ZN Cine – Christopher Nolan: puzzles, trucos, sueños y murciélagos

«Si quieres intentar de verdad hacer una gran película, no una buena película sino una gran película, tienes que tomar muchos riesgos».
–Christopher Nolan

Este viernes se estrena la que es para muchos la cinta más esperada del año: Interstellar, la última película del director británico Christopher Nolan. Aunque en Zona Negativa tendremos preparada nuestra opinión sobre ella el mismo viernes nos ha parecido buena idea dedicar un artículo a su director, una de las figuras más importantes del cine de la última década, un nombre que arrastra con él devotos espectadores pero que también suscita opiniones encontradas. En este artículo trataremos de repasar su carrera y a la vez intentar vislumbrar al hombre detrás de la cámara que ha conseguido construirse una de las filmografías más sólidas del Hollywood actual. Vamos allá.

«Tengo que creer en un mundo fuera de mi propia mente. Tengo que creer que mis acciones todavía tienen significando, aun cuando yo no puedo recordarlas. Tengo que creer que cuando mis ojos están cerrados, el mundo todavía continúa allí.»
-Leonard (Guy Pearce), Memento

Christopher Jonathan James Nolan nació en 1970 en la ciudad de Londres. Ya desde pequeño mostró su interés por el cine, rodando películas caseras desde los siete años con la cámara Super 8 de su padre, con quien fue a ver en el mismo año el estreno de Star Wars y 2001: Una Odisea en el Espacio, dos películas cuyas diferencias y similitudes marcarían la futura carrera de Nolan, siempre balanceándose en el complicado equilibrio entre el cine de autor y el blockbuster. Estudió literatura inglesa en la prestigiosa University College de Londres, a la que eligió por sus avanzados equipos cinematográficos y donde conoció a la que sería su mujer y productora, Emma Thomas. En sus años de estudiante Nolan dirigió varios cortos, entre ellos Tarantella (1989), Larceny (1995) y Doodlebug (1997), este último sobre un hombre que persigue a un insecto por una habitación sólo para darse cuenta de que es una versión diminuta de sí mismo (lo podéis ver en este enlace si tenéis curiosidad).

Sería en 1998 cuando Nolan se lanzaría a dirigir su primer largometraje, Following. Con un presupuesto de 6.000 dólares, rodado en blanco y negro con ayuda de amigos y actores que ya habían trabajado con Nolan en sus cortometrajes, Following es un thriller sobre un escritor en ciernes que se dedica a seguir a personas al azar y que se ve envuelto en una trama criminal al más puro estilo de Alfred Hitchcock y ese homenaje a la femme fatale clásica en forma de cartel de Marilyn Monroe (la actriz de Following, Lucy Russell, es un calco de Norma Jean). No faltan en la cinta detalles que Nolan repetirá en sus futuros trabajos, como la narración temporal desordenada, los giros de guion y el estudio psicológico de sus personajes. Como curiosidad, podemos ver en la puerta de la vivienda del protagonista el símbolo de Batman, que ya auguraba la futura relación de Nolan con el héroe de DC, pero no tanta casualidad sabiendo que tanto Christopher como su hermano pequeño Jonathan Nolan, guionista y colaborador habitual de Christopher, tenían gran afición por el Caballero Oscuro (de hecho a los trece años Christopher regalaba a Jonathan dos ediciones de Batman: Año Uno y de The Dark Knight Returns, obras idolatradas por ambos). También como anécdota, el personaje del ladrón en la película se llama Cobb, igual que el personaje de Leonardo DiCaprio (también ladrón, a su manera) en Inception. En cualquier caso Following comenzó a ser exhibida por los circuitos cinematográficos, dándole a Nolan una perspectiva más global de su trabajo y sintiendo, al presentar su obra ante una audiencia de cientos de personas, la responsabilidad para con el público que comenzaría a ser una constante en su manera de entender el cine.

Pero el verdadero reconocimiento le llegaría a Nolan dos años después, cuando estrena Memento, en la que el director se basa en un relato escrito por su hermano Jonathan titulado Memento Mori para realizar uno de los guiones más enrevesados y aclamados de la pasada década. La trama sigue a Leonard (Guy Pearce), un hombre aquejado de una enfermedad que le hace perder la memoria cada poco tiempo y que, para resolver el asesinato de su esposa, se tatúa toda la información que puede en el cuerpo para ayudarle a recordar cada vez que tiene un episodio de amnesia. Así, la película nos lleva hacia atrás en un montaje reverso que marcó una época como un experimento arriesgado del que Nolan salió triunfante. La cinta fue recibida con entusiasmo por la crítica y se convirtió rápidamente en una película de culto entre los aficionados. En su misma estructura, Nolan había conseguido esa precisión de relojero que intentara en Following pero esta vez sin el corsé del amateurismo o los medios exiguos. En Memento coincidió por primera vez con el director de fotografía que se convertiría en habitual en su carrera, Wally Pfister, que sólo le abandonaría ya en la inminente Interstellar debido a su (no del todo afortunado) debut en la dirección con Trascendence. Con Memento Nolan y Pfister consiguieron esa ambientación sobria y elegante que se convertiría en marca de la casa, combinando escenas en color con otras en blanco y negro para los flashbacks y dándole en definitiva al conjunto un aura de solidez técnica y artística incuestionable. Nolan seguía dando pistas de su ambición y también de lo metódico de su trabajo: como muestra de ello, la anécdota de que llegó a grabar tres pistas diferentes para el audiocomentario del DVD de Memento con tres explicaciones diferentes y razonadas sobre el significado del final de la película y que se reproducían de manera aleatoria en el disco. Pero quizás el mayor logro de Memento fue el de conseguir esa ambición de Nolan de aunar el cine psicológico, con personajes complejos y cuestiones propias del cine de autor con características propias del cine comercial y con argumentos y situaciones propias del thriller y el suspense. Es decir, comenzaba a tener contentos a crítica y público, la combinación ideal para que los grandes estudios comenzaran a fijarse en Christopher Nolan.

Y la oportunidad llegó con Insomnia (2002), el único filme cuyo guion no ha firmado el propio Nolan y que era un remake de un thriller noruego dirigido en 1997 por Erik Skjoldbjaerg en el que seguimos a dos detectives que acuden a un pueblo de Alaska para investigar el asesinato de una joven. La película original había gustado en Hollywood y el guion estaba encima de la mesa de Warner. Fue entonces cuando el director Steven Soderbergh, fan declarado de Memento, recomendó a Nolan para las labores de dirección a pesar de que el estudio quería a un director más experimentado. Finalmente aceptaron a Nolan poniéndolo a cargo de su primera película importante en Hollywood, con un presupuesto mucho mayor: de los 4,5 millones de dólares con los que contó en Memento pasó a 45 millones en Insomnia, además de contar con dos grandes estrellas a bordo como Al Pacino y Robin Williams. El propio Soderbergh junto con George Clooney se sumaron al proyecto en calidad de productores ejecutivos. Cuentan la anécdota de que durante el rodaje Soderbergh se acercó al set y le preguntó a Pacino cómo se sentía; Pacino le respondió: “Bueno, puedo decirte que en algún momento en un futuro cercano voy a estar muy orgulloso de decir que estuve en una película de Christopher Nolan”. Insomnia era la prueba de fuego para ver si Nolan podía con una producción de esta envergadura y el resultado fue un éxito de crítica y público. La película recaudó más de cien millones de dólares a nivel mundial y la crítica alabó la ambientación de la cinta, cargada de una atmósfera opresiva así como una vez más la complejidad psicológica de los personajes, en especial el atormentado Will Dormer (Pacino), cuyo insomnio recordaba a la amnesia de Leonard en Memento o la manía persecutoria del protagonista de Following. Detonantes que reflejaban como un prisma la personalidad de los personajes y sobre los que Nolan tejía tramas tan complejas como la psique de los mismos. Así, el cerebral Nolan pasó con nota el examen de Hollywood y nadie podía imaginar lo que le esperaba a la vuelta de la esquina. Una sombra con forma de murciélago.

“En el cine acudimos a ver a alguien organizando un espectáculo, y yo siento la responsabilidad de hacer el mejor espectáculo posible.”

–Christopher Nolan

Corría el año 2003 y Warner tenía un problema: en pleno apogeo del cine de superhéroes, con Spiderman y los X-Men triunfando en las taquillas, quería relanzar a Batman, cuya franquicia de películas estaba en coma profundo tras el desastre que supuso la era Schumacher, en especial la vapuleada Batman y Robin. Fue entonces cuando Christopher Nolan comenzó a escribir un guion a cuatro manos con David S. Goyer, que hasta entonces había escrito las dos entregas de la saga Blade. La idea que presentaron a Warner era comenzar de nuevo contando los orígenes del personaje, pero a la vez haciéndolo de una manera realista como no se había hecho hasta el momento. Para ello, Nolan y Goyer acudieron a los cómics y no pudieron encontrar mejor referente que The Man Who Falls, de Dennis O’Neil y Dick Giordano y, sobre todo, Batman: Año Uno, la refundación del personaje llevada a cabo por Frank Miller en 1987 y que retrataba los primeros pasos de Bruce Wayne/Batman a su regreso a Gotham y en el comienzo de su cruzada contra el crimen. Cuando Nolan y Goyer llevaron el guion a Warner, ésta comulgó con su idea y así comenzó la saga más exitosa de la historia del personaje en el cine hasta la fecha.

Para Batman Begins, Nolan contó con un presupuesto de 150 millones de dólares y un reparto estelar con nombres como Christian Bale, Michael Caine o Gary Oldman pero a pesar de toda la aparatosidad de Hollywood no perdió de vista sus aspiraciones como director. Por ejemplo, Nolan rodó toda la película estando presente y supervisando todos y cada uno de los planos, sin utilizar una segunda unidad de apoyo, algo extremadamente inusual en una producción de esta envergadura. En el plano estético también introdujo una máxima que ha seguido aplicando durante toda su carrera, y es el uso mínimo de los efectos visuales en post-producción. Nolan prefiere realizar la mayor parte de efectos in situ, así como el rodaje en localizaciones en lugar de sets, pero cuando tiene que utilizarlos lo suele hacer a lo grande. En Batman Begins pudo experimentar ambas cosas, rodando en Islandia el entrenamiento de Bruce Wayne y reconstruyendo la lluviosa ciudad de Gotham en un gigantesco decorado en el cual cuenta una anécdota que se llegó a perder Sue Kroll, la presidenta de marketing internacional de Warner durante una visita al set de rodaje. Nolan siempre ha estado al frente de los desafíos técnicos pero aplicando en todo momento una máxima, y es que todo lo que se ve en una película tiene que tener una base real con la que el espectador pueda identificarse. El manido “realismo” que siempre es un arma arrojadiza entre los fans del género y que parece que instauró Nolan no es sino la consecuencia lógica de poner a un director con las convicciones de Nolan al frente de un proyecto así. Nolan quería a un Batman no real, sino plausible. Una de las escenas que convencieron a los ejecutivos de Warner de aceptar el guion de Nolan y Goyer fue en la que Wayne acude a los avances técnicos de su empresa con el personaje de Lucius Fox y que le ayudará a llevar al mundo real las armas, vehículos y trajes del Hombre Murciélago, un realismo y una necesidad de explicar cosas, un respeto si se quiere hacia el espectador, que no se había dado en el género hasta el momento. Por eso, llegados a este punto, muchos podrán debatir si la elección de Nolan fue la mejor o la peor opción para dirigir una película sobre Batman; lo curioso del caso es que probablemente ambas posturas tengan razón y ambas se equivoquen. Nolan hizo el Batman más respetado, envolviendo sus películas con una pátina de calidad y seriedad que elevaron el género de superhéroes a cotas para muchos no superadas, pero el precio de atraer a Batman hacia la realidad fue en parte alejarlo del cómic, por eso para muchos el Batman de Nolan es más un thriller con un tipo vestido de murciélago que una película de Batman. Para otros muchos, la mejor encarnación cinematográfica del personaje en sus 75 años de Historia.

Batman Begins también deja claro que Nolan, como narrador de historias, se mantiene siempre fijo en su objetivo y no lo suelta por un instante. El leitmotiv de Begins es el miedo, un tema ya central desde aquellos primeros trailers (“What do you fear, Mr. Wayne?” pronunciada por Liam Neeson sigue poniendo los pelos de punta a día de hoy). Como director metódico que ya hemos comentado que es, Nolan tiene una costumbre para evitar que la película se distraiga de esa historia que es la que quiere contar: unas semanas antes de comenzar cada rodaje de su carrera, Christopher Nolan se sienta delante de la máquina de escribir que le regaló su padre a los 21 años (la misma en la que escribe el protagonista de Following) y redacta en unas cuantas hojas no un resumen, sino el propósito de lo que quiere contar en la película, el alma de la historia. Y vuelve a ella a veces durante el rodaje para asegurarse que no se ha desviado del camino. Así es Nolan trabajando: comprometido con el espectador y fiel a la historia que quiere contar. Guste más o menos, nadie puede negarle la honestidad como cineasta.

Begins también supuso la primera colaboración entre Nolan y Hans Zimmer, que junto con James Newton Howard compuso la banda sonora de Begins y la posterior El Caballero Oscuro, encargándose Zimmer en solitario del final de la trilogía. Hans Zimmer llegaría a ser parte vital en la carrera de Nolan, componiendo la banda sonora del resto de su filmografía a excepción de El Truco Final, donde Nolan volvería a contar con David Julyan con el que ya había trabajado en Memento. Es curioso ver cómo el talento de Zimmer y Nolan se ha retroalimentado, llegando a una comunión entre el aspecto visual y el musical que recuerda uniones inolvidables como Steven Spielberg y John Williams.

Batman Begins se estrenó en 2005 y fue un notable éxito de taquilla pero, sobre todo, sentó las bases para resucitar al personaje con una nueva visión que se ganó la confianza del público, pero ni Nolan ni Warner podían imaginar lo que ocurriría con su continuación. El Caballero Oscuro se estrenaba tres años después, en 2008 y sólo en su primer fin de semana recaudaba 158 millones de dólares, convirtiéndose al final de su carrera comercial en las salas en la segunda película más taquillera de la Historia, sólo superada en aquel entonces por Titanic. Nunca una película de superhéroes había llegado tan alto y es que aquel verano de 2008 vivimos un auténtico fenómeno. Pocas películas han tenido la anticipación antes de su estreno como The Dark Knight, en la que se sumaron muchos factores: la muerte del actor Heath Ledger, que daba vida al Joker, meses antes del estreno de la cinta multiplicó el interés por ver la que sería su última interpretación que a la postre terminó llevándose el Oscar póstumo a Mejor Actor Secundario; la aparición misma del villano más reconocido del universo del Hombre Murciélago y la sensación por los tráilers de que veríamos algo único en la interpretación de Ledger; pero también la habilidad del equipo de Nolan al realizar una de las primeras campañas virales de promoción de una película, y sin duda la más recordada y espectacular acción de marketing en el cine reciente. Todo ello llevó a El Caballero Oscuro a ser considerada aún a día de hoy la mejor película de superhéroes de todos los tiempos, y encumbró a Christopher Nolan al olimpo de los directores más influyentes y respetados del cine contemporáneo.

Y es que Nolan no se había dormido en los laureles con esta continuación. Todo en The Dark Knight era más grande, más espectacular, más ambicioso. A nivel técnico Nolan seguía avanzando, siendo un pionero en el uso del formato IMAX, con el que llegó a rodar escenas enteras para ser vistas específicamente en cines con esa capacidad. No como un mero adorno tecnológico sino con un auténtico propósito en la narrativa visual de la cinta. De nuevo otra constante en Nolan, la técnica al servicio del cineasta y no al contrario. Hemos visto a otros cineastas, desde George Lucas a James Cameron o Peter Jackson sucumbir a los cantos de sirena del abuso de la tecnología en aras de una espectacularidad en ocasiones vacía de contenido pero Nolan, como Alfonso Cuarón (por poner un ejemplo reciente) utiliza los avances como una muleta y no como silla de ruedas. De hecho si por algo destaca Nolan en el apartado visual es por su defensa a ultranza de la proyección en los clásicos 35mm., oponiéndose al avance imparable del formato digital de proyección, convirtiéndose junto con nombres como los de Quentin Tarantino, Judd Apatow, JJ Abrams o Paul Thomas Anderson en los mayores adalides del modo clásico de ver la cinematografía. Es por ello que Nolan es conocido también por controlar de manera obsesiva cómo se proyectan sus películas en las salas, llegando a visitar varias de ellas para supervisar el color o el sonido que llegará al espectador. De nuevo el respeto por el espectador y a la frase con la que comenzaba este apartado. La obligación del cineasta de hacerle llegar al espectador su obra de la forma más perfecta posible. Hoy en día que los espectadores somos poco más que porcentajes y números en la recaudación de una cinta, es de admirar que aún pervivan personalidades como la de Nolan o la de Stanley Kubrick anteriormente, que a pesar de realizar películas para una audiencia masiva quieren controlar cada parte no de su producción sino de su creación. Cineastas que al fin y al cabo sobrepasan el concepto de producto y ensalzan el olvidado concepto de obra.

Pero no todo han sido loas al trabajo de Nolan. Y es que con la saga de Batman y debido a la propia idiosincrasia del personaje, Nolan tuvo que enfrentarse a un elemento con el que no había trabajado en su carrera y que sería uno de los puntos más criticados por sus detractores: las escenas de acción. Ya en Batman Begins muchos espectadores se quejaron de lo caóticas que resultaban las escenas de lucha, en las que debido a su planificación y montaje apenas nos percatábamos de lo que sucedía: como ejemplo, la primera aparición del murciélago en los muelles o la pelea contra los hombres de Ra’s al Ghul. En ambas vemos cómo Nolan quiere representar a Batman como una sombra rápida pero el montaje y la propia realización convierten las escenas en un caos de planos encadenados casi sin continuidad unos con otros. La situación se vería agravada en El Caballero Oscuro con la que es una de las escenas más desastrosamente rodadas desde el punto de vista cinematográfico de la carrera de Nolan y a la vez, paradójicamente, de las más alabadas y recordadas de la cinta: el ataque del Joker y sus secuaces al furgón en el que viaja Harvey Dent. Tal fue el revuelo que se produjo con la escena que incluso se llegaron a realizar exhaustivos análisis explicando los fallos de la misma tanto de rodaje como de montaje como el que podéis ver en este enlace.

Tras Batman Begins y El Caballero Oscuro Nolan completaría su tríptico sobre el Señor de la Noche con la tercera entrega, El Caballero Oscuro: La Leyenda Renace. Estrenada en 2012, The Dark Knight Rises dividió más que sus anteriores películas a crítica y público; a pesar de ello fue un éxito descomunal de taquilla en todo el mundo aunque sin alcanzar las cotas de su predecesora. Muchos vieron en Rises el cansancio e incluso una cierta dejadez narrativa de un Nolan cuya carrera había pasado casi diez años orbitando alrededor del personaje de Batman y que aseguraba con una sospechosa constancia en cada entrevista que aquella sería la última instancia que haría del héroe, que con Rises terminaba definitivamente su etapa al frente del Caballero Oscuro y, por lo que hoy sabemos, con su relación directa con el cine de superhéroes, a pesar de haber ejercido después funciones de productor en El Hombre de Acero de Zack Snyder. No confundamos eso sí cansancio con resentimiento hacia el género, del que Nolan hablaba esta misma semana durante la promoción de Interstellar en los siguientes términos al ser preguntado por la actual explosión de superhéroes cinematográficos y si mantiene abierta la opción de volver a rodar sobre ellos: “No lo veo como un género limitado. Si lo hiciera, nunca hubiera trabajado en ese género durante diez años. Creo que como cualquier género, como el Western, tiene oportunidades ilimitadas. Se trata sobre todo del apetito de la audiencia”. Sobre si volvería al género, Nolan es (casi) tajante: “Creo que tuve una gran experiencia con el género de superhéroes y tuve la oportunidad de explorar muchas cosas, pero fue una gran década de mi vida y me cuesta imaginarme volviendo a ella. Pero nunca digas nunca jamás.» A pesar de su humildad es justo decir que Christopher Nolan revolucionó el cine de superhéroes, creando una tendencia de realismo y calidad a la que aún hoy se agarran muchas producciones para aumentar su credibilidad. Y con El Caballero Oscuro ascendió al Olimpo de las segundas partes que ensalzan el concepto de secuela, colándose ya como un patrimonio cultural en las conversaciones de los cinéfilos junto a El Padrino II o El Imperio Contraataca. Pero Nolan no estuvo dedicado completamente a Batman en esa década como veremos a continuación. Y es que no todo iba a ser Batman en la carrera de Nolan.

¿Estáis mirando de cerca?
-Alfred Borden (Christian Bale), The Prestige

La saga de Batman duró desde 2005 hasta 2012 y entre cinta y cinta Nolan se dedicó a rodar dos películas más, proyectos más personales y que cinematográficamente hablando nos hablan más de las inquietudes de Nolan que la saga del murciélago. Hablamos de The Prestige (El Truco Final) e Inception (Origen). La primera se estrenaría en 2006 y de nuevo el guion correría a cargo de Christopher y Jonathan Nolan, basándose esta vez en la novela del mismo título escrita por Christopher Priest. En El Truco Final seguimos la historia de dos magos (interpretados por Christian Bale y Hugh Jackman) cuya rivalidad por conseguir el mejor truco en sus espectáculos les lleva a un dramático enfrentamiento en el tiempo. El título original, The Prestige, hace referencia al tercer acto de todo truco de magia, donde se desvela la ilusión, el golpe de efecto final que hace terminar el espectáculo, como bien explica el personaje de Cutter, interpretado por Michael Caine, en la cinta:

“Todo efecto mágico consta de tres partes o actos. La primera parte, es la presentación: el mago muestra algo ordinario, una baraja de cartas, un pájaro o una persona. El mago lo exhibe, os puede invitar a que lo examinéis para que veáis que no hay nada raro. Todo es normal. Pero claro, probablemente no sea así. El segundo acto es la actuación: el mago, con eso que era ordinario, consigue hacer algo extraordinario. Entonces intentareis descubrir el truco, pero no lo conseguiréis porque en el fondo no queréis saber cuál es. Lo que queréis es que os engañen. Pero todavía no aplaudiréis. Que hagan desaparecer algo no es suficiente, tienen que hacerlo reaparecer. Por eso todo efecto mágico consta de un tercer acto, la parte más difícil, la que nosotros llamamos El Prestigio.”

Leyendo este extracto de la película podemos comprender por qué interesó a Nolan este proyecto y es que Cutter está hablando, al fin y al cabo, de las partes básicas de toda narración y por extensión de toda película. Presentación, nudo y desenlace, sí, pero a la manera que le gusta a Nolan en la mejor tradición del cine de suspense, usando el símil de la magia como espejo para reflejar el cine: esconder una carta, llevar la atención del espectador hacia otra y hacerle partícipe del engaño. La misma estructura que podíamos encontrar en cintas tan diferentes como Following o Memento. En The Prestige volvemos a encontrarnos a la mejor versión de Nolan detrás de la cámara con una dirección y una puesta en escena impecables siendo su primera película de época (la acción se sitúa en Londres a finales del siglo XIX). Siguiendo con las analogías cinematográficas, Nolan también habla sobre los avances tecnológicos en la figura de Nikola Tesla (interpretado nada más y nada menos que por David Bowie) que con sus descubrimientos (aunque eclipsado en la Historia por Thomas Edison) no sólo convulsiona la tecnología de la época sino también otros campos donde puede ser aplicada, como es el caso de la magia en la película. De los trucos artesanales se pasa a los tecnológicos y no es difícil pensar que Nolan cree que por el camino se pierde algo de esa “magia” también en su profesión. Del rodaje clásico a la era digital. De la proyección en 35mm. a almacenar la película y proyectarla desde un ordenador. Nolan reflexiona sobre todo esto pero manteniendo de nuevo el aura de película comercial y producto de entretenimiento.

Nolan utiliza también en The Prestige, como ya vimos en Following y Memento y veremos en Inception, y es el giro de guion que trastoca la trama, el Prestigio de Nolan por así decirlo. Es el aspecto donde Nolan más se aproxima a otro referente (aunque este desgraciadamente en declive) de nuestra época, M. Night Shyamalan. El Nolan escritor tiene muy claro el carácter de sus personajes y es muy firme en su psicología y comportamiento, pero donde suele arriesgar es en la estructura misma de la trama. Ahí es donde se enfrentan el Nolan narrador y el Nolan prestidigitador, corriendo riesgos argumentales que, por la ambición autoral de sus películas, pueden no gustar a todo el mundo. Nolan lo entiende como un riesgo a correr para hacer atractivas sus películas más allá de su mensaje o historia. Es aquí donde vemos al Nolan más entrañable, el que ha madurado como cineasta pero no puede evitar seguir jugando con las historias como un niño con sus juguetes y, lo que es mejor, que siente la emoción de esconder al espectador todo lo posible los detalles de la trama para sorprenderle donde siente que debe hacerlo de verdad, en la sala de cine. El secretismo de los guiones y los rodajes de Nolan es algo ya clásico en Hollywood: cuenta el propio Michael Caine que Nolan fue a su casa con el guion de Batman Begins para que lo leyera y preguntarle si aceptaría el papel de Alfred; cuando Caine le dijo que lo leería y le enviaría un mensajero de vuelta, Nolan se negó y le pidió que lo leyera en el momento para volver a llevarse el guion; así, la mujer de Caine invitó a Nolan a un té (la bebida favorita de Nolan, que siempre lleva un termo encima) mientras Caine leía el guion. Nolan actúa con sus historias como un mago con los secretos de sus trucos y no hay más que ver los tráilers de Interstellar, en los que apenas se nos dan pinceladas de la trama sin llegar a contarnos nada, para entender que es un rara avis en una época en que tienes la sensación de haber visto la película y saber cómo va a terminar tras un avance de dos minutos.

Tras El Truco Final y el éxito que supuso El Caballero Oscuro, Nolan decidió rodar entre ésta y la conclusión de la trilogía de Batman otra película: Inception (Origen). La película más ambiciosa de Nolan como autor hasta el momento, sin contar la trilogía de Batman. En Origen Nolan volvía a contar con actores fetiche como Cillian Murphy o Michael Caine, y a ellos añadía nombres como el de Leonardo DiCaprio, Ellen Page o Marion Cotillard para contarnos una historia sobre unos peculiares ladrones que se introducen en los sueños de sus víctimas para, a través de su subconsciente, sustraerles información. El guion, escrito de nuevo por el propio Nolan, nos llevaba por una trama en forma de capas de la realidad donde los sueños se solapaban unos con otros otorgando a la película varios frentes de realidad, lo que permitía a Nolan jugar con la narrativa de un modo tan arriesgado como en Memento, obligando de nuevo al espectador a estar extremadamente atento a lo que pasaba en pantalla. Lo onírico y lo real se confundían en una historia que hablaba de las redenciones, de un hijo que se reencuentra con su padre y un padre que quiere reencontrarse con sus hijos. Nolan quiso, esta vez sí, hacer el mecanismo de relojería narrativa perfecto y lo consiguió, haciendo que los espectadores participaran de la trama y fueran desglosando sueño tras sueño en locas teorías que aún hoy se siguen escribiendo sobre la cinta, y por supuesto dejando la puerta abierta a interpretaciones con ese final ambiguo que, de nuevo, daba un golpe de efecto a la trama, dejando al espectador preguntándose si lo que acababa de ver no era realmente un gran truco de magia como en The Prestige. Origen también fue el filme más aclamado de Nolan por la Academia, consiguiendo ocho nominaciones a los Oscar de las que se llevaría cuatro estatuillas (técnicas, eso sí) y uno de los mayores éxitos de taquilla de Nolan, recaudando la impresionante cifra de 292 millones de dólares sólo en Estados Unidos, algo casi impensable para una película original y con un argumento tan alejado de las grandes superproducciones de Hollywood. Con Origen, Nolan demostró ser un imán para la taquilla, más allá de contar con grandes figuras entre el reparto el sólo hecho de nombrar a Christopher Nolan en los avances ya era muestra de calidad y espectacularidad. De este modo, Nolan conseguía ser admirado no sólo por el espectador de blockbuster y palomitas sino también por el cinéfilo y el aficionado. Y ya de paso por el productor de Warner, que lo tenía como su director estrella. Doce años después de su debut, Christopher Nolan se había convertido en uno de los directores más respetados y taquilleros del cine contemporáneo. Incluso tenía su legión de fans acérrimos, heredados en gran parte del extremismo entusiasta del mundo del cómic: los nolanistas.

La ley de Murphy no significa que vaya a pasar algo malo, sino que si algo puede pasar, pasará.
-Cooper (Matthew McConaughey), Interstellar

Christopher Nolan estrena este viernes su última película, Interstellar. Rodeada de un gran secretismo, cuenta la historia de un futuro probable en el que la Tierra ya no pueda abastecerse más de sus cultivos y tenga que buscar la solución a su supervivencia fuera del planeta, para lo que se plantea el viaje interestelar a raíz de la teoría de poder viajar a través de agujeros negros y así buscar planetas extrasolares que puedan salvar a la Tierra de su funesto destino. Para tal misión se elige a un piloto e ingeniero, interpretado por Matthew McConaughey, que deberá abandonar a sus hijos para comenzar un viaje que puede no tener retorno. Nolan ha planteado Interstellar como su película más ambiciosa hasta la fecha, con desafíos técnicos que no había abordado en su carrera y que es una nueva prueba de fuego para comprobar la solidez de su carrera ahora que ha dejado atrás la trilogía de Batman que lo encumbró.

Sin duda Interstellar es una de las películas que más expectación ha despertado en los últimos tiempos y cada nuevo tráiler hacía dispararse la impaciencia de los aficionados ante la primera incursión en la ciencia ficción espacial del director británico. Por primera vez le acompaña un director de fotografía diferente, Hoyte van Hoytema (Her, El Topo, Déjame Entrar) pero por lo visto en los avances la transición desde Wally Pfister ha sido impecable. Por lo visto hasta el momento de Interstellar parece que nos encontraremos ante su película más espectacular y a la vez emotiva (quizás la asignatura pendiente de Nolan); Christopher y su hermano Jonathan vuelven a encargarse del guion de manera conjunta, basado esta vez en una historia del físico teórico Kip Thorne, y es que Interstellar pretende contar la exploración espacial desde una óptica lo más realista posible; para ello la cinta ha contado además de la supervisión de Thorne de un conjunto de asesores científicos que han ayudado a Nolan y su equipo a crear la que pretenden sea una de las representaciones más fidedignas de la exploración espacial (dicen que Nolan hizo hincapié en que hasta el movimiento de las estrellas en el paso del agujero negro fuese lo más –teóricamente- real que fuera posible). Más allá de consideraciones técnicas, Nolan ha querido recuperar el espíritu de 2001: Una Odisea en el Espacio, de la que rescata una reflexión sobre este tipo de películas: que la exploración espacial no deja de ser un viaje de descubrimiento al interior del propio ser humano.

Tal ha sido el ansia de perfeccionismo de Nolan con Interstellar que de manera accidental ha servido para realizar un descubrimiento científico del que se esperan incluso artículos de investigación basados en el hallazgo: cuando el director preguntó a Thorne cuál sería el aspecto de un agujero negro con vistas a representarlo de manera fiel en la película, el físico colaboró con los diseñadores de efectos especiales aportándoles ecuaciones que contribuyeran al diseño del fenómeno. Tras almacenar unos 800 terabytes de datos para la recreación, el trabajo dio como resultado esta imagen, que Thorne describió como la muestra más fidedigna que la física teórica puede dar de un agujero negro. “Se trata de nuestros datos de observación, es así como la naturaleza se comporta”, declaró Thorne. Todo esto no es sino una muestra más de la rigurosidad de Christopher Nolan y la meticulosidad que vuelca en cada una de sus películas. El viernes podréis comprobar si nos ha gustado o no Interstellar, si toda la expectación a su alrededor estaba justificada. Dándose una vuelta por internet y dadas las primeras reacciones, algunas tibias y otras entusiastas, no cabe duda de que el cine de Christopher Nolan genera una gran división de opiniones y unas reacciones viscerales en los aficionados. Pero ¿no es acaso esa la esencia de todo creador?. Todos los libros, ensayos y monográficos que se han escrito sobre él coinciden en su tremendo talento como director y su dominio de la técnica y la narrativa, pero no se atreven a definirle como un visionario. Quizás no lo sea, y el tiempo dirá si sus películas son vistas como obras atemporales o meros productos de entretenimiento. Cuando era más joven tuve la oportunidad de redactar un trabajo para la universidad en el que, junto a un compañero, hacíamos un repaso a la Historia del Cine y a los cambios que ha experimentado, desde el cine mudo al Hollywood clásico, de los rudos años setenta a la explosión del Hollywood cuna del entretenimiento; cuando llegamos al año 2000, muchos cineastas nos vinieron a la mente para aquel ambicioso collage: Zemeckis, P.T.Anderson, Soderbergh… pero sobre todo nos fijamos en Nolan y su Memento, que se había estrenado en aquellos días. En el entusiasta ardor juvenil creo recordar que llegué a decir que marcaría un antes y un después en la Historia del Cine; supongo que por entonces el nolanismo ya habitaba en mí y aunque atemperado con los años aún sigue venerando al director londinense, uno de los pocos autores que quedan en el Hollywood comercial. Porque como bien explicaba el propio Nolan, ese tipo tímido, enigmático, extremadamente celoso de su vida privada, una persona que ni siquiera tiene correo electrónico, puntual y siempre pulcramente vestido como un hombre de otra época, “Hollywood puede ser el mayor lienzo del mundo cuando funciona bien”.

Estas semanas Nolan e Interstellar son portada de muchos medios los cuales han querido dedicar artículos y monografías al director londinense. Este pequeño resumen de su carrera que hemos realizado para vosotros con motivo del estreno de la película está basado en parte de algunos de ellos, como el excelente artículo que le dedicaban en el New York Times, cuyo redactor pudo pasar unos días acompañando al siempre esquivo con la prensa Nolan, o este otro del Wall Street Journal junto con libros dedicados al director como The Fictional Christopher Nolan de Todd McGowan cuya lectura os recomiendo si estáis interesados en obtener una visión más cercana sobre Christopher Nolan como cineasta y sobre su obra. También se han producido en estos días previos al estreno de Interstellar varias reacciones a la película por parte no sólo de la prensa especializada sino también de artistas y cineastas que han tenido la suerte de asistir a pases previos. Uno de ellos fue Quentin Tarantino que, además de alabar la película y comparar el trabajo de Nolan con el de grandes directores como Andrei Tarkovsky o Terrence Malick, dedicó unas palabras a su compañero de profesión durante una entrevista en The Guardian con las que me gustaría cerrar este artículo:

“Es de hecho ese estilo clásico a la hora de hacer películas. Está dando un toque a los directores a los que les importa una mierda su trabajo y les hace reflexionar sobre su apatía, tratando de explicarles lo importante que es el cine. A mí me gustaría darles un jodido puñetazo en la cara. Pero siendo británico él está por encima de ello e intenta ser diplomático sobre el tema. Creo que pesa mucho en el respeto que ellos le tienen. No es sólo una cuestión de dólares y céntimos. Christopher Nolan sería tan buen cineasta como es, sería un cineasta tan potente como es si estuviera haciendo películas en 1975. O si estuviera haciendo películas en 1965”.

Lo dicho. In Nolan We Trust.

¿Cuál ha sido la mejor película de Christopher Nolan hasta la fecha?

• The Dark Knight (43%, 234 Votes)
• Inception (24%, 129 Votes)
• Memento (17%, 89 Votes)
• The Prestige (10%, 56 Votes)
• Batman Begins (3%, 16 Votes)
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