de los Humans, pero que derivará justamente en todo lo enunciado antes: drogas, rocanrol, sexo. Todo, claro, en homenaje al caído.

No sería una digna historia de pandillas de motociclistas sin una pelea de dos bandas rivales, y en esto The Humans también está a tono con las circunstancias: el funeral será interrumpido por los Skabbs, quienes llegarán buscando un combate y lo tendrán.

Mientras el guión divierte jugando con todas estas ideas, quien sostiene la vista del lector atenta es el enorme trabajo del dibujo luciéndose en todos los aspectos pero especialmente en la narración de la escena de acción entre pandillas. El color de Kristina Collantes es también muy importante para elevar el nivel del cómic por encima del simple divertimento curioso y alocado, hacia una lectura visualmente muy interesante.

En resumen, una idea graciosa que está muy bien lograda en el plano artístico, que puede convertirse en una lectura mensual gratificante.

Valoración: Por Mariano Abrach.

Tooth And Claw, de Kurt Busiek y Ben Dewey. Image Comics.

Los amantes de los cómics en general, y de los superhéroes en particular, deberíamos estar rendidos ante Kurt Busiek. Nos ha dado tantas buenas historias sobre una variedad tan grande de personajes y editoriales que se le pueden perdonar los fracasos y abrazar con grandeza los éxitos. Lejos queda ya ese examen a la edad de Oro de los cómics llamado Marvels, o sus enormes historias para Vengadores tanto en la serie principal como en Avengers Forever. ¿Y qué decimos de Astro City o Superman: Secret Identity? En fin, que elaborar un currículum de sobra conocido por todos nos llevaría muchos mas caracteres que los que dispongo para la presente reseña. Y es ahora, cuando el escritor se encuentra en terrenos independientes haciendo obras que siempre ha querido hacer (parece que Astro City tiene cuerda para rato), cuando se nos presenta en Image con una nueva serie llamada Tooth & Claw junto con el dibujante Benjamin Dewey y un acompañante de lujo en los colores, Jordie Bellaire. Animales parlantes, ciudades voladoras, terribles criaturas, imaginación a raudales y, sobre todo, mucha, mucha magia.

Estamos ante un cómic que lo tiene todo. En 48 páginas seremos testigos de un despliegue de historia y dibujo que nos dejará sin palabras. Una vez lo hayamos terminado, conoceremos este nuevo mundo como si hubiésemos leído ya una novela sobre el mismo, y nos identificaremos con su protagonista, el típico joven “anexo” en cierto modo al mundo en el que vive y que nos servirá de guía para las aventuras que se nos vienen. La historia fluye entre magia y leyendas, ciudades lejanas e imaginario colectivo, animales de todo tipo que representan las diferentes ciudades voladoras que crían magia para mantenerse flotando sobre un mundo de casi esclavos. La historia está labrada a fuego lento y bien cocinada para que la digiramos con gusto y el cliffhanger con el que termina el cómic hace que tengamos ganas de devorar ya el segundo número. Un cliffhanger, por cierto, nada forzado que supone el culmen de la historia que Busiek nos narra desde la primera viñeta, algo realmente complicado de ver en los cómics de hoy en día. En Image hay lugar para todo. Para mundos mágicos, por supuesto también.

Y si sólo podemos hablar maravillas del guión –clásico pero a la vez sorprendente–, el dibujo es apoteósico. El despliegue visual que Benjamin Dewey realiza con sus lápices y Jordie Bellaire con sus colores –un tono acuarela que enamora– es de tal calibre que hace que la historia parezca más épica incluso de lo que es. El mundo se siente mágico, los personajes se sienten auténticamente vivos y a pesar de ser animales –diría que puede sentirse una ligera influencia de Blacksad– parecen más humanos que nunca, demostrando tristeza, enfado, miedo y resignación ante los múltiples acontecimientos que los rodean. Image lo ha vuelto a hacer. Se ha rodeado de autores maravillosos para traernos una historia fantástica –tanto en el fondo como en la forma– que nada tiene que envidiar de éxitos recientes como Saga. Si todo sigue por esta senda, los premios llegarán. El éxito, sin duda, también. Los americanos tienen que estar relamiéndose del gusto: uno de los cómics del año –sino el mejor– en 48 páginas sin anuncios por 3 míseros dólares. ¿Qué más se puede pedir? Si acaso, que me dejaran poner una estrellita más en Zona Negativa.

Valoración: Por Tomás Martínez.

Archer & Armstrong One Percent, de Ray Fawkes y Joe Eisma. Valiant Entertainment.

Creados por Fred Van Lente para Archer & Armstrong, el 1% es una de las varias organizaciones que forman parte de la conspiración colectivamente conocida como La Secta, los principales antagonistas de los protagonistas de la serie. Ejecutivos millonarios despiadados que van con traje y corbata, y que ocultan sus facciones con máscaras de oro esculpidas como cabezas de animales, los miembros del 1% adoran al demonio Mammon (relacionado con la codicia) y controlan el destino del mundo en pugna con el resto de facciones de La Secta. Su nombre, claro, hace referencia por contraposición al slogan «Somos el 99%» de movimientos como Occupy Wall Street. Bien, estos villanos son el 1% restante, aquellos quienes amasan la riqueza del mundo condenando a la mayoría de la población a un mayor o menor grado de pobreza.

La historia ante la que estamos es la de un decadente, joven, descarado, excesivo y despiadado miembro de esa congregación, y su lucha por medrar, ascender y obtener la supremacía por cualquier medio necesario. La labor de Ray Fawkes articulando este relato y poniendo diálogos sigue bastante la estela de Van Lente en Archer & Armstrong, lo cual siempre es de agradecer. Sin embargo, respecto al dibujo hay pocas formas de definirlo que no rocen la descalificación, así que simplemente diremos que no está al nivel necesario. Sólo el competente color de Ulises Arriola da al resultado final un aire de profesionalidad.

Una pena, porque lastra este one-shot que de otro modo sería mucho más disfrutable.

Valoración: Por Sergio Aguirre.

Eternal Warrior: Days of Steel, de Peter Milligan y Cary Nord. Valiant Entertainment.

Cada cual tiene sus propias filias y fobias, y a nadie le gustan todas las vacas sagradas de la afición que profese. Hay cinéfilos que detestan a Orson Wells, melómanos que no soportan a Mozart, y aficionados al teatro a los que Shakespeare repele. Sin querer establecer comparaciones ni mucho menos, este redactor ha de confesar, para que la reseña tenga la perspectiva adecuada, que entre otros célebres del noveno arte, Peter Milligan no le causa la más mínima pasión. Algunas de sus obras más aclamadas han sido reexaminadas una y otra vez intentando encontrar sin resultado algo que demuestre eso de que hay un Milligan bueno y otro malo.

Juzgar una nueva obra de alguien que de entrada siempre ha conseguido que la palabra «sobrevalorado» le venga a uno a la mente suele tener poca vuelta por mucho que se ponga interés en encontrar virtudes, así que resulta notable cuando algo consigue cambiar esa predisposición. A veces las bajas expectativas son la clave de un cambio así. Y algo de eso hay, ya que Milligan no realiza aquí un ejercicio de pretenciosidad, sino un tebeo de batalla muy bien contado, sin quedarse en peleas sin sentido pero evitando ponerse más farragoso y cínico de lo que sus tebeos suelen soportar sin hacer aguas.

La acción nos traslada a la Francia del siglo IX, durante las violentas invasiones Magiares venidas del este. Gilad, el luchador inmortal, está hastiado de que tanta violencia que al final no soluciona nada defina su vida. Ha dejado de seguirle el juego al geomante que cada generación le impone sangrientas tareas que teóricamente redundarán globalmente a favor de la Tierra, una mejora que el Guerrero Eterno nunca acaba de ver a pesar de los siglos que acumula sobre sus espaldas. Pero no podrá evitar verse inmerso en una de estas misiones al encontrarse de bruces con una situación en la que actuará por instinto, simplemente haciendo lo correcto.

Como decimos, Milligan está contenido, genial, interesado en contar una historia y no en hacer un condescendiente despliegue de cínica sabiduría que tantos autores realizan mejor que él. No, aqui nos presenta de forma honesta el cansacio de Gilad, las miserias de la humanidad, la brutalidad del período y la crueldad del destino, todo ello mientras la historia avanza de forma orgánica y agradable.

La guinda la pone el trabajo de Cary Nord, que ya nos mostrase en el Conan que hiciese con Kurt Busiek lo bien que se le dan estas ambientaciones medievales y atmósferas bárbaras. Hay momentos en los que su lápiz recuerda al de Mike Mignola, y es difícil ponerle algún pero a sus contundentes y bellos resultados.

Valiant ha vuelto a acertar con un tebeo no rompedor pero lleno de oficio, su especialidad según parece. Tal vez nunca veamos algo realmente innovador en el catálogo de esta editorial, pero mientras sigan manteniendo unos estándares de calidad tan elevados, resulta también complicado poner objeciones.

Valoración: Por Sergio Aguirre.

Punk Mambo #0, de Peter Milligan y Robert Gill. Valiant Entertainment.

La serie de Shadowman ha sido la oveja negra del relanzamiento de Valiant, esto es innegable. La editorial tomó la decisión de fichar a Peter Milligan, quien ha escrito la serie hasta su reciente cancelación. Mientras se decide cómo continuar la historia de Jack Boniface, alguien en Valiant pensó que no sería mala idea dedicarle un especial a Punk Mambo, creación de Milligan en su breve estancia en Shadowman. Este número unitario está escrito por el mismo Milligan y dibujado por Robert Gill. Ambos cargan con la responsabilidad que supone el primer cómic de Valiant dedicado por completo a un personaje nuevo.

Mambo es una joven bruja vudú británica y adscrita al punk que vive en los pantanos de Louisiana. Vive una apacible vida consumiendo objetos mágicos y asustando a quienes osan entrar en sus dominios sin estar preparados, cuando percibe que algo la espera en Londres. Lo que sigue a continuación es la historia de cómo adquirió sus poderes y formación en las artes del vudú. La propuesta de Milligan no es muy arriesgada, pero lo compensa con algunas ideas interesantes que aquí no se van a desgranar para evitar spoilers.

Sin embargo, el hecho de que la historia de Mambo no sea más que la de una chica punk, aderezada con un poco de magia juega en contra del cómic, ya que, seamos sinceros, es una historia mil veces vista. En su contra también juega la extensión del cómic y un desarrollo bastante irregular. Por momentos es precipitado y en otros, considerablemente lento. El ritmo que Milligan imprime a la historia necesitaba más páginas.

El dibujo de Gill, por otra parte, cumple con lo que se espera de él. Su narrativa es clara y fácil de seguir, aunque quizá debiera haber reforzado las partes más oscuras. En líneas generales, su trabajo es muy decente, igual que el guion de Milligan. Decente también es la mejor palabra para describir el cómic. Ni brillante ni malo, Punk Mambo es un cómic decente.

Valoración: Por Jose Maria Vicente.