#ZNCine – Crítica de Nunca Apagues la Luz, de David F. Sandberg

 

Dirección: David F. Sandberg.
Guión: Eric Heisserer, basado en el corto del mismo título de David F. Sandberg.
Música: Benjamin Wallfisch.
Fotografía: Marc Spicer.
Reparto: Teressa Palmer, Gabriel Bateman, Maria Bello, Alexander Dipersia, Alicia Vela-Bailey, Andy Osho, Billy Burke, Letta Lotsen.
Duración: 81 minutos.
Productora: Warner Bros./ New Line Cinema/ Rat-Pac Dune Entertainment/ Grey Matter Production/ Atomic Monster.
Nacionalidad: Estados Unidos.

 

No estoy descubriendo nada a nadie con la afirmación de que el terror es algo inherente a cualquier ser vivo. Son esas emociones que afecta de la manera más irracional y simple al sistema límbico de nuestro cerebro. Las explicaciones y las curas al miedo pueden ser de varios tipos, pero jamás habrá una solución universal para ello. Esa sensación nos embriaga de forma individual.

Así pues, el cine siempre ha resultado un buen reflejo de ese aspecto vital. Con toda la diversidad y riqueza de uno se los géneros más tradicionalmente repudiados por ciertos sectores académicos, ha analizado y apelado todos y cada uno de los posibles seres terroríficos. Nombres como Murnau, James Whale, Todd Browning, Dario Argento, Mario Bava, John Carpenter, Wes Craven, Roman Polanski, William Friedkin, Stanley Kubrick, David Cronenberg, Rob Zombie o Guillermo del Toro (por citar solo unos pocos destacados nombres de una lista interminable) han decidido dejar una huella imborrable en la retina del espectador al acercarse a ese género.

Sin embargo, al llegar al presente siglo, con las proezas técnicas del CGI, el género en su vertiente más comercial tendió más hacia el artificio, a los fuegos artificiales, olvidándose, por el camino, de lo que realmente es lo que puede llegar a sobrecogernos en una buena película de terror. Y no son los jump scares (cosa que puede hacer cualquiera si lo pilla desprevenido a otra persona, sin necesidad de pasar por la experiencia cinematográfica), precisamente.

Ahora revisemos el corto que realizó el cortometrajista escandinavo David F. Sandberg, que se convirtió en uno de esos vídeos virales que circulan constantemente en las redes sociales, y gracias al cual, ha conseguido llamar la atención de la gente adecuada:

En él se puede apreciar algunas señas de potencial. La primera de ellas consiste en ubicar uno el miedo más primario según Lovecraft: la oscuridad, y por ende, lo desconocido, lo que no podemos reconocer, en un lugar que nos resulta, en primer lugar, cotidiano y en el que creemos estar más seguros, y, por otro, el hecho de ubicar la acción temporalmente en el momento en el que deberíamos estar plenamente relajados.

Ahí se realiza un ejercicio de tensión constante, con un ritmo que no da respiro, visualmente sugerente, en el que la interpretación de Lotta Lotsen aporta credibilidad al corto. Es algo con lo que nos podemos llegar a sentir identificados en mayor o menor medida y que funciona notablemente bien para un formato de duración breve. Y queda plantearse, ¿Cómo funciona esto en una película?

El filme viene auspiciado por uno de los directores de género de mayor peso en la industria: James Wan, creador de la saga Saw y de Expediente Warren. Si algo es él, es alguien que logra conectar con el público, que se ve atraído a ver sus propuestas. Wan, más o menos errático, ha logrado labrarse una carrera y una reputación y lograr destacar en un Hollywood cada vez más industrial y menos autoral.

Sandberg, un primerizo, pretende que esta ópera prima ser una carta de presentación hacia el público. Pero no logra trascender de lo convencional, de la mediocridad del olvido, por una falta absoluta de riesgo. Va a sota caballo y rey, en su breve duración.

El guion, a cargo de Eric Heisserer, con una carrera basada en remakes y secuelas, a pesar de rozar la ridiculez por momentos, y por resultar tramposo y con ciertos agujeros y callejones sin salida, tiene algunos aciertos que le hace redimible, hasta cierto punto. Por un lado, el emplear personajes que no sean condenadamente estúpidos que hace que provoque en el espectador la muerte más atroz posible, resulta algo digno de mención.

Por otro lado, también creo que, aunque esté tristemente desaprovechado, poner al mismo nivel el terror y la impotencia de algo mundano (las enfermedades mentales, la pérdida de alguien cercano, la desestructuración familiar…) al que podemos llegar al sentir cuando entramos en contacto con lo sobrenatural, aquello a lo que no tenemos explicación todavía.

Si hay que mencionar algo meritorio respecto a la labor, sería, tal vez la dirección de actores, ya que logra sacar buenas interpretaciones de todo el reparto. Empezando por Teresa Palmer, que es la que, tal vez, tenga un rol e mayor protagonismo en el filme, que dota de cierta credibilidad a su personaje, aun a pesar de que el guion caiga en ciertos topicazos. El personaje es salvable, debido a que consigue superar esos clichés para convertirse en el personaje con el que más se puede llegar a empatizar. Su hermano, al que da vida el joven actor Gabriel Bateman, nos da una solvente interpretación, aunque algo falta de carisma. Por otra parte, tenemos a la madre de ambos: Maria Bello, la cual aporta un interesante papel como una persona desequilibrada, y responsable directa o indirecta de los males de la familia. La actriz logra incomodar con su presencia, aunque no termina de impactar todo lo que debiera. Por otro lado tenemos un Alexander Dipersia relegado a un rolo más secundario, que por momentos nos hace plantearnos la relevancia de este personaje (que sirve exclusivamente para justificar algunas de las artimañas del guion). A la espectral Diana le da vida Alicia Vera-Bailey, que se queda a medio gas en su interpretación física, ya que simplemente se dedica a imitar a lo ya visto una y mil veces, sin lograr ser memorable en ni un solo fotograma.

Sandberg traiciona la suciedad y ordinario que pudiera tener el corto original para optar por una puesta en escena pulida y clasicista, que si bien no crea nada que no hayamos visto una y mil veces, sí que se podría afirmar que no cae en ser un intento fallido. Es un producto, que si bien hay cierto defectos que se le puede achacar, proporciona lo que promete, lo cual, viendo el nivel generalizado de los blockbusters veraniegos y de muchas cintas de género que llegar a nuestras carteleras, parece ser que eso hace que la película esté por encima de la deficiente media.

Aunque eso no es suficiente para que podamos llegar a considerarla una obra destacable. Si hace pocos meses presenciamos la llegada de una obra innovadora como es La Bruja, a la vez que nos recuerda algunos elementos que el mejor terror se dejó por el camino, o películas como la notable Expediente Warren: El Caso Enfield, ¿No deberíamos ser exigentes con todos y cada uno de los productos que se nos ofrecen? Aún más siendo conscientes de lo que Sandberg puede dar de sí, si prestamos atención a su carrera de cortometrajista.

Sandberg firma una obra que parece estar realizada con escasas ganas, muy falta de ambición, de realizar algo memorable, lo cual sorprende siendo una ópera prima, además de una introducción al mainstream, al cine comercial.

La escenografía, tal vez, sea uno de los aspectos en el que parecen haber prestado mayor atención, ya que cuestiones como la casa donde vive el personaje de Bello, o los maniquíes (que originalmente eran del dueño de la casa, y decidieron emplearlos dentro de la película, a pesar de que no sean nada que vaya más allá del ámbito visual, lo cual provoca que no tenga en absoluto ninguna justificación narrativa su presencia) tal vez sean los escenarios y atrezzo que mayor intención icónica denotan.

Por otro lado, en la fotografía de Marc Spicer hay mayor pretenciosidad, que va por el camino correcto, al seleccionar una iluminación natural en algunas secuencias, que estaban exclusivamente iluminadas por velas o por linternas. Esa iluminación hace de la película algo menos artificiosa, aunque en ningún momento termina de explotar todas las posibilidades (cuestión a la que ya se han dedicado previamente cineastas mucho más consagrados).

El montaje, es eficiente y tiene algún ejercicio de estilo en determinadas secuencias, pero en ningún momento se aleja de la zona de confort, y junto al sonido (mal de muchas películas de género actuales) hay una dependencia excesiva, cuando no, abuso, del jump scare como herramienta principal para sugestionar al espectador. Sin embargo, el montaje sonoro de la película tiene un gran peso sobre el resultado final de la obra, ya que sí que sale victorioso a la hora del uso del fuera de campo y la búsqueda de sonidos inquietantes y desconcertantes. Lo mejor que se puede decir del montaje es que cumple su función narrativa, sin caer en los caos que rompan el raccord. Dura lo que tiene que durar, con las escenas necesarias, sin relleno, y con un buen ritmo, aunque no sale airoso, por ello, en la misión de generar interés del espectador, el cual puede llegar a sentir cierto tedio viendo la película, si, como es mi caso, no entra ni conecta dentro del filme.

La banda sonora corre a cargo de Benjamin Wallfisch que si bien se antoja que contribuye a generar algo de atmósfera, es exactamente igual que el resto de los aspectos del filme: anodinos. No hay ni un solo tema musical que dé nuevos significados y poder a la imagen, aunque no deja de ser un intento de ello, dando lugar a temas ambientales genéricos, sin nada que brille con luz propia.

Nunca Apagues La Luz es obra que está tremendamente autolimitada. Es una prueba fehaciente de que no siempre se pude ampliar un corto a un filme y salir airoso. Con una extensión de algo originalmente distinto, pueden llegar los problemas no solo de ritmo, si no que argumentalmente decaiga y no tenga justificación alguna. Y, por encima de todo, empobrecer en comparación con el material original. Esperemos que no sea otro ejemplo de talento a los que Hollywood tiene últimamente por costumbre quemar sin apenas inmutarse, destruyendo un futuro prometedor.