Sitges 2010: Un rápido repaso (I)

Un año más, asistimos al Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya Sitges 2010, que llega a la 43 edición. Un contenedor de diez días de duración, justo cuando acaba el verano y empieza a hacer fresco. La Blanca Subur abre sus puertas otro año a todos los visitantes, cinéfagos con ganas de pasarse horas metidos en oscuras salas con desconocidos (o ya conocidos porque hay caras que se repiten cada año). Atrás quedaron los años donde todo el pueblo participaba del Festival, una de las críticas que los más viejos del lugar siempre hacen a la nueva ya experimentada directiva. Pero para solucionar esto y animar un poco el cotarro fuera de las zonas comunes del festival (Retiro, Prado, Auditori), estos últimos años se incluye dentro de la programación la Caminata Zombie, donde cualquiera puede disfrazarse de muerto viviente y asistir a las sesiones de maquillaje para luego pasear todos juntos atemorizando a todo el pueblo, o al menos la parte más turística. Debe ser muy divertido, pero no he asistido nunca. Es la parte más lúdica del Festival, para los que ven unas cuantas sesiones pero van más a por la fiesta del pueblo que otra cosa, la que se aleja más de las maratonianas sesiones de madrugada o los madrugones para estar en una cola a las 9 de la mañana de un Jueves no festivo. Ese es mi Festival: tragarse más de 50 películas en 10 días y salir vivo. More or less. O bastante tocado, como ha sido este año, en el que he superado en más de 10 las cintas que veía regularmente otros años (dentro de la horquilla 35-40).

Por eso decidí poner en orden mis ideas, anotaciones, impresiones y experiencias vividas dentro de las tres míticas salas que representan el espíritu de Sitges: el Auditori, gran sala de reuniones/meetings del Hotel Sol Melià, con una gran pantalla idónea para los grandes estrenos USA, ya sea de fantástico como de otros estilos. Pero también ha permitido la entrada estos últimos años a estrenos de cine oriental, el gran triunfador de esta última década, acompañando al cine de animación; el Cine Retiro, de «clase media», con sus plateas ladeadas, donde se proyecta gran parte de las secciones, desde Casa Asia hasta la animación (que gracias a su aumento de popularidad ha hecho las maletas desde el Casino Prado), pasando por las sesiones canallas de madrugada donde se ve carne fresca manchada de sangre y fluidos humanos. Y el Casino Prado, ese exótico y a la par cutre espacio pero lleno de carácter, con curiosos grabados en el techo simulando pinturas clásicas que le otorgan un ambiente especial. Ahí se presenciaron las mejores sesiones de animación antes de que se mudaran al Retiro, y ahora es cobijo de las secciones más pequeñas del Festival, como pueden ser las Nuevas Visiones, pases de clásicos, algunos bastante tronados, homenajes y las «Siete ocasiones» de ver siete cintas que un grupo de expertos ha seleccionado por tener muy difícil su distribución en nuestro país. Suelen ser las secciones más «hard», más difíciles en el sentido de poder ver experimentos cinematográficos, proyectos autóctonos de difícil distribución, algunos de difícil digestión, pero que una vez finalizado el festival nos ha regalado buenas sesiones como Possessed, Red White and Blue, Kanikosen, Defendor, o Raavan, la representante de ese monstruo llamado Bollywood.

Este texto no pretende ser un repaso exhaustivo a todo lo visto en el Festival: es imposible y además improductivo. Hay cintas que no merecen mas que una línea, y otras podrían ser reseñadas en su respectivo estreno a escala nacional por alguno de mis compañeros que llevan la sección de cine de forma rutilante y exitosa. Pero sí ha sido un ejercicio mental el intentar recomponer en frases medio comprensibles el alud de notas a veces inconexas que se obtienen después de asistir a una sesión, inclusive hechos acaecidos antes, durante o después de la proyección. Si ya ser sucinto no es mi fuerte (y vosotros lo sufrís), reconstruir el «escenario» sobre una historia varios días más tarde de haberla visto, pues tiene su complicación. Así, aquí no encontrareis sesudas reseñas de las películas, aportando datos sobre el director y sus trabajos previos, o si la cinta actual rompe con los esquemas de su cinematografía anterior. Solo son unas cuantas ideas puestas en el microondas, unidas por una estructura gramatical simple pero necesaria, y servidas con mucho amor y un vaso de sangre para acompañar y hacerlo más digerible.

Os dejo con la promo oficial del Festival de este año, que personalmente a mí no me ha gustado mucho. Que os aproveche, la semana que viene, si todo va bien, otra ración.

LA HERENCIA VALDEMAR II: LA SOMBRA PROHIBIDA

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Sinopsis: «Hace 4 días. Luisa Llorente, una tasadora de fincas tuvo el temible encargo de ir a evaluar la casa de Lázaro Valdemar, no se ha vuelto a saber de ella. Dos expediciones salen en su búsqueda: por un lado Nicolás Trámel, detective contratado por Maximilian Colvin, jefe de Inmoverance, empresa para la que trabaja Luisa y por otro lado sus compañeros de trabajo Ana y Eduardo, que viajan en coche con la idea de poder unir sus fuerzas con el detective, pero algo pasa…, en medio de la noche una figura irrumpe en medio de la carretera obligando al coche a derrapar hasta tener un accidente. La sombra no es otra que la mismísima Luisa Llorente…, que continúa su huída desesperada. En una trepidante carrera por librarse de un perseguidor, atraviesa el bosque y cae por un socavón hasta llegar al fondo de un barranco… el atacante desiste de su presa y se conforma con la pareja del coche.

Luisa se despertará en un extraño carromato gitano, donde la dueña le cura las heridas de la caída, y ya de paso le dirá muchas más cosas, ¿ por qué está ahí…? ¿ por qué han retenido a sus compañeros y cual es el destino que les espera.? las respuestas son tan oscuras, que jamás se las imaginaría el detective Nicolás Trámel , quien pese a estudiar con avidez el papel que juega un extraño libro prohibido llamado Necronomicóm en toda la trama, no podrá sortear los innumerables peligros que les acechan.»

Vistazo: Valdemar II constituye una pequeña decepción. Después del buen relato construido en la primera parte, con un buen diálogo entre la historia del presente y del pasado, un buen tempo, buenas actuaciones y muchas dudas que resolver, nos encontramos con una segunda parte más dedicada a la acción, con bicho incluido, pero que no deja el mismo buen sabor de boca. En La Sombra…. los flashbacks al pasado pierden mucho peso (cuando era lo mejor y la trama central de la primera parte, pese a que la actuación de la en otras épocas guapísima Laia Marull no me convenció, no lo entiendo, ha “envejecido” muy mal), por lo que el grueso del guión cae sobre las distintas facetas que se irán reuniendo, eso es, los personajes encarnados por Oscar Jaenada, Silvia Abascal, Jesús Olmedo o Eusebio Poncela, entre otros. El problema es que el trasfondo de la historia y el objetivo último de reunir todos esos seres en un mismo punto, me deja totalmente frío y lo veo más como un pegote o como no saber acabar una historia que como una evolución lógica de todo lo planteado de forma muy competente en la primera parte. Es decir, todas las dudas planteadas en la primera parte de forma muy competente se diluyen en una trama de persecuciones, rituales satánicos, líneas de diálogo que no aportan mucho y una sensación de haber perdido la oportunidad de hacer algo grande. Sí es cierto que el principio es prometedor, que personajes como el de Rodolfo Sancho dan una perspectiva más humana de la tragedia (él es un pobre diablo a manos de los dirigentes de todo el cotarro, que quiere ayudar a Silvia Llorente pero se ve obligado a seguir las órdenes por miedo a represalias, además tiene visiones alucinógenas donde ciertos maniquíes cobran vida, en algunas de las escenas más extrañas de la película pero que visto lo visto casi las mejores), pero a medida que avanza la historia te das cuenta de que lo que nos tienen reservado (o sea, todo lo que se había ido cocinando en la primera parte) acaba en una persecución “body count” (bueno, de hecho solo muere uno) sin mucha tensión ni demasiada calidad con bicho detrás y actuaciones no excesivamente geniales. Y la escena final del ritual y sus objetivos no me la creo en absoluto y me da pena pensar que todo lo que se había ido construyendo era para eso, con un objetivo no muy claro (no sé si realmente quieren encerrar al monstruo o liberarlo aún más) y una sensación de inconexión total entre el ambiente de las dos películas. Seguidamente nos encontramos con otra escena, a todas luces añadida expresamente al final, donde se da paso a una posible continuación de la historia con una excusa bastante endeble.

En esta continuación también perdemos personajes interesantes: la propia casa, que hace desarrollar un argumento de “casa encantada”, desaparece en la continuación. No es el centro de la acción y pierde peso de otorgar “miedo”, pasando a ser más un logo o silueta reconocible para la franquicia que otra cosa. Menos peso lleva también el gran Paul Naschy (homenajeado en el Festival), pero sobretodo desaparece (por una razón de paso de los años entre la época de los Valdemar y la actual) el gran Paco Maestre. Me encantó su actuación en la primera parte de la historia, siendo posiblemente el causante de que repitiera visionado (esta vez alternativo xD). Su presencia (orondo, calvo, pero astutamente inquietante) proporcionaba calado argumental y buen nivel interpretativo, amén de una de las voces más interesantes y con mejor dicción de la cinta. Maestre deja paso a un grupo de jóvenes donde brilla como siempre Oscar Jaenada, aunque Rodolfo Sancho en su papel también es muy convincente. Si tuviésemos que buscar un actor solvente que continuara con el trabajo de Maestre ese sería Eusebio Poncela, que ya aparecía en la primera parte pero aquí intensifica su participación al ser el jefe de todo el tinglado.

En definitiva, La Sombra Prohibida simplifica mucho lo que habíamos visto en la primera parte, abundante en sus localizaciones y personajes, interesante por como unía los sucesos del pasado y del presente, pasa a ser algo lineal sin demasiado interés y con la pérdida de varios aspectos, y de una sensación de estar viendo algo totalmente distinto a la primera parte e inconexo con ella. Quizá viéndolas seguidas la impresión cambie un poco, pero hay algunos defectos que no variarán por muy seguidas que se vean las dos cintas. Sin ser excesivamente mala, me decepcionó un poco por las expectativas que tenía en ella. Pese a tener un correcto desarrollo visual y de producción, sin ser excelente, hay demasiados puntos negativos para que pase de 5,9.

WELCOME TO THE SPACE SHOW (Uchu Show e Yokoso)

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Sinopsis: “Un grupo de chicos y chicas se dispone a pasar las vacaciones de verano en un campamento. Sus días transcurren con la placidez propia del momento y del lugar hasta que un acontecimiento del todo inesperado cambie sus vidas para siempre. Tras rescatar a lo que parece ser un perro malherido, éste revela su verdadera identidad: se trata de Pochi, un alienígena llegado de un planeta lejano en busca de una sustancia ansiada en todo el universo. En agradecimiento por haberle salvado la vida, Pochi ofrece a los chicos una inesperada recompensa: viajar allá donde ellos deseen, incluyendo “lo más lejos posible”.

Vistazo: El Festival de Sitges ha ido conreándose estos últimos años una fama en lo que concierne a estrenos de films animados. El actual director, Ángel Sala, fue el responsable de la sección Anima´t y de su auge dentro de la programación, pasando a ser una de las grandes áreas temáticas. Estrenos de Ghibli esperados ansiosamente por todos los fans, pequeños grandes descubrimientos como Tonari no Yamada Kun, la dupla coreana My life as MacDull, las proyectos del recientemente fallecido Satoshi Kon o, ya fuera del ámbito anime, las idas de olla del gran Bill Plympton, han sido piedras de toque cada año, buscadas por centenares de aficionados, esas sesiones que son las primeras en agotarse. La sección empezó en 1993, con representantes catalanes, españoles e incluso japoneses (Urotsukidoji), pero es a partir de 1995 que la sección empieza a volar, con dos representantes de altura, La Tumba de las Luciérnagas y Pompoko, ambas de Isao Takahata. Posteriormente títulos como Perfect Blue, Mononoke Hime, las distintas reencarnaciones de Evangelion, el stop motion de Aardman y muchísimos más han llenado horas de programación, confirmando el auge de este “género” junto con el paralelo reconocimiento de la cinematografía asiática.
Este 2010 había el convencimiento de que no había un gran título en esta sección: la crisis, ya se sabe. Cada año no pueden haber Miyazakis, que el hombre ya tiene una edad. Pero los últimos años nos hemos ido apañando con títulos como Metrópolis o Death Note (en este caso la versión en imagen real), y sobretodo Summer Wars o Mary and Max. De esta última debería hacer un megapost, porque me llegó muy hondo, la recomiendo a todos los que gusten de una historia intimista pero nada pesada ni lenta, hablando de sensaciones y soledades. Pero Summer Wars es posiblemente el último gran referente anime que tenemos: brilló en 2009 como una magnífica cinta donde se tratan las nuevas tecnologías, los peligros de Internet, con una representación de la Vasta Red que ya podríamos intuir en los viajes intergalácticos del personaje de Ed en Cowboy Bebop. A grandes rasgos es posiblemente la siguiente “gran película” por las que las distribuidoras españolas deberían pelearse si Dios existiera, pero ya se sabe que el mercado está débil (ay que me autocensuro) y no se pueden hacer barbaridades. ACTUALIZACION: En lleno Salón del Manga podemos confirmar vía Misión Tokio, que la distribuidora francesa Kaze nos traerá tanto la versión en DVD y BD de Summer Wars, junto con la curiosamente esperada versión cinematográfica de uno de los últimos éxitos en las consolas de Nintendo DS, El Profesor Layton, ambas dobladas y el resto de características comunes en un DVD/BD. Es más, durante estos días del festival ya se ha podido adquirir dentro del recinto en algún stand. Son ediciones bastante caras, por lo que tendrán que ajustarse a los precios españoles o no se comerán un colín. Si acaban llegando de forma masiva, almacenes como El Corte Inglés llevan años haciendo rebajas dos veces al año en sus secciones de DVD y música, por lo que sería una buena opción para rebajar un poco ese precio.

Todo esto viene a colación porque, mirando el listado de películas dentro de la sección Anima’t 2010, Welcome…. debería ser la gran triunfadora, pese a no tener una carta de presentación tan digna como otras. Y no sale derrotada, pero tampoco llega a ser ese must que todos queríamos. La historia empieza muy bien, con toques de humor a la japonesa y un aire a lo Ghibli, con preciosos fondos de la campiña japonesa (de verdad, algún día quiero perderme en esos campos y no volver jamás), con campos de cultivo, pequeños caminos, riachuelos y agua cristalina. Hasta ahí llegan los protagonistas, dispuestos a pasar unos días solos sin padres ni obligaciones. Disfrutar de un ambiente de paz, una vida sencilla pero feliz. Pero se les aparece de la nada un perro que habla y les invita a ir donde quieran. Y claro, con la saturación de información al alcance de la mano que hay actualmente, pocas cosas hay realmente por ver y ser acompañado por un perro que habla. Y deciden ir a la Luna. Por cierto, este perro que habla se parece mucho a Brian de Padre de familia, por si no lo habíais notado, pero no es tan cínico ni va detrás de mujeres guapas. Obviando flecos del argumento, nos plantamos en la parte oscura de la Luna, esa que no se ve nunca, donde en teoría residen los Visitantes a los que Marc Singer debía parar los pies hace años. Lo que aquí encontramos es una Dark Side of the Moon mucho más poblada, alegre, evolucionada y modernista que la que nos ilumina cada noche. Ciudades de vivos colores y alta tecnología, pero con arquitectura parecida a los juegos de Mario o incluso alguna referencia a Gaudí, con balcones sinuosos y nada convencionales.

El punto más en contra que encuentro en Welcome… es su punto y final: una larga escena de acción donde vemos la lucha final del perro (que tiene un segundo trabajo) con un conocido presentador de TV que también tiene una doble vida e intenciones nada honradas. Pese a reflejar una calidad técnica envidiable (con multitud, centenares de brillantes personajes en pantalla en una especie de via láctea / caravana expectante para presenciar el último capítulo de un curioso programa de TV), considero demasiado largo su resolución, desvirtuando el tono que había conseguido hasta entonces la historia (a veces costumbrista, a veces humor, a veces drama). Sin tener datos exactos creo recordar que la escena dura más de media hora, en un clímax demasiado largo para lo que explica. Parece como si lo hubiesen incluido por imperativo de poder poner escenas movidas y de acción en el trailer. No es un mal final, y con él lleva una crítica a la superficialidad dela TV de hoy en día (de eso saben mucho en Japón, claro que aquí no nos quedamos mancos), pero rompe con el resto de la historia y es demasiado largo.

Más allá de este argumento, la película nos habla de la cultura del esfuerzo, de compaginar trabajo para salir de una situación comprometida, de coger el toro por los cuernos a y afrontar las situaciones, llegando a trabajar en distintos empleos para poder salir de la ciudad selenita a través de un tren que recuerda al de Galaxy Express 999 de Leiji Matsumoto.

Es impresionante la capacidad que tienen los japoneses de hacer películas para todos los públicos sin caer en la ñoñería. Comprendo que no son los únicos, aquí hemos hablado de Aardman o Pixar, pero el “toque japonés” da un plus a ciertas historias, una combinación de humor y drama únicos que pocas veces he conseguido ver repetido en productos fuera del territorio nipón. Pueden haber buenísimas cintas de animación no japonesa, y ciertamente las hay (el cine puro de Wall-E es un ejemplo), pero esos nipones añaden algo suyo, un ingrediente mágico que ha conseguido traspasar fronteras y culturas y encandilar a generaciones tanto en la vieja Europa como en EEUU. Welcome to the Space Show no está llamada a ser un imperecedero gran hit mundial, pero es lo suficientemente buena como para disfrutar la mayoría de su trayecto de ida y vuelta a la estrella de las ilusiones. Aunque podría haber volado más alto si ese final hubiese sido más corto o conciso, la cinta se resuelve con un deslumbrante 7.

THE DOOR (DIE TÜR)

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Sinopsis: “Tras demostrar su buen hacer con Kebab Connection, Anno Saul vuelve ahora su mirada hacia el thriller fantástico adaptando la novela del escritor turco-germano Akif Pirinçci. Una intrigante inmersión en mundos paralelos en la que un pintor de éxito (Mads Mikkelsen), acongojado por la muerte de su hija y el divorcio de su esposa, encontrará una puerta misteriosa que le permitirá retomar su vida en el que punto en que empezó a torcerse. Las consecuencias de nuestros actos tendrán sin embargo una importancia capital, terreno abonado para un despliegue de fina ironía y guiños al género que Saul aprovecha con robusta efectividad.”

Vistazo: El cine europeo siempre tiene reservada alguna sorpresa. No llega mucho cine alemán por aquí, lo último que recuerdo son dos grandes títulos como La vida de los otros y como no, El hundimiento. Cuando leí la sinopsis de The Door y vi los fotogramas, de alguna forma me vino a la cabeza esa muy recomendable película llamada Loft, de origen belga. No es que realmente se parezcan, pero tienen cierto aire que las une. En este caso nos encontramos con un drama con tintes de thriller, rodado de forma muy sobria y con un argumento que engancha desde el principio. Nos habla de segundas oportunidades, pero también de aceptar nuestras decisiones y sus consecuencias, de que no hay vuelta atrás y de saber llevar nuestras más íntimas cruces. La cinta juega al constante ‘What if….’ mezclándolo con viajes al pasado y la supuesta paradoja del viaje en el tiempo, aunque en esta ocasión no se asesina a tu propio abuelo para impedir tu nacimiento sino que viaja al pasado para matarse a sí mismo y reemplazar su identidad. Otro aspecto interesante relacionado con esto es que los personajes que aparecen por la puerta lo hacen siendo conscientes de que han fallado en algo en su vida anterior, y van arreglarlo, por lo civil o por lo criminal. Es decir, la puerta, además del viaje en el tiempo, es también un acto de purificación, son conscientes del error cometido y vuelven al pasado para enmendarlo. Pero los acontecimientos (la situación se desmadra hacia el final de la cinta) nos enseñan que es mejor una persona con defectos y claroscuros que otra que intenta enmendar los errores y hacer parecer que todo es perfecto, escondiendo secretos inconfesables. En esta trama la hija de la pareja tiene un papel importante, ya que se da cuenta de todo mucho antes que muchos de los adultos.

Con un guión calculado al milímetro y una estructura sin fisuras, compacta, con el sabor europeo de hacer films, con buenas interpretaciones y dirección, The Door no decepcionará a lo que busquen algo distinto (pero fácilmente visible) a las propuestas estándar que nos llegan de más allá del Atlántico. En definitiva una buena película sobre los errores que cometemos en la vida y las segundas oportunidades que se lleva un merecido 8.

THE UGLY DUCKLING

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Sinopsis: “Tras un largo desarrollo y un proceso de producción algo accidentado, Bardin nos presenta su peculiar adaptación del clásico cuento ‘El patito feo‘. Con música extraída y adaptada de ‘El lago de los cisnes‘ y ‘El cascanueces‘ de Tchaikosky e interpretada por la Orquesta Filarmónica Nacional de Rusia, la película es una relectura del clásico con grandes dosis de humor socarrón y momentos de animación de muñecos de enorme brillantez. La pericia técnica y el enfoque innovador de Bardin alcanza un punto de absoluta maestría con esta película, a la que podríamos calificar de festín para gourmets de la animación.”

Vistazo: Olvidaos de Ghibli, menospreciad Pixar, renegad de Disney. El gran tapado en el mundo de la animación actual es Rusia. Y eso que llevan 100 años produciendo películas y cortos. El problema es que muchas veces han producido en ruso solo para su propio país. Siempre que veo animación rusa es, como mínimo, para salir satisfecho. Cierto que algunos films son “duros” de aguantar, pero siempre transpiran trabajo y amor por el medio. Grandes nombres como Ivan Ivanov, Yuri Norstein o actualmente Alexander Petrov (ganador de un Oscar por El viejo y el mar en el año 2000) han alimentado la ilusión de niños y adultos durante todo el SXX, incluso cuando la URSS se hundió. Incluso ha influenciado en otros países, como en Cuba, por motivos políticos, donde seguramente el conocido animador Jesús Padrón vio, disfrutó y asimiló mucho de lo que se veía en la TV cubana. De su mano han salido piezas maestras como Vampiros en la Habana (y su continuación en 2003) o la traslación a animación de las historias de Mafalda u otras obras del maestro Quino. Incluso llegó a trabajar para Canal+.

La historia de El Patito Feo es conocida: dentro de una familia de patos preciosos y relucientes, nace un pato feo, oscuro y patoso. No es ni un ganso ni un pollo, es demasiado alto y delgado para ser uno de ellos. Es relegado tanto dentro de la familia como del corral. Lo humillan por ser distinto y por no saber volar o seguir los pasos de sus hermanos. Defenestrado, busca consuelo fuera del corral pero no le sale nada bien. Enterrado en la nieve y dado por muerto, despierta convertido en un preciosos cisne, y su venganza será tan rápida como vergonzante para los que antes se creían mejores.

A veces las mejores experiencias cinematográficas se dan donde menos lo esperas (vaya, eso deberé repetirlo en otra de las reseñas de la semana que viene). En un año donde el cabeza de cartel era la japonesa Welcome to the Space Show acompañada por Colorful (que no pude ver por un error de planificación) y no se consideraba un año relevante en lo que se refiere a animación, a veces las propuestas pretendidamente de segunda división pueden dar la campanada. La combinación de música e imágenes quedó grabada en mí durante días, sobreviviendo al alud de otras propuestas gracias a una proyección mágica de un método de trabajo que me encanta, el stop-motion, y por los distintos niveles de lectura que sugerían las imágenes. La combinación entre imagen y música es magistral, todas las escenas respiran autenticidad y un gran trabajo detrás. El aspecto externo parece de una película de los años 70, pero el esfuerzo hecho en el stop motion (extremadamente suave) denota una autoría del SXXI. Son estas producciones las que aún conservan el espíritu de la animación, mucho más valiosas que vacíos mundos digitales como los Final Fantasy (vale, solo para entendidos) o experimentos en rotoscopia como Scanner Darkly o Mars (también presente en el Festival), que en mi opinión me alejan totalmente de los personajes y hacen que no me interese lo más mínimo lo que les pase.

Es curioso como cambian las costumbres humanas. Si en 1843 Hans Christian Andersen publicó un relato donde el protagonista quería integrarse al grupo, ser uno más, no diferenciarse del resto, ser aceptado por la sociedad, actualmente se valora (en algunos campos) la exclusividad, el hecho de ser distinto, desde hace unos años está de moda la diversidad (aunque los problemas de la inmigración ilegal pueden hacer cambiar la opinión general). Todos el mundo lucha por ofrecer algo distinto, exclusivo, que no lo tenga nadie más, asociado a una marca reconocible, o bien destacarse de los otros promocionando las partes más positivas de uno mismo. Pero cierto es que en otros aspectos no hemos cambiado tanto, la sociedad rechaza a ese patito feo que no es estándar, que se sale de la norma o que tiene minusvalías o taras físicas. Si no se es estándar, no se encuentra ropa, comida apropiada, etc

Disfrutando de la sesión me encontré con otra forma de ver la historia: como una defensa del comunismo. No sé si es una paranoia mía o realmente el autor quería comunicar algo, pero para mí el corral es una metáfora del comunismo: donde todos están seguros, hay comida, organización y no les falta de nada. Se insiste muchas veces en las letras de las canciones que dónde estarían mejor que dentro del corral, que lo de ahí afuera es peligroso, letal, pérfido, un infierno. Claro está que los exteriores del corral encarnan el capitalismo devora humanos, que encarna todo lo malo.

Con unas letras muy duras para con el animal desahuciado, y escenas de desesperación que hielan el alma, El Patito Feo se alza como un gran canto a la igualdad, tanto física como de oportunidades, pero también a la validez de lo distinto, de lo raro, de eso que negamos o ignoramos por desconocimiento. Dos caminos que parecen ir en direcciones contrarias pero que tienen cabida en esta magnífica versión del cuento de Andersen amenizada con la música de Tchaikosky, muy reconocible en algunos pasajes y menos en otros, para el público no ducho en la materia, pero de igual disfrute e intensidad, remarcada con unas imágenes de gran belleza a pesar de ser una cinta “fea” en ciertos momentos en cuanto a producción. Un stop-motion muy fluido y un doblaje magnífico que hacía reír a la sala incluso sin entender lo que decía (de viva voz claro, los subtítulos permitían leer frases muy sangrantes en contra del pobre animal). Ignoro qué carrera comercial tendrá este título, pero debería ser de visión obligada en las escuelas y sitios donde puedan enseñar a respetar lo distinto. Los cisnes vuelan con un nuevo compañero en el amanecer de una nueva primavera llevándose consigo un trabajado 8,5 hacia el Olimpo de la animación.

CONFESSIONS (KOKUHAKU)

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Sinopsis: “Impasible ante una clase en la que reina el desinterés y el desorden, una profesora inicia un largo monólogo que culmina con una aplastante revelación: el accidente que acabó con la vida de su hija no fue tal, sino un asesinato perpetrado por dos de sus alumnos. De esta manera tan desconcertante comienza la nueva película de Tetsuya Nakashima, una pieza de orfebrería pura en la que se suceden las confesiones alrededor de un crimen del que ya conocemos los culpables y que aún así, hipnotiza al espectador mientras engrasa en la sombra su maquinaria vengativa. Un thriller fragmentado y glacial, y un estudio sociológico aterrador.”

Vistazo: “Mi película favorita del festival de este año”. Así saludaba Ángel Sala, el director de los últimos festivales de Sitges, la producción japonesa que íbamos a ver justo a continuación. “Ya será menos, lo dirá de todas”, piensas instintivamente. Craso error. Si los japoneses la han escogido para representar a su país en los Oscar de este año es que algo debe de tener. Y no se equivocan. Confessions es un episódico camino hacia la venganza de la muerte de un alumno por parte de su madre. La película empieza con un impresionante monólogo en medio de risas y conversaciones superfluas por parte de una profesora en una clase donde nadie la escucha. Bien, eso es al principio, cuando sutilmente va captando su atención va relatando una extraña historia, la de la muerte de un alumno. Y ella es la madre. Y sabe quién es el asesino. Asesinos más bien. El caos, el miedo, la desesperación empiezan a apoderarse de la clase, los asesinos están presentes en el aula. Confessions es un puzzle, una tabula rasa donde las piezas de un sangriento Tetris van cayendo y posicionándose tanto en la cinta como en tu cabeza. De una forma que solo saben hacer los orientales. Los episodios explican las confesiones de todas las partes implicadas, desde la propia madre hasta el asesino “que no quería hacerlo”. Pero esto no sería nada sin la cruel, despiadada y malévola venganza que la mujer planea para los dos asesinos, sobretodo uno de ellos, el que lleva la voz cantante. La venganza es tal que estamos seguros que el crío quedará marcado por toda su vida, y si no tenía remordimientos por lo que había hecho entonces los tendrá. Una venganza psicológica, nada física, pero de una crudeza que hiela la sangre. El director nos va enseñando como fragua la profesora tal venganza, de forma lenta, sin prisas, jugando con los elementos a su favor y llevando al chaval por un laberinto de terror con un punto final especialmente terrorífico, resquebrajándole toda su humanidad y dignidad. La trama avanza de forma imparable e implacable , con un timing perfecto, que se hace corta incluso estando en una muy mala posición dentro de la sala (estaba en un extremo en el primer piso casi detrás de un foco de iluminación, e incluso así ni tan solo me moví para no perderme un ápice de la experiencia vivida), con la duración justa de las escenas y un excelente montaje de guión. Confessions tiene un estilo visual y un impacto en la retina que muchos otros productos orientales no tienen. Soy de la opinión que cintas de aventuras como Tajomaru o Woochi son muy correctas (ambas presentes en el Festival), una muy buen experiencia mientras estás delante del lienzo blanco del cine, pero que se olvidan fácilmente. Persiste mucho más lo visto en Confessions, ese cine social, más real, especialmente el gran último efecto especial (el único realmente caro de producir dentro de la cinta), una bomba explotando hacia atrás, es decir viendo como vuelve todo lo que estaba por los aires a su sitio, incluido un cuerpo humano y sus órganos. Demencial como te deja el cuerpo sin saber si eso es real o producto de la imaginación de….. alguien (¡no vamos a arruinar el visionado!).

Confessions entró directamente en el TOP 3 de lo visto en Sitges desde el minuto 1 y aún más después de finalizar. Se diferencia de otras raciones de venganza como Old Boy o Sympathy for Mr Vengeance por ser más sosegada y enseñar las cartas cuando no te lo esperas y de forma sorprendente. Por ser más una venganza psicológica y perturbadora más allá de las imágenes que puedan verter otras buenas historias de venganza como A Serbian Film o I Saw the Devil, muy buenas también ambas. Ignoro si será escogida por los señores del Oscar para competir por la estatuilla, pero siempre quedará como ejemplo de cine en mayúsculas con una gran dirección, grandes actuaciones de todos los chavales (es increíble, en cualquier cinta nipona los jóvenes lo bordan, ver sino la saga Crows) y un guión impecablemente construido. Se le adjudica un merecidísimo 9.

SECUESTRADOS

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Sinopsis: “Una familia adinerada que acaba de estrenar mansión es asaltada por tres encapuchados. Cuando parece que los criminales lo tienen todo bajo control, la agresividad de uno de sus miembros hará que empiece a correr la sangre. Miguel Ángel Vivas crea una película llena de suspense y violencia, a camino entre el thriller y el terror de tintes realistas. Formada por poco menos de diez planos secuencia, Secuestrados agarra al espectador de la garganta con una sorprendente y desgarradora escena inaugural y no lo suelta hasta el pitido final.”

Vistazo: Hay días que me alegro de ser pobre. Hay días que me alegro de vivir en un barrio exento de glamour. Y después de ver Secuestrados, aún doy más gracias por no tener ni un centavo. El asalto a una casa recién estrenada por parte de unos atracadores está resuelta con un uso de la violencia explosivo y cortante. Los asaltantes, que no están por monsergas, atacarán física y psicológicamente a la familia, poniéndoles entre la espada y la pared varias veces. Con las emociones, llantos, gritos y desesperación a flor de piel, los inquilinos pasarán miedo, rabia, impotencia, se preguntarán porque ellos. No hay razones, no hay porque. Solo violencia directa y desgarrada. Mientras el padre de familia va a buscar todo el dinero que puede con las tarjetas de la familia con el jefe de los asaltantes, los otros dos se quedan al mando de la situación, uno más moderado y otro más expeditivo. La mujer y la hija intentarán hacer de todo por salir vivas y enteras de los sucios planes de esos dos, además, dependen de su marido para continuar con vida.

Pocos ejemplos hemos visto de brutalidad tal en el cine español. Parece que están aprendiendo de esa explosión de violencia que es el cine oriental, ya sea en el plano más espectacular (algunas cintas de Johnnie To) o más crudo, como es el caso que nos ocupa, ligado al Beat Takeshi más expeditivo o el Sion Sono de Cold Fish, presente este año también en Sitges. Pero no solo los orientales saben salpicar con sangre la cámara: Funny Games de M. Haneke es la fuente principal de este relato, y los serbios también demuestran un grado de locura en A Serbian Film, el representante de la barbarie humana dentro de este festival, recogiendo el testigo que el año pasado dejó la francesa Martyrs (con abandonos en masa de la sala y asistencia médica preparada en el exterior por si las moscas). Y realmente violencia es lo único que hay aquí. Pero tengo la certeza de que esta violencia llegará mucho más al espectador porque se trata de una violencia en un caso real, que nos puede pasar a cualquiera de nosotros (a cualquiera que se pueda permitir el lujo de comprarse una casa como la que se compran ellos, claro). No es una fantasía de acción, no es una venganza en Time Square (o Nakatomi Plaza). Es algo tangible, real, de nuestro nivel. Esto puede pasarte a ti, y un mal movimiento puede acabar con tu vida. Escoger las mejores opciones en cada momento es vital para seguir con vida en este juego psicológico de impotencia contra la maldad.

La cinta tiene la duración exacta, ni más ni menos. De hecho esto es así porque creo recordar que está grabada en tiempo real, y una vez iniciada la acción, el viaje en coche buscando cajeros de los que sacar el máximo dinero marca la pauta de los acontecimientos. Hasta el punto en que la pantalla se divide para enseñarnos lo que pasa en los dos focos de acción, y de cómo los actos de uno pueden influir trágicamente en el otro. Vejaciones, insultos, visitas inesperadas,…. se podría decir que la casa sufre la violencia física, mientras que en el coche la lucha es mental, psicológica. Pese a recoger grandes aplausos al finalizar la proyección, debe uno admitir que prácticamente no hay guión: después de la escena inicial conociendo a la familia y sus pequeños dimes y diretes, la casa es asaltada. Y pese a que ocurren muchas cosas (intentos de fuga, visitas, etc), no hay una estructura de guión, no hay un armazón. Todo ocurre porque sí. Considero el tiempo que pasa entre que el padre se va en coche con el jefe de los atracadores hasta que vuelve como un cajón desastre donde van metiendo situaciones, todas extremas ellas, hasta llegar a los minutos de proyección estipulados. Por ejemplo en ningún momento el jefe de los ladrones justifica su acción. Posiblemente debería ser así, ya que de otra forma podría haber quedado ridícula (“mira, soy un antiguo cliente tuyo al que jodiste y ahora te jodo yo”). Así pues, nos ahorramos metraje e insistimos en la acción sin justificación. Esta falta de argumento se compensa con escenas de auténtico pavor, de terror muy próximo. Parece que el director quería más enseñar que podría ser de nosotros en un caso así más que dar unos motivos y justificaciones al asalto. Y una cinta que tiene los pies en el suelo no podía acabar de otra forma, sin heroicidades ni excentricidades.

Pocas veces había oído el sonido de una cabeza siendo golpeada repetidamente contra un objeto contundente en el reciente cine español. La rabia que transmite la acción arrancó aplausos del público ávido de flujo rojo en la sala. Sangre nueva española con buena dosis de violencia impactante, pero que no puede ir más allá del 7 precisamente por no aportar más datos a ese preciado elemento.