MundoManga (ZN Recomienda): AKIRA, de Katsuhiro Otomo. Superhéroes a la japonesa

–

Edición original: Akira ENG (edición 1)
Fecha de edición: 1992-1997 aprox
Guión y dibujo: Katsuhiro Otomo
Color: Color
Formato: Libro cartoné, 170-180 págs.
Edición 0 y 1 (color): Descatalogadas
Edición 2 (B/N): Ediciones B
Edición 3 (color): Norma
(8,9)

–

Esta NO es una reseña al uso. La inusitada extensión y profundidad de la historia hace que no pueda afrontarla como lo hago con mangas más “normales”. Armado de mucha paciencia y con unas ganas locas de releer lo que ya leí hace muchos años pero de forma incompleta, inicio la lectura, sistemáticamente apuntando todo lo que veo, pienso, entiendo, lo que no entiendo, toda un amalgama de pensamientos que pasan por delante de mí quizá una vez para no volver más. Lo vuelco todo sobre papel y una vez finalizada la lectura, totalmente abrumado, me encuentro con varias hojas llenas de garabatos. Decido pasarlo a limpio en el ordenador, como ya hice con Gunnm, e intentar dar forma de reseña a todo este océano de notas. Limando asperezas, descartando ideas por ser difícilmente integrables al texto, contrastando datos, poniendo sobre la mesa (llamada Word) todas las piezas del puzzle para tener una visión completa del trabajo. Poco a poco, durante días y noches, voy volcando información adicional a lo que tenía escrito en papel, conformando parágrafos, fusionando informaciones de la misma índole en un mismo apartado, dando forma cuál plastilina a algo que pudiese parecer a una reseña de lo que había leído. Entretanto, otro reto: revisionar Akira, la película. Una obra de culto que había marcado a muchos jóvenes por allá 1992, entre ellos un servidor. No había entendido nada, pero me había encantado. El reto era comprobar como el mismo autor del manga dirigía una versión particular de su manga obra, ¡aún sin concluir! Y análogamente como ocurre con el manga, Akira The Movie en su visionado 2009 se revela una obra maestra de la animación, un espectáculo de luz y color, violencia y sangre. Pero también compruebo cómo de bien resume su propia obra el director, enlazando escenas que antes eran inexplicables y que ahora adquieren sentido por arte de magia y del buen hacer del mismo. Además la veo con una persona ajena al manga pero que vio la misma película hace muchos años y me aporta puntos de vista (esto dicho así queda muy cool, pero la verdad es que obligué a mi hermana a ver la película. No se podía negar, su vida corría peligro). El resultado es tan fantástico que decido incluir en la ya extensa reseña todo lo relacionado con el anime.

Viendo que la extensión era cada vez más importante, decidí separar los contenidos en 3 grandes apartados: Parte I (definición de Akira a varios niveles, ediciones del manga y el DVD e influencias de Otomo), Parte II (el grueso de anotaciones y pensamientos pasados a limpio) y Parte III (la más ortodoxa con el análisis del dibujo, un resumen de las obras del autor y la valoración final). Soy consciente de que esta reseña duplica o triplica la más larga que haya hecho jamás. No lo niego, es un tostón. Por eso me he esforzado en dividir en pequeñas secciones la información, tal como un programador divide un gran problema en acciones y funciones, atacando cada una individualmente. Podéis dejaros la vista y leerla entera, o a trozos, siguiendo las partes marcadas, o simplemente pasar de ella y del manga. Pero no lo hagáis, ya no por mí, sino por vosotros, porque os perderíais una de las obras más importantes que ha dado el País del Sol Naciente. Con el añadido de que lectores aficionados a los Supehéroes USA comprobarán como un autor japonés le da vuelta de tuerca a la lucha entre el bien y el mal, pero sin usar ni un solo músculo.

¡Que empiece la fiesta!

PARTE I: PERO… QUÉ DEMONIOS ES AKIRA???

Difícil pregunta para empezar. Debería dividir la respuesta en varios apartados:

¿Que es Akira, el manga?

Akira es un manga (en formato de eso llamado novela gráfica) dibujado en blanco y negro por Katsuhiro Otomo entre finales de 1982 y 1990. Trata, explicado de forma resumida, sobre lo ocurrido en 2030, 38 años después de que se declarara la III Guerra Mundial, en 1992, por una gran explosión ocurrida en Tokio por motivos desconocidos. Neo-Tokio, año 2030. Tetsuo, un chaval adicto a las drogas, tiene un accidente con un extraño niño con la faz arrugada. Tetsuo había tenido problemas durante la infancia, era enclenque y objetivo de todas las burlas. Interceptado por el gobierno, es sometido a muchas pruebas secretas, mientras que sus amigos de la pandilla, con su mejor amigo desde la infancia Kaneda como líder, intentan liberarlo de las manos del Gobierno. Este Gobierno confía al Coronel Shikishima el estudio de los poderes psíquicos que parece tener el chaval, pues el mismo Coronel está al mando de una operación en la que protege a 3 niños muy especiales, sometidos hace tiempo a las mismas pruebas a las que Tetsuo hace frente ahora. No fueron los únicos, ya que Kiyoko, Takashi y Masaru llevan grabados en la palma de la mano los números 25,26 y 27. Por otro lado, Kaneda conoce a Kay, una chica de la resistencia, y se ve involucrado es sus ataques terroristas y del intento de derrocar el Gobierno. Nezu, un integrante del mismo, es traidor al sistema y ayuda a los revolucionarios, con lo que obtienen información de primera mano sobre lo que ocurre con los niños sometidos a pruebas y el nuevo sujeto con el que están experimentando, llamado Numero 41 (Tetsuo). Pero el Nº 41 responde mucho más rápido a los tratamientos de lo esperado, y se descubre una conexión mental con Akira, un niño supuestamente enterrado a bajísimas temperaturas que participó de las mismas pruebas que los otros “números”. Pero algo salió mal y se le tuvo que enterrar físicamente y de la memoria de la gente. Una combinación de drogas sintéticas de alto poder adictivo y una comunicación cada vez más fuerte con Akira harán que Tetsuo vaya progresivamente adquiriendo más poder, hasta el punto de que su cuerpo no puede absorberlo, con lo que va a despertar a Akira, siendo un gran peligro para toda la ciudad. Despierto Akira y ocurrido el fatal cataclismo con resultado desastroso para las gentes y la propia ciudad, Tetsuo conseguirá por algún tiempo dominar el increíble poder que le confiere Akira y las drogas, creando un Imperio basado en la dictadura. Tetsuo se ve como el ser el más poderoso del planeta, y aprovecha la oportunidad de vengarse cruelmente de Kaneda por no dejarle ser el cabecilla de la banda. En este momento Kaneda ya se ha convertido en su enemigo, y son varias personas antes antagónicas las que quieren acabar con él y su abuso de autoridad. Pero cada vez el poder va a más, haciéndole sufrir hasta el punto de convertirse en un monstruo que todo lo arrasa. Kaneda, el Coronel, Kay y todos los otros deberán unir fuerzas para derrotarlo. Pero falta saber que hará Akira, ¿en qué lado se posicionará? ¿Será un salvador o un asesino? Él tiene la respuesta, la carta que condenará al mundo o le devolverá la paz que unos experimentos científicos no deberían haber roto nunca, ni hace 30 años en la III GM ni en la actualidad.

En lo que respecta al género de este manga, os puedo asegurar que en 1992 no nos comíamos el coco si era seinen o yaoi, ni conocíamos estas palabras. Eran unos pu*os dibujos japoneses (“chinos” para los ignorantes padres) y se tenían que ver sí o sí. Pero ahora, casi 20 años más tarde, me planteo a qué género asociar esta historia. Podría decir que es una mezcla de shonen y seinen. No es muy difícil llegar a esta conclusión: las múltiples escenas de acción desaforada, persecuciones, motos, explosiones, rascacielos desmoronándose, tienen un aire totalmente shonen, épico, de espectáculo para la vista. Los protagonistas son jóvenes, y esto encaja perfectamente en el típico shonen, aunque no responde a los tópicos del shonen de aventuras o de viaje largo hacia un lugar. Siendo la ciudad misma un personaje es difícil moverse de un mismo escenario. Pero por otro lado todas las implicaciones sociales, políticas, económicas, morales y filosóficas que se encuentran en el sustrato de la historia y que afloran de tanto en tanto para aclarar dudas en escenas ejemplares, dan a pensar que este producto no es para jóvenes. Añadir la violencia de la película, con intentos de violación, sangre por doquier, amputaciones y cabezas saltando por los aires. Cierto que parte de este espectáculo agradará al joven ávido de violencia, pero los discursos en boca de Lady Miyako o los “viajes astrales” de los protagonistas asimilando conceptos complejos queda lejos de lo que conocemos como Shonen. Por lo tanto se podría definir Akira como una mezcla de los 2, una inteligente unión de géneros, aparte de poder clasificarla como ciencia-ficción u otros géneros fuera del alcance de los cómics y dibujos japoneses. En todo caso, tanto la versión en papel como la animada son piedras de toque en sus respectivos campos, y un fijo en cualquier Top 10 de manganime que se pueda elaborar.

A continuación comento todas las ediciones que Akira ha visto en España:

La primera, ya muy descatalogada y solo visible en rastros y Salones del Cómic y no entera (se podría llamar edición 0), es una colección de 38 números a todo color, usando la edición de Marvel (posteriormente pasó a Dark Horse que la publicó en B/N). Se presenta coloreada por Steve Oliff para el público USA, posiblemente poco dado entonces a aceptar un cómic popular en B/N. Son tapas blandas con unas 50 páginas por tomo, por Ediciones B.

Posteriormente apareció una versión en tapa dura con el mismo contenido que la edición 0, la que yo compré y la que he usado para este análisis. Vuelve a editar Ediciones B pero con la coordinación (¿entrega de fotolitos?) de Glénat París. Se unieron estas dos editoriales para hacer frente al pago de los derechos. Lo malo es que hay algunas viñetas (un 15% del total más o menos) que están algo quemadas, y la línea del dibujo se resiente, pero continúa siendo una buena edición por los años que lleva encima (tenéis un ejemplo aquí mismo a la derecha, aunque en papel no se ve tan mal como en esta imagen, quizá sean las peores viñetas de todas, la mayoría están mucho mejor que éstas). Reúne los 38 números en 13 volúmenes y le añade un 14º tomo con el contenido casi íntegro de Akira Club, un libro de ilustraciones con montón de datos que Norma publicaría en un solo tomo en 2007. La versión de Ediciones B de este libro es incompleta, faltan separadores entre secciones, la reproducción del color tiende al naranja, y sobretodo, faltan bastantes textos de apoyo, la sección de Merchandising y ediciones extranjeras, incluidas la francesa y española, y una sección de Trabajos Desechados, que ya es la guinda del pastel, que en la versión de Norma están editadas incluso en un papel distinto (como cartón). En las casi 260 páginas de la versión de Norma hay una barbaridad de anécdotas, portadas, puyas entre el editor y Otomo y sus ayudantes, y muchas cosas más.

Cambiamos de milenio y en el año 2000 aparece la versión más fidedigna a priori de la obra (edición 2): con portadas calcadas a las originales y en 6 tomos parecidos a listines telefónicos. Portadas a color, sobrecubiertas, y lo más importante, el cómic en Blanco y Negro, como fue creado (con páginas seleccionadas a color como en la edición original japonesa, pero no es el mismo coloreado de Oliff, está creado por Otomo y ayudantes), con una tipografía distinta y mejor integrada en el dibujo. Pero no todo es bueno, ya que los errores en bocadillos que comento más adelante siguen ahí, continuando vigente la traducción desde el inglés, hecha ya para las ediciones 0 y 1, por Enrique Sánchez Abulí. Mientras que la calidad del traspase inglés español está asegurado por la calidad que da el nombre Abulí, no tenemos la seguridad de que la traducción Japonés – Inglés fuese óptima. La impresión que da abrir el tomo en B/N es de estar leyendo un manga totalmente distinto. El dibujo es más tosco, cortante, como inacabado. Posiblemente esta sensación le va como anillo al dedo al ambiente enrarecido que quiere dar el autor. Está claro que el color USA suaviza esta sensación para que el público americano acostumbrado al color Marvel/DC/Image no huyera despavorido. Pero si algo tiene de bueno el color de la edición USA (ediciones 0 y 1) es que confiere un ambiente distinto a cada una de las escenas del manga, y son muchas. Un tratamiento personalizado de cada escena da por resultado un tono apropiado para la temática, situación, emplazamiento, fuentes de luz, tensión en la escena, etc. Se da incluso el caso que en una escena con disparos con armas de fuego, el rojizo de las balas y la tensión da paso a un color más “calmado” al callar las pistolas, dentro de la misma escena.

Cinco años más tarde, Norma sacó una edición polémica (edición 3): portada en B/N e interior en color, en teoría el mismo color de Steve Oliff. Pero comparando rápidamente los tomos de las ediciones 1 y 3 vemos que algo ha cambiado: el color de esta última edición está como oscurecido, como “anticuado”, parece totalmente otro distinto. En esta web nuestro antiguo colaborador Julio Lleonart comenta el tema con otros lectores, aportando muchos datos, aduciendo que los originales japoneses ya partían de un escaneo, por lo que está justificado el cambio de tono en los colores. Personalmente la impresión que tuve en los minutos que dispuse para comparar las ediciones no es buena, al menos en el aspecto del color. Lo que es impepinable es que esta edición supera a las otras por varias razones: María Ferrer, veterana traductora, se ocupa de que nos enteremos lo mejor posible de la trama directamente desde el japonés. El papel es de una calidad algo menor al de Ediciones B (al menos en mi opinión) pero es de buena calidad. Tiene textos de introducción y la edición está muy cuidada.

¿Así pues, que edición comprar?

1. Si no posees ninguna versión, y no quieres o no puedes encontrar las versiones 0 y 1, selecciona la edición 3. Al no conocer el color de las ediciones 0 y 1, es posible que no veas pegas al colorido de la edición 3, o incluso conociéndolas (algún tomo de segunda mano etc.) te parezca mejor la edición de Norma. Además tienes la seguridad de que la traducción será fiel y precisa, por la experiencia de la traductora y porque proviene directamente del original. ¿Lo malo? Pierdes el B/N, pero siempre puedes comprarte la edición 2 al cabo de un tiempo, realmente vale la pena.
2. Si posees como yo la versión 0 o 1 de Ediciones B/Glenat, ve a por la edición 2 en B/N. Leerás algo totalmente distinto. ¿El contra? La traducción será la misma, eso es, menos fidedigna al ser traducción de traducción, pero sigue siendo entendible (si lo he entendido yo…). Otros detalles negativos los podéis encontrar en la sección correspondiente, básicamente errores en los bocadillos, el uso de comillas para uso del argot y alguna cosa más. Dicho así parece que la edición no valga la pena, pero el B/N es demasiado poderoso como para obviarlo por esos errores, que existen pero no son suficientes como para no experimentar la lectura de la historia tal y como apareció por primera vez.
3. Si ya posees la edición 3, ve sin dudarlo por la 2, por lo mismo comentado anteriormente: B/N y sus defectos propios de Ediciones B. No hace falta que busques las ediciones 0 y 1 porque no ofrecen nada mejor, a no ser que compartas mi opinión de que su color es mejor que la edición que posees, entonces, haz como con los Pokemon… tira a por la 2 por el B/N y más tarde a por la 1!!! Hazte con todas!

En el link que he dado antes podéis leer las razones de Julio para preferir la última de Norma, y las respuestas interesantes de otros blogueros.

Sea cuál sea la edición….. ¡¡no dejéis escapar este manga!!!

¿Quién es AKIRA? El GRAN misterio
Bien, responder esta pregunta significa meter un spoiler de cuidado. Por lo que diré lo que se sabe (o lo poco que se sabe) en los primeros tomos del manga: Akira es “alguien”, aparentemente un niño, que está enterrado / criogenizado / congelado en un sitio secreto ya que fue parte importante de un proyecto ultra secreto que usaba niños con poderes especiales para fines desconocidos, posiblemente militares, y que suponemos acabó mal. Este es el gran misterio que rodea la primera parte de la historia, abonándolo con impresionantes escenas de acción, un humor básico pero divertido, unos personajes magníficamente construidos y de fondo una ciudad cyberpunk del futuro, la ciudad de neón, impersonal, oscura y fría, Los Ángeles de Blade Runner, sin ningún sitio donde esconderte que no sean las alcantarillas. La sensación de misterio y de preguntas no respondidas a no ser que sea con cuentagotas es difícil de explicar con palabras, pero es un arranque magnífico donde la obra vuelta muy alto.

¿Qué es Akira la película? O como Otomo simplificó la historia….. si habías leído el manga antes, claro.

La primera en la frente: no veáis Akira si no habéis leído el manga primero, o al menos los 5-7 primeros tomos (primera edición Ed. B) o los dos primeros tomos (2ª edición Ed. B o la de Norma). Ya no estamos en 1992 donde un grupito de chiquillos aficionados a eso que era el cómic japonés se metieron en una sala de cine y salieron traumatizados. Ahora no hay excusa. Tenéis a vuestro alcance 2 ediciones, cada una con sus pros y contras. Haced los deberes y os sumergid en esta espectacular historia, un sin parar de acción, explosiones, colorido (en el caso de las versiones a color), velocidad, tramas a diversos niveles etc.

Y después os ponéis la película, y comprenderéis muchísimas más cosas que si lo hacéis al revés. La revisión hecha hace pocos días de la versión animada ha sido un deleite para la vista, incluso sin disponer de un equipo de alta definición en lo que concierne a visión y sonido. Un master cuidado en la mayoría del metraje, dos doblajes españoles (el de 1992 y el de 2002, este último contando con la traducción del propio manga desde el japonés de María Ferrer) y un segundo DVD con el famoso Making Of que se incorporó a una segunda edición del VHS de la película, aparte de galerías de imágenes, trailers y un curioso ejercicio de crear tu propio trailer de la animación. Pero dejo el análisis técnico del DVD para los expertos, solo comentar que, la famosa y querida primera versión del doblaje en castellano, suena en 2009 un poco parca. Sobretodo los diálogos, suenan crispados y aparecen de la nada, como añadidos tajantes a la banda sonora de fondo. Aunque eso solo ocurre en algunos momentos. La elección de las voces es correcta, sobretodo Kaneda, Tetsuo o el Coronel, con voces ya reconocibles como A. Trifol . El segundo doblaje, ya en 5.1, fechado de 2002, consigue las voces de gente conocida como C. Lladó o el archiconocido Marc Zanni. Pero existe un tercer doblaje de 2004 para una versión Pioneer Signature Series que rescata las voces del primer doblaje, con la calidad del sonido actual y redoblaje, y que además repiten personajes en la versión catalana del film (de la que desconocía su existencia y que no consigo encontrar en DVD).

Realmente incluir una valoración de la película en comparación con el manga dentro de otro post más extenso es una locura. Si se lee anteriormente el manga y se tiene en la cabeza, hay MILES de pequeñas referencias y cambios de los que te das cuenta, y un análisis escena por escena podría llenar todo un libro, por lo que es imposible incluirlo aquí. Pero desde luego hay cosas a comentar:

La sensación que deja ver la película teniendo el manga fresco en la memoria es que es una soberana obra maestra (pero insisto que se debe haber disfrutado del manga o estar muy atento a los diálogos). El autor se reserva la tarea de dirigir su propia versión del manga, y consigue agrupar varias escenas del manga separadas por el tiempo pero que ocurren en el mismo escenario en una misma escena animada. Es decir, si en el manga la habitación especial de los niños aparece varias veces de forma relevante (se da información importante), en la película aparecerá solo una vez, pero aglutinando toda esa información en esos minutos en pantalla. Así se puede ver también en las escenas de discusión política, donde en un par de escenas se resume todo lo que puede dar de sí la clase política ante el proyecto Akira.

El director consigue poner en orden todas las ideas principales del manga hasta ese momento y las ordena de forma natural, sin extravagancias, pero que sin duda te pide atención para entenderlo todo. Tal es el orden que cada una de las facciones en conflicto tiene su “momento”, desde la resistencia hasta los políticos, focalizando la atención en ellos, sus motivaciones y objetivos. Esto es imposible de disfrutar si antes no te has empapado de la versión en papel.

Pero como es lógico no puede meterlo TODO, primero porque la versión dibujada aún no había acabado, y segundo porque se habría necesitado el doble de duración como mínimo. Así pues, se podría considerar que la película es una descripción relativamente fiel de los primeros 4 tomos en la edición antigua de B o de los dos primeros de las nuevas ediciones de B y Norma. Seguidamente da un salto hasta la lucha final entre Kaneda y Tetsuo, con el resto de niños con poderes en el trasfondo y con un Akira que aparece fugazmente pero de forma decisiva, y con una sorpresa muy especial en la forma en la que se presenta. Pero este salto está hecho de forma muy natural y no se nota a faltar nada incluso si antes te has leído todos los volúmenes. Así pues, el autor se salta el importantísimo suceso que lleva a Akira a un estado de nerviosismo tal que deja NeoTokyo al borde del colapso y la autodestrucción, y todo lo que viene después: cambio de vida en los protagonistas y en la sociedad, escenario apocalíptico, resurgimiento de Tetsuo como un Dios en la Tierra pero que su difícil relación con las drogas que aplacan su destructivo poder acabarán condenándole. Con estas omisiones dejan también de aparecer muchísimos personajes, los más importantes de esta parte son los científicos a bordo del portaviones. Otro personaje capital en el manga es Lady Miyako, aquí reducida a líder espiritual de una secta de poca monta, y a la que se le desprovee de su conocimiento de la historia pasada y futura, por donde pasan las más importantes revelaciones del manga. Es sustituida en este quehacer por Kiyoko, una de las niñas sometidas a las pruebas psíquicas, e incluso por Kay, conectada telepáticamente por la misma Kiyoko.

Fijarse en los últimos minutos de la película puede ser un quebradero de cabeza si no conoces anteriormente el manga o una revelación si ya lo has leído. La destrucción final de la ciudad se revela salvadora, destrozar para volver a empezar y no cometer los mismos errores. Pero por si acaso todos los niños bajo el proyecto Akira deciden cortar por lo sano y ayudar así a la salvación de la ciudad, reuniéndose con sus viejos compañeros de fatigas.

Otro aspecto fundamental de la película es el uso de la banda sonora y los silencios. La música está compuesta por Shoji Yamashiro, un seudónimo / división de Geinoh Yamashirogumi, un grupo musical colectivo que agrupa gente muy dispar, desde obreros hasta estudiantes. Describir aquí la grandeza de esta banda sonora sería excesivo, solo dejar constancia de que la mezcla de sintetizadores, percusión, y música Noh crea un ambiente perfecto para la película, siendo recordada por muchos desde el primer visionado que tuvimos ocasión de disfrutar. Concretamente, piezas como la que abre la acción, Kaneda, o Tetsuo, una sinfonía en ella misma. Dejando de lado un par de temas difíciles de asimilar por un occidental, llegamos extasiados al Réquiem final, una excelente manera de finalizar el álbum. El montaje de sonido también aprovecha muy bien los momentos sin sonido ex profeso, creando momentos únicos.

En lo que respecta a las fechas, hay ciertas divergencias. El manga empieza el 6 de Diciembre de 1992 y continua 38 años mas tarde, en el 2030. Mientras tanto, la versión animada empieza el 16 de Julio de 1992 (o sea, unos meses antes de la explosión que originó la III G.M.) pero se traslada al 2019, el mismo año en el que se sitúa otro clásico de la ciencia-ficción y el cyberpunk: Blade Runner, donde Los Angeles 2019 deja prestado muchos elementos a esa NeoTokyo del mismo año. ¿Por qué se hizo así? Lo primero que tenemos que tener claro es que la película se estrenó varios años antes de que el manga finalizara, por lo que no puede seguir los mismos pasos. Pero incluso así, al ser el mismo Otomo el director, se las apañó para crear un final parecido al que algunos años después dibujaría. Al fin y al cabo se nota en varios momentos de la lectura que lo tenía todo planeado. Por cierto, personalmente prefiero el final del anime al del manga, se explica todo mejor, dando a entender que ciertos personajes inician un viaje, mientras que en el manga no hay diálogo después de la batalla final, aunque sí un apéndice muy emotivo. También podría ser una forma de indicar que lo que vas a ver a continuación es una visión distinta al original en papel, un “montaje” o una “perspectiva” que difiere en algunas cosas (sobretodo en el orden de los sucesos narradas y la ausencia de muchos personajes) a la versión en papel.

Análogamente a lo hecho con la versión manga…… ¿qué edición en DVD comprar?

Dejando de lado el mítico VHS de Mangavideo y las copias piratas en semi blanco y negro (os suena Macrovisión? ¡Que me tenía que sonar a mí por aquél entonces, hombre!), Akira siempre ha sido uno de los puntales de Selecta Visión. Actualmente lo más fácil es encontrar 2 ediciones, la Edición Especial de dos discos que poseo (caja de cartón con Amaray), y la “Edición Especial Coleccionista 2DVD” que lo único que añade es un sonido DTS al ya conocido 5.1 y 2.0 de los distintos doblajes que existen. La elección es clara, esta última es más completa sobretodo si tienes un buen equipo para disfrutarla. De lo contrario, la primera te ofrece también los 2 doblajes sin DTS pero con los mismos extras, y la calidad de video es excelente hasta en una TV panorámica de tubo de marca normal y corriente.

Hay noticias de una versión en blu-ray, aparentemente tendría que salir este 2009, pero vete a saber. Si mi experiencia visual ya ha sido buena en una TV de hace unos cuantos años, ya no digamos en Alta Definición… las explosiones saldrán de la pantalla, Tetsuo querrá dominarnos…..

Y lo mismo que con el manga…… una vez leído, ¡disfrutad de la versión animada!

¿Qué significo para mí y para mucha gente el estreno de la película? ¡¡¡O la confirmación en los 90 que el manga MOLA!!!

OK. Como que siempre hay alguien que hace algo mejor que tu, os recomiendo que os paséis por el Blog de Zona Fandom, donde Roberto Pastor narra la experiencia previa, post y in situ de su primer contacto con la versión animada de Akira, y luego regresáis (no os escapéis, pardiez!) y os explico mi versión.

Back in 1992 yo tenía 17 años. Me gustaría recalcar las sensaciones que se tuvieron antes y después de la película. Como dice Roberto, nadie se imaginaba qué nos venía encima. Todos alucinábamos con Dragon Ball o Campeones, y creíamos que eso sería algo parecido, que ya era mucho si lo comparábamos con los insulsos dibujos USA de la época. Lo irónico es que el bombardeo de escenas violentas de la película se “soportan” gracias al cine violento USA (Rambo, 1982). Curiosidades y esa doble moral entre el sexo y la violencia en los USA…..

Yo nunca tuve predilección por Tetsuo, al menos en ese primer visionado y posteriores de joven. Ahora entiendo lo que dice Pastor, que pasó de simpatizar con el pobre diablo a tenerle miedo. Lógico, se convierte en un loco ávido de poder y pierde casi toda su humanidad.

Lo que sí coincido plenamente es en la salida de la sala (Cines Maldà de Barcelona en mi caso, una sala que por siempre jamás he tenido relacionada con esa experiencia, y posterior reestreno el mismo 1992 en los cines Astor BCN). Totalmente anonadado, en estado de shock por lo que había visto hace poco, sin entender una miaja pero cautivado por las imágenes, colorido, música, violencia, en definitiva un espectáculo para la vista. Rápidamente empezaron a correr copias en VHS entre los aficionados, posiblemente de alguna copia de un video USA, en B/N por el uso de Macrovision u otro sistema de anticopia. Un tesoro de valor incalculable que aún conservo, como me encantaría conservar el tríptico publicitario de los cines Maldá, con doble sesión Akira y creo que por el otro lado se publicitaba algo también relacionado con Japón.

Fijaos si fue un visionado impactante que conseguí un póster (creo que en el mismo cine) y ese póster estuvo presidiendo mi habitación durante aproximadamente 10 años, entrados ya en el SXXI….. un chaval de 17 años con un póster de una “peli de dibujos chinos” en vez de un póster de Samantha Foxx o de Sabrina…… así hemos salido……

Pastor quiere enseñarle la película a sus hijos. Bien, yo antes les enseñaría otras series de anime, para que se acostumbren, como Card Captor Sakura o a cierta edad de la adolescencia Capitán Harlock, para que sueñen con la libertad. Aunque los críos de hoy en día son una esponja viviente que aprenden en un santiamén que el botón F5 sirve para “meter monedas” en el MAME……. y a jugar al Out Run….. como se nota que los padres frikis treinteañeros de hoy inculcan su pasión por los videojuegos, el manganime o el Rol a sus retoños…… ¡¡¡y ellos responden positivamente!!!

El descubrimiento de Akira fue algo muy especial, algo único, un vendaval de sensaciones que no solo nos aficionó definitivamente al manga y el anime sino al Cine en Mayúsculas. ¡¡¡¡Quiero volver a los 90!!!!

Influenciado e Influyente: La Sombra De Akira Es Alargada

Influenciado Por: Cuando eres joven, alucinas con la carrera de motos introductoria de la historia, sobretodo en la versión animada, que se usa como un tour de force para impresionar al espectador y demostrar la calidad de la animación (algo así como “hey, estamos aquí, vas a ver lo que es bueno”). Pero con los años vas algo más allá y la experiencia te hace ver también QUÉ influenció en Otomo. En este caso concreto podríamos relacionar la pasión por las motos y todo lo relacionado con el motor con una serie que causó furor en Japón: Meteoro/Speed Racer. Gracias a la edición (cortada en el primer tomo por cierto, cuando solo faltaba otro por publicar) de Dolmen, podemos ver como se da mucha importancia a las carreras de coches, con múltiples viñetas narrando lo acontecido, algunas de ellas realmente espectaculares. Uniendo cabos entre la fecha de nacimiento de Otomo (1954) y la emisión de la primera serie de Meteoro en TV(1967-68), se puede deducir que posiblemente un chico llamado K. Otomo debió ser fan de la susodicha serie a sus 13-14 años aproximadamente. Personalmente me he tirado a la piscina pensando sin saber específicamente la edad que puede tener el autor y cuando aparecieron las series animadas de Match GoGoGo, pero la intuición no me ha fallado. Claro que la influencia es clara sobretodo en los primeros tomos del manga y en la conocida carrera inicial de la película. Si vamos más allá encontramos que Wacky Races (Los Autos Locos) tuvieron una buena acogida en Japón de los 60, por lo que tampoco sería de extrañar que Mr Otomo viera la serie xD Pero su excesivo uso de las 2 dimensiones en las carreras impedía un buen espectáculo, por eso me inclino más por la afición del futuro autor por Meteoro. Todo esto son conjeturas, pero las fechas coinciden y os juro que he unido cabos sin tener el conocimiento exacto de los años de emisión y edad del autor.

Donde innova el autor es en la visión interior de la moto, con una muy creíble sensación de velocidad desde el punto de vista del motorista, creando sensación de profundidad, juego de luces al ser de noche (propia luz de la moto con luces de la ciudad y de las otras motos, junto con el alumbrado de la carretera). Meteoro no podía llegar a ese nivel por el grafismo que usaba de la época, pero al menos usaba inteligentemente la disposición de viñetas para crear sensación de velocidad y variabilidad del terreno (bajadas en trompa, curvas imposibles, etc.). Aún con una animación limitada, el anime de Meteoro debía ser mucho más dinámico que el de la serie de Hannah Barbera. Como curiosidad añadir que la famosa carrera / persecución de motos de Akira no es la única en el manga, Steven Spielberg declaró hace unos años que la secuencia de apertura de El Castillo de Cagliostro, del personaje Lupin III (Monkey Punch), y dirigida por Hayao Miyazaki, era la mejor escena de persecución jamás realizada en la pantalla grande, tanto de animación como de imagen real. Posiblemente la retina audiovisual de los espectadores conservará con igual fuerza tanto una como la otra, excelentes muestras de donde puede llegar la animación.

Lo que sí está claro gracias al libro de ilustraciones Akira CLUB, es que Otomo tomó prestado del manga Tetsujin 28 algunos nombres y diseños de personajes, llevándolos a su terreno gráfico. Las películas de Star Wars también influenciaron en él, al fin y al cabo, la llamada del lado oscuro de Darth Vader podría emparejarse con el ascenso de Tetsuo gracias a su poder, a la vez que va destrozando su interior.

Influyente En: Bueno, en todo el manga cyberpunk futurista catastrofista, desde Neon Genesis Evangelion (con la idea de las 3 grandes explosiones/3 impactos provocados por los ángeles, o la reconstrucción de la ciudad de Tokio, bajo tierra en el caso de Evangelion) hasta animes clásicos como El Viento de Amnesia, o El Puño de la Estrella del Norte (ambos por el lado futurista apocalíptico aunque también hay una buena ración de violencia machaca cabezas en Akira que se vería correspondida por la contemporánea y ultraviolenta El Puño…), Gunnm( “Alita”, ya en los 90, con otra famosa ciudad, la de los Desperdicios y Tiphares, el sueño de Gally, en un futuro arrasado, peligroso, también deudor de Fist of…), o Ghost in the Shell.

La arquitectura es muy importante en este manga, toneladas de cemento y hierro vestidos de luces de neón acaban siendo un amasijo de basura y cementerio de muchas vidas inocentes. Pues bien, dentro del mundo del manga hay otro autor que confiere mucha importancia a la arquitectura y su presencia en las viñetas: Tsutomu Nihei, autor de Blame, Biomega y Noise. Sus mangas contienen constantes como personajes muy alargados, de complexión extraña, con pocos diálogos, dentro de un universo de edificios, calles, o niveles que se entrecruzan, permitiendo puntos de vista muy especiales, y constantemente los edificios alejándose hacia el horizonte hacia un punto de fuga común como si de una pintura se tratase.

Constatando que el anime fue un éxito en los USA, aquí tenéis un video clip (2007) de Kanye West claramente influenciado por la historia de Tetsuo. El parecido es increíble en las escenas de las pruebas con la máquina, la ciudad de neón y rascacielos, el hospital, las frases en japonés katakana simulando bocadillos o onomatopeyas, etc.

PARTE II: IDEAS Y ANOTACIONES: Con el manga en una mano y un papel en la otra

Esta segunda parte de la reseña se puede considerar una selección de anotaciones y pensamientos escritos durante la lectura del manga. Curiosidades, aspectos a destacar, sensaciones en ciertos momentos de la lectura….. algunas de ellas ya han sido incorporadas en la primer parte de la reseña, aunque creo que vale la pena seguir porque comento cosas como una división “no escrita” del manga en varias partes, diversos niveles de lectura, o el tratamiento que da Otomo a alguien con superpoderes como los conocidos superhéroes USA.

Definición de personajes: En los primeros tomos, los personajes se presentan, ocupando cada uno su bando, aunque con el tiempo estas fronteras quedarán bastante difuminadas. Otomo consigue definir a la mayoría de personajes importantes de forma austera y magistral. Por ejemplo, vemos como en pocas viñetas retrata a un Kaneda, que aunque sea cabecilla de una panda de jovenzuelos marginados sociales, se percata de que ahí hay algo que no funciona y es inquisitivo, rebelde y totalmente impredecible.

Mentalmente divido la historia en tres partes: los primeros tomos albergan el inicio de todo, la presentación, como se involucra Kaneda con los de la resistencia, el orden establecido aún perdura, pese a la III G.M. Tokio sigue ahí. Pero un acontecimiento catastrófico enerva a Akira (ya presentado ante la sociedad lectora) y provoca un desastre de grandes magnitudes. Esta segunda parte de la historia pervierte completamente el status social establecido, destruye la civilización tal y como la conocemos y hasta el dinero pierde valor enfrente al antiguo trueque por cosas útiles como un reloj, una pulsera u otros artículos. Talmente como lo hacían los humanos prehistóricos, idea que conecta con la teoría del pequeño Big Bang formulada por los científicos con relación a la catástrofe producida por Akira al verse excitado. Este marco de desolación también altera la presencia de los protagonistas, algunos quedan en el ostracismo mientras otros recuperan protagonismo. De fondo, la ciudad se convierte en un amasijo de cemento, metal y piedra, completamente destrozada, con los antiguos status de poder (bancos, rascacielos) reducidos a la nada. Concretamente, y corroborando que el autor tenía previsto un guión cerrado con diversos guiños entre momentos dispares en el tiempo, el Banco 55 (Banco $$?) queda como el símbolo de la destrucción, el cuál desaparece sin más para reaparecer de nuevo (junto con algunos personajes) al cabo de muchos días, cerrando un círculo pensado previamente. No es el único detalle que nos revela que el guión, al menos sus pautas generales o biblia, estaba previsto y bien consolidado desde el principio. Que después haya pequeñas partes de “acción relleno” no quita que se compruebe que el guión estaba armado en la mente del autor desde el principio. La última parte, ocupando aproximadamente los 3 últimos tomos (edición 1), es un final in crescendo donde Tetsuo pierde los papeles y se convierte en un monstruo, ahora sí, físicamente. El final es encarado de forma magistral ya que todos los personajes ponen de su parte al máximo pero por otro lado se podría resumir en que Tetsuo se convierte varias veces en monstruo, cada vez que los poderes se apoderan de él, de su mente y de su cuerpo deforme y asqueroso. La narración adquiere un tono “esto se acaba, chicos!” y disfrutas cada página con devoción queriendo que haya una más, y otra, y otra. También se acaban de aclarar todas las dudas a través de un “viaje astral” de Kaneda entre Tetsuo y Akira, aunque la verdad es que es demasiado críptico para mí. Al menos me quedo con la base del problema de Tetsuo, que no desvelaré, aunque he dado pistas, y del papel que toma el niño Akira en todo este lío.

Me gustaría detenerme en dos momentos concretos de la lectura: la finalización del tomo 5 y del tomo 9 (de la edición en tomo de B/Glenat). Con esto quiero decir que detallaré las sensaciones que tuve al finalizar ambos tomos. Sobretodo en el primer caso, nos encontramos un tomo (equivalente si no me equivoco con el principio del tercer tomo de las ediciones sucesivas de Ed. B y Norma, ambas de 6 tomos cada una) totalmente distinto a los anteriores: mucha acción y nada de pistas. Esto crea una primera parte de la historia, formada por los 4 primeros volúmenes (2 primeros tomos de las otras ediciones), donde las expectativas eran muy altas y ahora no sabes muy bien por donde irán los tiros. De alguna forma es una especie de decepción porque tienes la sensación de que Akira va pasando de mano en mano sin parar, sin objetivo claro. En este tomo, el tiempo se ralentiza y casi todo ocurre en una noche infernal de persecuciones, tanques, casas destrozadas, golpes de estado, etc. Finaliza con el Sol anunciando un nuevo día con todos los protagonistas frente a frente de forma orquestada en la ribera de un río y con el Coronel con la sartén por el mango. Se podría considerar como una transición a la segunda parte de la historia, ahora que lo que debería ser el acto central o tardío de la cuestión (la aparición de Akira, lo que conlleva que las alianzas entre personas se rompan y sea un “todo contra todos”), ya lo hemos superado. Cierto es que te sorprendes mucho cuando a estas alturas se decide descubrir la fisonomía de Akira. Es como si en una película el bueno muere a la mitad. En este punto te preguntas qué hará el autor para rellenar 9 tomos más de historia, y si realmente valdrá la pena y no se alargue como un chicle. Bien, os aseguro que lo que pasa en el siguiente tomo provoca un buen “subidón” al lector. Algo parecido ocurre en el tomo 9, un pequeño bajón para encarar el impresionante final.

Políticos y científicos, nadie se salva: Akira podría catalogarse como manga de acción, pero también de ciencia-ficción. Pero incluso así hay otro nivel: el político. Aún cuando la ciudad se tiende en pie, el grupo de políticos que discuten sobre qué hacer con el proyecto Akira confiere un amalgama de opiniones dispares dentro de un mismo grupo. Incluso hasta hay un traidor al gobierno. También asistimos a ridículas reuniones parlamentarias donde se habla mucho y se actúa poco. Y ahí al fondo nos encontramos con el Coronel, que se los mira a todos despectivamente y piensa que en el fondo ninguno de ellos sabe qué hacer para dar con la solución y que la mesa de diálogo es una pérdida de tiempo.

Hemos hablado de los políticos y de los militares, ¿pero qué hay de los científicos? Al principio, nos encontramos con el personaje del doctor, conocido si se ha visto la película, que colabora con el Coronel. Quiere despertar a Akira para dar fin con éxito a 30 años de investigaciones, de forma egoísta porque el despertar del numero 28 es una incógnita, teniendo a Tetsuo al lado. Posteriormente este doctor es reemplazado por otro, que observando viejas fotografías del “proyecto de los niños especiales”, vemos que es el doctor al que Lady Miyako hace referencia en su charla con Tetsuo. Posteriormente, reunidos en un portaviones de la armada norteamericana, un grupo de los mejores científicos a nivel mundial se sienta a estudiar el fenómeno Akira y las 3 grandes explosiones que ha habido a lo largo de la historia relacionadas con este caso (de los diálogos de los cuáles nosotros podemos extraer teorías sobre el pasado de la historia, qué provocó la gran explosión de 1992 etc., componiendo un puzzle que empieza a estar completo). Se relacionan las últimas explosiones con un pequeño Big Bang en medio de la ciudad, cosa que la narración llevada hasta aquí te lleva a pensar en las teorías que se barajaban al principio, todas relacionadas con el nacimiento y primeros años de vida del pobre diablo Tetsuo.

Pero los científicos en general tampoco salen bien parados: a medida que avanza la historia, empieza a formarse en el ambiente la opinión de que el Hombre no debe jugar a ser Dios. Que por muy inteligentes que sean los científicos no son más que títeres comparados con el potencial que se podría tener con el cerebro más desarrollado. Que no se puede jugar con fuego ni con proyectos que superen la condición humana, ni con el pretexto de avanzar en el conocimiento ni mucho menos para descambiar estos logros por medallas y el aplauso de los colegas de profesión en interminables reuniones científicas, meta que muchos tienen de forma egoísta. Por lo tanto, vemos que, por debajo de las escenas de acción y destrucción marca de la casa, hay un mensaje crítico en la que pocos colectivos se salvan de la quema.

Las drogas, elemento potenciador del carácter pero inhibidor a la larga: El asunto de las drogas se trata repetidamente: pasamos de ver una banda de motoristas locos que toman pastillas para colocarse como si se come caramelos, a un pobre diablo que adquiere un síndrome de abstinencia por haber ingerido una sustancia prohibida de alto calibre. Cuando Tetsuo se populariza gracias a su poder y por tener a Akira “de su lado”, ingiere cantidades industriales de píldoras sin pensarlo. Pero es la propia Lady Miyako la que le advierte que, una vez las pastillas le han encumbrado al numero 1 del mundo, esas mismas pastillas le impiden progresar a otro nivel (como si se tratase de un videojuego). El proceso nervioso al que se somete Tetsuo por no probar de nuevo la droga, con un síndrome de abstinencia que mataría una persona normal es espectacular y de lo mejor del manga, y cuando lo supera puede mirar dentro de la mente de Akira sin volverse loco, podríamos decir que adquiere una mentalidad superior, tal y como le había predicho Miyako, apareciendo más tranquilo, sosegado y en paz con el mundo (bueno, es un decir). Hasta se atreve a visitar a los científicos en el portaviones para hablarles de forma madura, mimetizando las palabras que Miyako le transmitió y que en aquél momento él no entendió y rechazó con la ignorancia típica de un joven atolondrado y superado por la situación. No hace falta ser un genio para ver que uno de los objetivos de Otomo es criticar el consumo desaforado de drogas por parte de jóvenes, a los que los estupefacientes mata y neutraliza, los limita en sus movimientos y pensamientos a la vez que les hace creer que son el rey del mambo. El autor traduce en dibujo el descontrol al que las drogas llevan a uno transformando Tetsuo en un monstruo horrible, un “bebé” de grandes dimensiones formado por una mezcla o pupurri de carne, sangre, cables, metal, materia grasa que tiene el don de expandirse cuál tentáculo de anime hentai y engullir todo lo que encuentra a su paso. Cuando los poderes remiten o dejan de presionar, Tetsuo vuelve a su estado normal, aunque consciente de que eso ha llegado demasiado lejos, y busca la ayuda de Kaneda, su viejo amigo, pese a ser enemigos casi desde el inicio de la serie por ser Tetsuo el eterno segundón del grupo. Pero la última mirada humana que le vemos al pobre Tetsuo es la de incomprensión, buscando una ayuda para acabar con este infierno. Al no poder su cuerpo normal absorber tanto poder, se vuelve loco, intenta poseer barcos, cosas grandes, transformado en ese monstruo gigantesco que también se vio en la versión animada. Este “bebé” es la culminación de las explicaciones dadas con cuentagotas durante toda la serie, desde los “viajes astrales” hasta otros detalles que apuntan a la infancia de Tetsuo.

Misterio, pistas y explicaciones “en un momento dado”: Una de las cosas que más me gusta de Akira es que, dentro del gran misterio que rodea al personaje, el autor va dejando pequeñas pistas que, bien recogidas y asimiladas, pueden hacerte entrever el porqué de muchas cosas o explicaciones futuras más detalladas. Se notan ciertas escenas muy específicas donde el autor vierte parte de la explicación de toda la trama. Por ejemplo, ya en la “segunda” parte de la historia (después de la gran explosión a mitad de la narración), el encuentro de Tetsuo con Lady Miyako es revelador, y es posiblemente una piedra de toque para entender todo este galimatías. El nivel del diálogo sube cuando Lady Miyako habla, y se nota. Ya no hay “joer”s ni frases vulgares, está hablando un gran personaje y esto hace detener la lectura hasta que no hayas entendido todo lo que Otomo te explica por boca de esta líder espiritual que sabe mucho del pasado, presente y futuro. La versión animada del manga fue famosa al principio de su andadura en España por ser un lío considerable de conceptos, con escenas oníricas que te dejan descolocado. En el manga también existen, distintas, incluso no tan específicas como las del anime, pero una lectura atenta de cada uno de los bocadillos y explicaciones te proporciona una composición de lugar. En otro momento, los científicos a bordo del portaviones discuten sobre el fenómeno, y en dos páginas, nos enteramos del pasado de los niños especiales, de muchos que perecieron, de los misteriosos “números 30” hasta llegar al actual 41 Tetsuo. Son estos momentos “esenciales” que están unidos por las escenas de acción, destrucción, diálogos interesantes, o pequeñas dosis de humor. Son como pequeños oasis que buscas con ahínco para entender algo, a veces demasiado alejados uno del otro, sobretodo en lo que sería el tramo comprendido entre el 70% y el 90% de la narración, aproximadamente entre los tomos 6 y 9 de la edición que poseo. Es como un pequeño bajón donde ya no se explica nada de nuevo y las continuas peleas no tienen sustrato. Aunque igual como lo sucedido en el tomo 5, este bajón no es más que un preludio de un resurgimiento final que brilla con luz propia, con un Tetsuo desatado, enfurecido pero al a vez pidiendo ayuda a su viejo amigo, y con Akira posicionándose por fin.

Pero el misterio al que aludía antes también impide que simpaticemos con algún personaje en concreto. Realmente al no saber mucho de la historia en los primeros tomos, no te pones del lado de nadie. La verdad es que todo actúan bastante egoístamente, sobretodo los científicos (bastante mal parados quedan), que ven la posibilidad de despertar a Akira a través de Tetsuo como la culminación de 30 largos años de investigación. Sin pensar en las consecuencias…… Sinceramente siempre he estado de lado del Coronel, un personaje recto, típico militar, que da miedo con su físico, presencia y actos. Pero siempre ha sido muy consecuente y cuando las cosas se tuercen definitivamente, toma la responsabilidad de acabar con lo que él empezó. Además, a través de él encontramos las pocas gotas de humor que contiene el manga, normalmente en relación con la tropa base, que es más inútil que otra cosa. Gritos, escarmientos, ordenes tajantes, los pobres soldados rasos lo pasan muy mal con este hombre. Kaneda también aporta otro aspecto humorístico, que es el de solucionar situaciones complicadas a su manera. Entradas en escena a todo trapo con su moto, vomitar comida en mal estado encima de una pistola que le apunta, y diversas situaciones graciosas de un chico que se ve metido en un lío de narices pero que también tiene recursos para salirse de cualquier situación. Su relación amor odio con Kay también da sus momentos, incuso en estados avanzados de la historia.

La espectacularidad, punto fuerte de Otomo: El autor tiene un sentido de la espectacularidad que pocos otros autores han sabido reproducir. Quizá Satoshi Kon, en alguna de sus películas, consigue un ambiente similar. Serían los casos de Millenium Actress parcialmente, pero de forma mucho más acusada en la críptica Paprika, un complicado ejercicio de paranoia donde las escenas de manifestaciones recuerdan poderosamente los pasajes con multitudes en el anime de Akira. El mismo Otomo explotaría esta vena en Metrópolis, película de anime basada en un manga de Osamu Tezuka donde Otomo metería todas sus constantes mientras que otro conocido de la casa, Rintaro, llevaría esta mezcla de intimismo Tezuka con la grandilocuencia de Otomo a buen puerto. Otras películas donde Otomo ha introducido este sentido de lo espectacular son Roujin Z (una camilla automática para ancianos desvalidos se vuelve “loca” y monta un “pollo” por toda la ciudad, metro colgante incluido), Spriggan (la cuál yo siempre he considerado “vamos a dar carnaza a los occidentales sin mucha historia de por medio”) o Steamboy, en menor parte.

Ya desde los primeros compases del manga comprobamos la espectacularidad de las imágenes. Carreras, armas, helicópteros con su característico sonido BUDDABUDDA que se repetirá varias veces durante la lectura,… Más allá de que empiece con una explosión, auténtica declaración de principios, se podría considerar Akira el manga como un storyboard todo color y con profusión de detalles de la propia versión animada de la historia. Hacer una película cronológicamente igual que el manga (de la forma en que se explica, no la historia desde 1992 hasta 2030) habría sido la mar de sencillo, si no fuera porque habrían necesitado un espacio de al menos 4 o 5 horas (la película dura 120 minutos, y ni así lo puede meter todo). Ya lo tendrían “todo” hecho. En cambio, el propio autor es director de la versión animada decidió volcar en imágenes una visión parcial de lo que es la historia, mezclando tramas y desechando personajes a mansalva. Un poco como la algo desastrosa versión live-action de Dragon Head, que hacía y deshacía el manga original con acierto regular. Era una visión particular de los hechos del manga de Minetaro Mochizuki, por decirlo de alguna forma. Os emplazo al apartado correspondiente de la película para más detalle.

Una característica muy arraigada de Otomo es la de situar los acontecimientos en sitios muy amplios. Si un edificio o instalación aún no está en ruinas (que lo estará), tiene que ser ancho, muy grande, grandilocuente. El mismo hospital donde internan al principio a Tetsuo es un laberinto interminable de habitaciones, pisos y pasadizos. Puede haber miles de habitaciones ahí. Multitud de plazas, calles, el mismo estadio olímpico, todo da la sensación de tener kilómetros de profundidad. Como un personaje más, las estructuras arquitectónicas por donde sucede la acción engullen a los protagonistas, que no aparecen en primer plano (no siempre claro) sino a media distancia o a lo lejos, con la cámara situada para que disfrutes de la imponencia del lugar. Es un poco como la sensación que tienes cuando visitas China, o incluso los Estados Unidos, en el que todo tiene unas dimensiones imposibles de concebir en ciudades europeas. Este aspecto se suma a la espectacularidad de las escenas creando un patrón tan fuerte que veremos en otras de sus obras, como Metrópolis o Memories, siendo una obra suya reconocible inmediatamente por este factor de la espectacularidad de las escenas y sus escenarios.

Evolución de personajes: ¿Los personajes “avanzan” durante el manga? ¿Crecen? Kaneda desde luego, Tetsuo se podría decir que también, a su manera, y el Coronel hará alianzas que antes se creían imposibles. Kay pasará de ignorar a desvivirse por Kaneda aparte de descubrir dotes de médium y básicamente el resto permanecerá igual, aunque sobrepasados por los acontecimientos claro está. Sobretodo los niños con poderes, los militares y los científicos.

Superhéroes a la japonesa, poder mental más que físico: Una de las muchas lecturas que se podría hacer de Akira es la de revisitación del superhéroe del cómic americano. No vamos a descubrir o analizar en ZN como son los superhéroes USA (ni es necesario ni soy la persona indicada), pero personalmente creo que Otomo quiso darle un cambio a la situación, explotarlo desde un punto de vista distinto: el choque de mentes. El director considera a los superhéroes de este manga como superdotados psíquicamente. La mayoría de luchas se saldan sin ningún choque físico entre los contrincantes, usando siempre la fuerza mental y las ondas psíquicas para vencer al contrario, ya sea empotrándolo violentamente contra una pared o con espectaculares explosiones de cabezas. Cierto que se usan armas, pero realmente los combates que quedan en la memoria son los librados por los que dominan la psique y la canalizan como arma contra el enemigo. Que esta mente sea entrenada con métodos “naturales” o con drogas como hace la pandilla de Tetsuo cuando tiene el poder de tener Akira en su bando, esto ya es otra historia. Y que se usen armas extremas para neutralizar a un Tetsuo ya descontrolado no desmerece el esfuerzo y la originalidad que llevó al autor por decantarse más por la lucha mental que por un cuerpo atrofiado de músculos y dientes inexistentes á lo Rob! (ok, en el manga un Son Goku nivel de Saiyajin número 3 también sería un buen ejemplo de ello). Incluso el autor sabe transmitir estas fuerzas antagónicas y que lleguen al lector como armas mortíferas.

Detalles negativos: A continuación descubro algunos fallos y errores, más de la edición española que del manga original. Ninguna es excesivamente importante y es normal que entre tantas páginas se cuele algún error, pero allá vamos:

Aunque la versión coloreada me guste (quizá por es la que vi primero), hay unos cuantos fallos que se deberían haber corregido. Son pequeñas taras que no desmerecen el resultado final, pero ahí están: durante el primer tomo, el suelo se desmorona (como tantas otras veces, no queda edificio en pie xD) y sale… ¿lava? Vaya, no creo, pero por el color lo parece, pero tampoco es que muera nadie calcinado (y se mojan). Si son aguas freáticas considero el rojo un color excesivo, le da un aire demasiado peligroso. Pero es solo un detalle. Otro detalle es que el colorista Steve Oliff erró algunas veces al colorear los ojos de algunas personas, dándole colores distintos para cada ojo. Sobretodo parece que tengan el ojo rojo, como a la virulé, claramente es un fallo. Pero otra vez ocurre pocas veces y no afecta a la lectura, simplemente lo ves y te molesta en ese momento.

Lo que sí fue un fallo gordo pero que ha quedado en anecdótico a día de hoy es que esta versión de hace algunos años del manga a cargo de Dragon/Ediciones B/Glenat, tiene un fallo de encuadernación entre las páginas 113 y 120, pertenecientes a una parte de la carrera-lucha contra Joker (de la banda Los Payasos) del segundo tomo. Es decir, se sustituyen las páginas originales del primer tomo por las del segundo en el mismo número de páginas, lo que crea confusión. Gracias a un traspaso a formato digital de los tomos originales en su segunda o posterior edición puedo comprobar que sí se perdieron algunas hojas, más que nada la vuelta de Tetsuo a la escuela y el análisis químico de la píldora robada al gobierno. No es mucho, pero incluso así….. Imaginaos lo poco que captaba de la historia en el momento de la primera lectura (ya hace bastantes años), que ni me di cuenta xDDD Se me pasó por alto entonces, pero con algo de atención se puede comprobar que la fuente usada en la numeración de las páginas cambia ligeramente, posiblemente desde Courier New (112) a Century Gothic (113). Ignoro si mi versión del primer tomo (una segunda reimpresión de Julio de 1996) es única o se cambió en las tiendas por un ejemplar correcto. Da igual. Lo que sí es seguro es que las dos otras versiones del manga, la segunda de Ediciones B, con portadas idénticas a la japonesa y en tomos “de teléfono”, y la actual de Norma, con portadas en blanco y negro y con el color original de la versión americana de S. Oliff, ya tienen subsanado este error.

Algo que me ha molestado de esta versión (y la posterior en B/N) son algunas licencias y pequeños errores. Sobretodo, el uso de lenguaje vulgar entrecomillado. Es frecuente en los primeros tomos encontrarse frases como A tomar «pol» culo, con doble entrecomillado en el “pol”. No queda nada bien, no porque ser una frase malsonante (normal que la diga alguien como Kaneda), sino porque queda muy anacrónico dentro de un bocadillo. Tampoco me gustan los Ehi! cuando actualmente se dice más Hey!, y eso que se repite bastantes veces. Por suerte en la edición de Norma está corregido, no así la de Ediciones B que copia y pega el formato y traducción del inglés y los errores en los bocadillos (sin exagerar, pero existen).

Como curiosidad, comentar que según Otomo en el año 2030 aún revelaremos las fotos con carrete xD No pudo prever las cámaras digitales. No todo el mundo puede ser Jules Verne o Hergé……

PARTE III: OTOMO DIBUJA COMO LOS ANGELES; OBRA DEL AUTOR Y VALORACIÓN FINAL

El trazo de Otomo: Sabiendo que me repito, no puedo decir más que el dibujo es espectacular. Con un tono totalmente realista, un blanco y negro poderoso para un detalle extremo en los fondos y paisajes, mientras que los primeros planos de los protagonistas demuestra habilidad en la anatomía, expresiones faciales, gestos nada forzados, y una imaginación desbordante. Un estilo reconocible pero sin caer en el error de otros dibujantes de crear personajes masculinos o femeninos muy parecidos todos (Rumiko Takahashi, por ejemplo). Cierto es que los personajes terciarios, esos militares de rango bajo que solo cumplen órdenes o son carne de cañón para Akira son los que se parecen más entre sí, pero incluso así consigue individualizar cada personaje. No podemos olvidarnos de las armas, vehículos, con todo detalle, motos, tanques, coches, helicópteros, y los productos de alta tecnología como SOL o el mismo sitio donde descansa Akira, un amasijo de cables y tubos para asegurar la óptima conservación del espécimen. A la hora de destruir, el autor no escatima en detalles como fuego, hierro roto, casas partidas, edificios desintegrándose con multitud de rocas desprendiéndose del cuerpo principal, etc. etc. etc. Una gozada para la vista en B/N ya que el color suaviza un poco el “desastre”, aunque continúa siendo muy válido, sobretodo si has crecido leyendo solo esa versión en color.

Sobre el autor: Katsuhiro Otomo (1954) es un director y guionista de películas. Como podéis suponer a esta altura de la reseña, su obra más conocida internacionalmente es AKIRA, tanto el manga como su versión animada. La afición del cine le vino de bien pequeño, y en su adolescencia hacía largas excursiones en tren para disfrutar de películas de la época. Entonces decidió convertirse en mangaka y se mudó a Tokio. Su primer trabajo relevante es Fireball, donde ya apunta maneras y explora constantes que en el futuro le harían famoso, como la lucha entre el gobierno y la resistencia, poderes psíquicos de los personajes y su explotación por parte del gobierno, pero un desgraciado acontecimiento dispara los poderes psíquicos del sujeto creando una gran bola de fuego. Curiosamente Otomo se cansó rápidamente de este manga, dejándolo inacabado por su segunda obra, ya más conocida en Occidente, Pesadillas (Domu). En este manga de principio de los 80 el autor conserva las constantes mostradas en Fireball y añade otras como el concepto de la importancia de los edificios y niños que no se desarrollan como adultos.

A la par que dibujaba Domu, Otomo se estrenó en el mundo de la animación con Harmageddon. A los pocos meses nacería el manga de Akira, serializado durante 8 años y con una versión animada producida antes de finalizar el manga. Esta versión animada abrió las puertas definitivamente al manga en Europa, ya fuera porque se disfrutaba por primera vez de series como DragonBall por TV o éxitos abrumadores como Campeones (Oliver y Benji) arrasaban a la hora del Telediario Noche en la cadena privada Tele 5. Otras películas muy recomendables son Robot Carnival, en la que participó diseñando los opening y ending (editada en VHS por Mangavideo), las películas de imagen real World Apartment Horror (basado en su propio manga, el cuál fue de los primeros títulos publicados en España por Planeta) y Musishi (basado en un manga editado actualmente por Norma Editorial). Pero no ha abandonado la animación porque en 1995 participó con el corto Cannon Fodder en la película Memories (en DVD por Sony Pictures) basado en su manga homónimo. En esta y otras producciones encontramos un valor emergente del momento: Satoshi Kon, que con los años no ha regalado maravillas como Tokyo Godfathers (Sony Pictures DVD, e indispensable si tienes hijos, preferiblemente adoptados, o planeas hacerlo) o Millenium Actress (en 3 ediciones distintas por Selecta Vision) . En 2004 Otomo presentó la algo fallida Steamboy (Sony Pictures), y sus 2 últimos proyectos son la serie Freedom Project y su último proyecto SOS! Tokyo Metro Explorers: The Next. Posiblemente el último gran manga guionizado por Otomo sea la apocalíptica Leyenda de Madre Sarah, donde una madre busca a sus hijos en medio de una guerra civil entre lados opuestos y unos escenarios y personajes hostiles. Los lápices corren a cargo de Takumi Nagayasu, que consigue un mimetismo bastante interesante con Otomo, hasta el punto de que crees que es el mismo autor de Akira el que dibuja (aunque por suerte tiene puntos propios a favor). Podéis disfrutarla también gracias a Norma en una nueva edición que sobrepasa los 12 números de la vieja edición.

En definitiva, la obra de Otomo está presente en España desde tiempos remotos (en lo que se refiere al manga, claro xD) y se han ido editando toda su obra más relevante en papel y DVD. No hay excusa para no disfrutar de este autor.

Y por fin, …… la VALORACIÓN: ¿Qué puedo decir a estas alturas? Siempre quedan cosas, claro está. Pero lo dejamos aquí. Como en otros mangas en el pasado, enfrentarme a Akira ha sido todo un reto. Por un lado no las tenía todas conmigo de captar todos los matices (o al menos los suficientes para montar la reseña) de una obra tan extensa y compleja. Ya me pasó con Gunnm o Adolf, series cada una en su especialidad de alto calibre con lo que ignoraba si podía salirme con la mía. Está claro que no es lo mismo reseñar Ray que Akira o GITS, que vuelan mucho más alto. Por otro lado, todos estos mangas ya habían pasado por mis manos hace años, con menos experiencia en la lectura. La duda venía del hecho de que me inquietaba la posibilidad de que, con la relectura, no me gustasen y una sensación deprimente me embargara. Por suerte no pasó con Gunnm, ni ha pasado con Akira ni evidentemente pasó hace unos meses con Adolf, por ahora el único 10 que he otorgado en esta humilde sección. Pero la duda existía, y el temor de no estar a la altura de la historia también.

Mi afición por el manga y este título en particular por lo que significa para mí (y muchos más de mi generación que asistieron al estreno) me lleva a otorgarle la máxima puntuación. Hay tanta lectura, de tanta calidad, con un dibujo tan bueno y una ambientación tan especial que me cuesta bajar de un 9 como calificación global (manga, película, recuerdos, sensaciones, …) Pero es justo reconocer que la historia tiene algún altibajo, totalmente normal en un manga de más de 2200 páginas, por lo que el manga propiamente en sí quedaría como Muy Notable (8,9) pero sin llegar al Excelente (9). Realmente los números no importan: lo que es capital es que he vuelto a disfrutar de esta historia de una amistad rota por el abuso del poder, y de como este poder consume por dentro a todo el que no esté preparado física y mentalmente para ello. Porque dejando de lado todo el proyecto Akira, datos científicos, charlas de políticos y poderes psíquicos, esta es la historia de una amistad puesta a prueba al límite de lo humano, tensando la cuerda hasta límites más allá de la razón. También es parte importante de la historia del manga en este país, por todo ello, me hago eco de una de las últimas frases pronunciadas por Kaneda, y reproducida de forma nostálgica en la portada del libro Akira CLUB:

EXTRA: IMAGINERIA COLECTIVA: LAS IMÁGENES QUE SE HAN INSTALADO EN NUESTRA RETINA