Zona Manga – Mangazine #1

Como lo oís. Esta mañana, los asistentes que paseen por el Salón se encontrarán nada más y nada menos que con esto:

Aún no disponemos de la confirmación oficial pero la foto lo dice todo. ECC Ediciones se lanza a la conquista del manga con Crows y La Canción de Apolo. Hablemos de ellas. Crows es una obra de Hiroshi Takahashi que en Japón fue publicada entre 1990 y 1998 en el magazine Monthly Shōnen Champion, además de en una recopilación de 26 tomos. Posteriormente fue reeditada en la versión kanzenban, que ocupó sólo 19 volúmenes. Desconocemos cuál será la opción que han elegido los de ECC, pero así ya sabemos que la longitud de la serie ronda los 20 números.

Sobre el contenido, Crows nos explica la historia de Boya Harumichi, un joven que empieza el segundo curso del instituto Suzuran, de Tokio, justo después de ser transferido allí. Pronto descubrimos que tiene un fuerte carácter, y aptitudes para el combate, de manera que reafirma su presencia en un contexto lleno de conflictos entre estudiantes. Todos ellos quieren convertirse en el jefe de Suzuran. Boya conseguirá unificar el instituto al aliarse con el trío dominante bajo el nombre de Ebizuka. Y después deberá enfrentarse a otras bandas de Tokio, como el «Frente de armamiento» o la escuela rival, Hosen, e incluso enemigos provenientes de fuera. Y por si esto no fuese suficiente, deberá combatir con Rindaman, un alumno solitario de Suzuran que tiene el honor de ser el único capaz de rivalizar en fuerza con él.

Por su parte, La Canción de Apolo es una obra del reputado Osamu Tezuka. Apareció por primera vez en el Shukan Shōnen Kingu en 1970 y cuenta con un único volumen recopilatorio. La historia narra las reflexiones sobre el amor de un joven llamado Shogo, quien es incapaz de sentir amor, por culpa de su tortuoso pasado; y por eso mismo tendrá visiones futuras y pasadas sobre este tema. Podéis dar por seguro que en cuanto salga publicada tendréis su correspondiente reseña en este, vuestro Mangazine.

Como hemos comentado anteriormente, el anime también será parte importante de este Salón del Manga con nada menos que tres lanzamientos y licencias a comentar.

La primera licencia es Dragon Ball Z: La batalla de los Dioses, la última película que se ha estrenado en Japón sobre la famosísima saga de Akira Toriyama, con la novedad de que el propio autor ha supervisado la creación en su totalidad. Selecta aún no ha dado fechas de publicación ni formatos, pero suponemos que saldrá en DVD y B-R como viene siendo tradición por parte de la editora española, Selecta Visión.

Fuente: Deculture.es.

La segunda licencia de la que hablaremos hoy es 5 centímetros por segundo, una película de Makoto Shinkai compuesta por tres OVAs relacionadas entre sí que narran diferentes etapas de la vida de dos adolescentes enamorados. Las películas de Makoto Shinkai se caracterizan por su avance lento y la poca existencia de diálogos, siendo el o los protagonistas los que actúan como narradores en tercera persona de la trama. En ocasiones es el propio Shinkai el que actúa de doblador en sus propios trabajos. Selecta traerá esta película a principios de 2014.

Fuente: Ramen Para Dos.

También de mano de Selecta nos llega Wolf Children (Los niños lobo), la última película del aclamado director japonés Mamoru Hosoda. Como director del estudio MadHouse desde el año 2005, a sus creaciones no les falta presupuesto en animación. Sus más destacadas películas son La chica que saltaba a través del tiempo (Toki Wo Kakeru Shojo, 2006) y Summer Wars (2009), ambas premiadas con el premio a la mejor animación en los Tokyo Anime Awards de 2007 y 2010 respectivamente.

Ficha de la serie

Volver al Índice General

Thermae Romae ha sido uno de los manga más exitosos de los últimos años. En 2012 la compañía Fuji TV lanzó el live action y se prevé que en 2014 se estrene su secuela, Thermae Romae II. Además, solo una enfermedad –cuyos detalles no trascendieron pero de la que parece haberse recuperado satisfactoriamente- impidió a su creadora Mari Yamazaki lanzar un spin-off que debería haber visto la luz en Octubre, en la revista Comic Beam. Confirmando este prestigio, la Universidad de Estudios Internacionales de Kioto ha programado una conferencia de Mari Yamazaki que tendrá lugar el 6 de Noviembre de 2013.

La conferencia, titulada «Intercambios Culturales y el poder de la palabra» pretende aprovechar la experiencia vital de Yamazaki, que ha residido en diversos países del mundo. La entrada al evento es gratuita y no requiere reserva, con lo que el aforo se completará con las primeras 800 personas que accedan al recinto en que se desarrollará la charla.

Fuente: Comic Natalie
Web de Mari Yamazaki: Sequere Naturam

Por fin termina la cuenta atrás de Toei Animation, aunque las novedades son escasas. Hay título oficial para la primera animación en 3D de Saint Seiya, cuyo título oficial es “La Leyenda del Santuario” y que se basará en la obra original del creador de la serie, Masami Kurumada que, al parecer, encabezará el proyecto y se hará cargo del guión. Kurumada ha deslizado una frase que podría indicar algo respecto al argumento: “Aquí comenzó la leyenda de Seiya”. Aunque la información es escasa, parece lógico suponer que “La Leyenda del Santuario” pretende actualizar la historia de los Caballeros, desde sus orígenes hasta la batalla de las Doce Casas. El director de “La Leyenda del Santuario”, Keiichi Sato (Karas, Tiger & Bunny), que ha declarado su pasión por el aire nostálgico de la época, se ha encargado de rediseñar el aspecto de los protagonistas. Toei Animation confirma el lanzamiento para los primeros días del verano de 2014.

En cualquier caso, algunas noticias aún resultan confusas. En un primer momento se filtró a la prensa una imagen de Pegaso que Toei Animation solicitó retirar poco después.

Por tanto, la captura que figura a la cabecera de la web promocional de la película es el único indicador fiable del aspecto visual del CGI. Junto al logo, es el único material oficialmente liberado por la compañía.

Por último, hay que destacar que se pretende estrenar la película en 80 países, con especial énfasis en Latinoamérica, y se negocia su proyección en el Festival de Cine de Berlín y en el Festival de Cannes.

Fuentes: Comic Natalie, Biglobe,
Web oficial: http://www.saintseiya2014.com/

En Occidente solo se tuvo noticia del Batman de Jiro Kuwata (8-Man) a partir del Bat-Manga (2008) de la editorial Pantheon, diseñado y recopilado por Chip Kidd. Pero en Bat-Manga solamente se traducían al inglés unas cuantas historias y, de hecho, el nombre de Kuwata ni siquiera figuraba en la portada de la versión de Pantheon. Ahora la editorial Shogakukan Creative recopila, en japonés, los 53 capítulos del manga original en tres tomos cuyo precio alcanza los 7.980 yenes, unos 59 euros. Se incluye un ensayo del propio autor acerca de sus recuerdos de Batman y comentarios del crítico de manga Kôsei Ono.

El Batman de Kuwata se publicó entre 1966 y 1967 en la Weekly Shônen King y la Shônen Gahô, revistas ambas de la editorial Shônengahosha. Shogakukan Creative ha puesto a disposición de los aficionados un lector online en el que se pueden contemplar 20 páginas.

Fuente: Comic Natalie
Lector Online: Tameshiyo

Volver al Índice General

 

Guión: Shôtaro Ishinomori
Dibujo: Shôtaro Ishinomori
Edición Japón: Asahi Sonorama (1970-1972)
Formato: 4 tomos
Valoración:

 

Estrenamos las reseñas de Manga Zone hablando de un título que, por desgracia, no se puede encontrar en nuestras librerías especializadas (aún). Y es que una de las funciones de esta nueva sección de Zona Negativa es introduciros en el mundo del manga en general, y si hay que hablar de autores u obras importantes dentro de la historia del manga, lo haremos aunque no se hayan publicado (aún, porque la esperanza la seguiremos teniendo).

A muchos de vosotros os puede sonar el nombre de Osamu Tezuka, y su apodo de El Dios del Manga, pero vamos a dejar que sea Jordi quien os hable después de una de sus obras más cruciales para la historia del medio. A mí me toca hablaros del que fue uno de sus más ilustres pupilos, Shôtaro Ishinomori, cuyo apodo es El Rey del Manga. Este título viene apoyado incluso por un Récord Guinness, el del autor de cómic con la obra más extensa del mundo (con un total de 500 volúmenes), pero la aportación de Ishinomori no se basa solo en la cantidad. Ishinomori, por ejemplo, fue el primero en crear un “supergrupo de superhéroes japonés” (Cyborg 009), algo que después seguiría desarrollando con Himitsu Sentai Gôranger (inaugurando en los años 70 la franquicia que aquí conocemos como Power Rangers). De hecho, Ishinomori se prodigó mucho en la televisión en los años setenta, y no paró de crear superhéroes para la pequeña pantalla, siendo uno de las figuras cruciales para el desarrollo del tokusatsu televisivo (la “ciencia ficción” japonesa – Ultraman, Godzilla, etc.).

De las decenas de personajes que llegó a crear, posiblemente sea Kamen Rider uno de los más recordados, y de hecho, junto a los Rangers, es el único que sigue vivo en televisión (con una serie nueva cada año), cuarenta años después de su creación. El manga de Kamen Rider apareció unos días antes del primer episodio en televisión, pero lo cierto es que Ishinomori había empezado a trabajar en la serie de TV antes que en el manga, que simplemente acabó publicándose con antelación.

Kamen Rider nos cuenta la historia de Takeshi Hôngo, un motorista profesional que es secuestrado por una organización criminal de alcance global llamada Shocker. Para llevar a cabo su plan de dominación mundial, escogen a sujetos físicamente e intelectualmente destacables y los convierten en unos superpoderosos y obedientes ciborgs, en un proceso que conlleva dos fases: convertirlos en superhumanos y luego lavarles el cerebro. Pero a mitad del proceso de conversión de nuestro protagonista, un sabotaje le libera antes de que su cerebro se vea afectado. El responsable es el profesor Midorikawa, un científico también secuestrado por Shocker y obligado a trabajar en su proyecto ciborg. Ambos escapan de las instalaciones a bordo de la Cyclone, una particular motocicleta, mientras son perseguidos por el Hombre Araña (que no tiene nada de amistoso vecino). En el fragor de la batalla, Takeshi Hôngo se acaba convirtiendo en Kamen Rider, un superhéroe cuyo traje y armadura le da aspecto de saltamontes, como ciborg tiene superfuerza y aparte de conducir bien, es habilidoso con las artes marciales; ha nacido el motorista enmascarado.

Lo que viene a continuación es una historia frenética de persecuciones, batallas contra monstruos horrorosos, muertes, nuevos héroes, malos muy malos, e incluso un mayordomo al más puro estilo Alfred Pennyworth; en definitiva, un shônen puro y duro. Pero si bien ahora estamos acostumbrados a un estilo shônen en el que las tramas se dilatan en el tiempo, se complican, y los personajes evolucionan hasta límites insospechables, en Kamen Rider nos encontraremos con una narrativa mucho más simple y directa. Y por supuesto, esto último no es en absoluto algo negativo, sino todo lo contrario. No hay florituras, no hay justificaciones absurdas, o grandes pasados ocultos que justifican el último giro argumental, y gracias Rey del Manga, no se alarga hasta el infinito y más allá (solo 4 tomos para contar toda la historia). De hecho, no deja de ser producto de su época, en la que este tipo de material solía ser totalmente franco y directo con lo que se proponía: acción a tope y punto. Esto no significa que por entonces no se hiciera shônen con cierta profundidad (algún día podemos hablar de Kikaider, del mismo Ishinomori), ¿pero no os apetece a veces ver una película de acción sin necesidad de adornos superfluos? Pues esto es lo que es Kamen Rider.

Hacer una historia de acción sin pretensiones es algo que está al alcance de muchos, hacerlo bien, ya no tanto, y hacerlo magistralmente está reservado a ciertas élites. Aunque seguramente el dibujo setentero de Ishinomori ha quedado algo caduco para mucho (aunque esto es muy subjetivo – a mí me encanta), 40 años después de su creación su narrativa visual sigue pareciendo espectacular. La primera persecución que vemos en el manga es de quitar el hipo, no solo por su endiablado ritmo, sino también por su espectacularidad. Ishinomori aprendió muy bien del maestro Tezuka en lo que respecta a esa narrativa cinematográfica tan característica del manga (y que tantos años tardaron en aplicar otros tipos de cómic), pero es que con Kamen Rider y tantos otros manga lo llevó incluso a cotas más altas. No es de extrañar pues, que su relación con la pequeña pantalla fuese tan fructífera, y que en tantas ocasiones las televisiones acudiesen a él, y a su talento para la acción, para llenar la parrilla de superhéroes de todo tipo.

A pesar de ser considerado el Rey del Manga, en nuestras librerías especializadas apenas encontraremos un par de sus manga: Musashi y Hokusai (tres si contamos el horroroso remake de Kikaider que publicó Planeta en 2008). Y si tenéis interés por Kamen Rider pero el japonés se os resiste, hay un par de opciones. Desde hace meses la web Comixology ha empezado a editar digitalmente algunos de los manga de Ishinomori en inglés, y este mismo verano, en Francia se ha empezado a publicar Kamen Rider en una edición fantástica (por supuesto, en francés). Nosotros seguiremos esperando, pacientemente, que algún día alguno de nuestros editores se anime a publicar uno de los personajes más famosos del Rey del Manga, que además es una fantástica obra de acción y tokusatsu en estado puro.

Volver al Índice General

 

Guión: Osamu Tezuka y Shinichi Sakai
Dibujo: Osamu Tezuka
Edición España: EDT (2008)
Contiene: Shin Takarajima JAP (Ikkuei Shupan, 1947 / Kōdansha, 1980)
Formato: Tomo manga con sobrecubiertas de 232 páginas
Precio: 8,95€
Valoración:

 

El apelativo de «dios del manga», asociado recurrentemente a la figura del mangaka Osamu Tezuka, no tiene nada de gratuito, el cómic japonés y también la animación, conocieron su verdadera génesis gracias al seminal trabajo de este autor, un incansable narrador de historias y creador de voluntad autocrítica y siempre inquieta y ambiciosa. Pero todo genio tiene sus catárticos inicios, para conocer los de Osamu Tezuka nos hemos de desplazar a los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, una época en la que el autor empezaría a publicar sus primeros trabajos, acabando por entrar en contacto con su compañero Shinichi Sakai con el que se aliaría y colaboraría para crear La nueva isla del tesoro, su primera gran obra que vería la luz en la de la mano de la editorial japonesa Ikkei Shupan.

La historia se inspiraba muy libremente en La isla de tesoro del escritor Robert Louis Stevenson y sería el primer libro manga publicado íntegramente sin ser previamente serializado mostrando además una revolucionaria narrativa claramente influenciada por elementos ajenos a la cultura propiamente nipona como eran el cómic americano, la animación estadounidense heredera de los Estudios Fleischer y las primeras producciones de Walt Disney o, en general, el cine, un referente decisivo y básico en la carrera de nuestro protagonista. El impacto de La nueva isla del tesoro sería inmediato, el público infantil al que iba destinado la historia no estaba acostumbrado a ese despliegue de medios, las pintorescas aventuras, los divertidos personajes, las grandes dosis de acción.

Todo parecía nuevo. Por supuesto, no lo era, la interpretación de Osamu Tezuka del guión de Shinichi Sakai era la diferencia, era lo que conseguía dotar al relato una intensidad y emoción nunca antes vistas. Sin embargo, Osamu Tezuka nunca estuvo satisfecho con el resultado de La nueva isla del tesoro, su compañero le había obligado, para desagrado suyo, a cambiar sustancialmente su propuesta original, incluyendo un giro radical en el final del relato y modificaciones de sus «incomprensibles» diálogos. Mientras, para acabar de rematar la jugada, la editorial recortaría muchas viñetas y páginas para reducir el grosor de la obra. Esta «censura» del trabajo de Osamu Tezuka más el hecho de que la obra acabase siendo publicada sólo bajo el nombre de Shinichi Sakai explicarían fácilmente porque el autor se negaría y bloquearía durante décadas la reedición de La nueva isla del tesoro. Pero pasado el tiempo, llegados los años ochenta, la editorial Kōdansha propietaria de los derechos estaba realizando por entonces una antología de obras completas del mangaka reunidas bajo el título de Tezuka Osamu Manga Zenshû para la que deseaba contar con la histórica La nueva isla del tesoro.

Finalmente, por suerte para nosotros, llegarían a un acuerdo con Osamu Tezuka para volver a reeditar la obra aunque con la condición de que él mismo se encargaría de redibujarla y recuperar la versión original de la misma. Por lo tanto, La nueva isla del tesoro que hoy podemos leer no es exactamente la que se publicó en el año 1947, pero la oportuna pérdida de originales de la obra y la trayectoria y el nombre de Osamu Tezuka, en detrimento de la de Shinichi Sakai, han logrado «hacer justicia» recuperando la visión del primero y haciendo que esta haya acabado imponiéndose. En todo caso, el espíritu ingenuo y simple del original sigue inalterable, mientras gráficamente resulta imposible no reconocer en ella el trazo y formas del creador de Buda, Adolf o El Libro de los Insectos Humanos.

¿Pero de qué trata La nueva isla del tesoro? La historia sigue las peripecias de Pete, un chico con una imaginación desbordante y ávido de aventuras, cuando encuentra un mapa del tesoro y junto a su compañero y amigo, el Capitán Mostacho, recalan accidentalmente en una isla llena de peligrosas bestias, perseguidos por el terrible pirata Boar, asesiados por mil y una trampas y con la única ayuda de misterio personaje llamado Barón. Esta sencilla premisa, marcada por un tono claramente dirigido a un público infantil, tiene su mayor virtud en la fuerza narrativa desprendida de sus páginas, para ello Osamu Tezuka utilizó viñetas grandes y expuestas siempre de forma vertical, como si fuesen fotogramas o planos abiertos para ser contemplados en una pantalla de cine, otorgando todo ello un gran dinamismo y un ritmo desbordante a la historia que cautivaría a toda una generación de lectores.

Esta misma resulta muda en muchas de sus partes, jugando su autor simplemente con las transiciones y la acción imprimida a la obra, haciendo casi innecesario cualquier tipo de texto o diálogo por la naturalidad y claridad de su narración. El lenguaje cinematográfico se cuela por todos los resquicios de La nueva isla del tesoro, una obra básica e imprescindible para comprender la evolución del manga hacía su concepción moderna, pues en ella se puede encontrar su génesis, y también, por supuesto, para conocer los primeros pasos de un siempre insalvable Osamu Tezuka. Es con esos ojos, centrados en el carácter histórico de este relato, con los que debemos acercarnos a esta obra, trasladándonos a unos tiempos de magia y en los que todo parece seguir siendo nuevo e increíble.

Volver al Índice General

 

Guión: Hiromu Arakawa
Dibujo: Hiromu Arakawa
Edición España: Norma Editorial (2013)
Contiene: Hyakushō Kizoku (Shinsokan, 2008)
Formato: Tomo manga con sobrecubiertas de 124 páginas
Precio: 7,50€
Valoración:

 

Nunca está de más insistir en esto, porque a veces cuesta de creer, pero es cierto que en Japón hay manga de casi cualquier tema. Un ejemplo claro es Aristocracia Campesina, uno de los más recientes títulos de Norma Editorial, que acaba de publicar su segundo tomo. Se podría definir de muchas maneras este manga: una comedia, un manga costumbrista, un manga didáctico, e incluso un manga autobiográfico. Y a pesar de ser todo esto y más, es difícil de clasificar. Así que lo mejor será explicar, a grandes rasgos,en qué consiste.

Es un manga autobiográfico porque nos cuenta la vida de su autora antes de dedicarse a hacer manga, cuando vivía en Hokkaido en su granja familiar. Es un manga didáctico porque básicamente se dedica a explicar como funcionan las cosas en el campo. Es decir, que cuenta como hay que cultivar la tierra, como tratar al ganado, llegando a detalles tan exhaustivos como el de explicar como se hace la selección genética en cuanto a la cría de vacas. Es una manga costumbrista porque, al fin y al cabo, nos explica como es la vida en una granja, las relaciones familiares, y otros aspectos que rodean la vida en la isla norteña de Japón. Y por último, es una comedia, porque todo está contado con gran sentido del humor, lleno de anécdotas graciosas (y/o curiosas). De hecho, los miembros de la familia y la propia autora aparecen caracterizados como vacas, y todas las historias se cuentan en pocas páginas, más en la línea de una tira cómica,que en la de un cómic con introducción, nudo y desenlace.

Sin duda, estamos ante uno de los manga más atípicos que se han publicado por estos lares, y si tenemos que buscar títulos parecidos, solo se me ocurre un one-shot llamado Vídas Etílicas, que editó Ivrea hace ya unos cuantos años (que por cierto, también era de una autora de manga). En este manga la mangaka en cuestión explicaba su vida en relación con la ingesta de alcohol, con ese humor tan característico, tan gráfico, y a veces incluso absurdo, al que los japoneses nos tienen acostumbrados. Bueno, quizás no tan acostumbrados, porque por ahora son pocos los manga de este estilo que se publican aquí. Aristocracia Campesina, aunque no es un “yon-koma” (que es como llaman a las tiras cómicas de cuatro viñetas en Japón), gasta ese mismo tipo de humor, recursos narrativos y gráficos, es uno de esos manga en los que pasan varias cosas a la vez (algunas en primer plano, y otras en segundo plano), y que se leen de forma relativamente rápida (más que nada, porque algunas explicaciones que da son bastante técnicas, aunque siguen siendo amenas). Es uno de esos manga que se pueden ir leyendo a ratos cortos, porque no hay un argumento que seguir, pero que se termina rápido por su endiablado ritmo. Y la pena es que los tomos tienen menos páginas de lo habitual.

¿Pero por qué Norma Editorial se ha lanzado a editar algo tan particular? La respuesta es sencilla, su autora no es otra que Hiromu Arakawa, más conocida por el gran bombazo shônen llamado Fullmetal Alchemist. Vamos, que Norma Editorial no se han vuelto locos. De hecho, parece que la idea es que estos dos tomos que se han publicado hasta ahora (tanto aquí como en Japón), sean un complemento a la obra “grande y más seria” que está publicando Norma de la misma autora, un shônen también algo atípico llamado Silver Spoon. En este manga nos cuentan la historia de un estudiante de una escuela de capacitación agraria, que poco a poco va aprendiendo el oficio de granjero, mientras aprende a valorar el mundo agrario, se cuelga de una chica, y sus compañeros le van admirando cada vez más. ¿Nos puede resultar familiar, verdad? Pues lo curioso del tema es que Aristocracia Campesina apareció algunos años antes que Silver Spoon, en 2008, época en la que la autora compaginaba la publicación de Fullmetal Alchemist y Hero Tales. Al parecer, esta locura de manga vacuno empezó a dibujarlo para poder desahogarse un poco, para poder crear algo sin tener que matarse demasiado en hacer un dibujo perfecto, o en contar una historia redonda; en definitiva, lo que se suele llamar un “divertimento”.. Pero parece que a pesar de su simplicidad en el dibujo, y lo particular de la trama, algo de éxito tendría, y es que la posterior publicación de Silver Spoon, parece indicar que, o ella misma o el editor de turno, pensaron que se podría aprovechar todo lo que estaba contando para hacer un shônen con más pretenesiones (que por cierto, ganó el premio Manga Taishô).

Tanto si estáis siguiendo Silver Spoon, como si no, Aristocracia Campesina es una lectura interesante y diferente. Tiene la virtud de explicar cosas que a priori pueden parece aburridas, y convertirlas en algo divertido. Pero cuidado, porque ni a todo el mundo le va a gustar este tipo de humor, ni a todo el mundo le apetecerá que le cuenten historias de vacas. Pero si se busca un manga distinto a lo habitual, si se quiere aprender cosas de forma amena y divertida, Aristocracia Campesina es una muy buena opción (y solo son dos tomos, por ahora).

Volver al Índice General

 

Guión: Naoki Urasawa
Dibujo: Naoki Urasawa
Edición España: Planeta De Agostini (2013)
Contiene: Happy! (ハッピー!) (Shogakukan, 1993)
Formato: Tomo manga con sobrecubiertas de 312 páginas
Precio: 14,95€
Valoración:

 

Que se publique lo nuevo-viejo de Naoki Urasawa en España siempre es motivo de alegría, estamos hablando de uno de los mangakas más respetados a día de hoy y que aunque con su última obra, Billy Bat, nos da una de cal y otra de arena de un episodio a otro lo cierto es que la calidad media de sus obras es incuestionable.

Con la publicación de sus últimas obras al día y de cara a seguir aprovechando el filón Urasawa, Planeta DeAgostini ha comenzado la recuperación de viejas obras de este autor que en su día no fueron editadas en España, de esta forma hasta hace bien poco han estado publicado su Master Keaton y ahora una vez terminada ha llegado el momento de rescatar Happy!, un curioso seinen que se publicó en Japón entre 1993 y 1999, para poner en contexto al lector con su gran obra referencia tened en cuenta que Monster se comenzó a publicar en el año 1994 y terminó en el año 2002 con lo que esta obra se encuentra en su mejor momento artístico.

¿Que encontramos en Happy!? Lo primero que el lector tiene que hacer es quitarse de la cabeza obras como Monster, 20th Century Boys o Pluto, hay poco de ellas, en esta que se acerca más al típico shonen de superación personal con pizcas de seinen y obviamente de spokon, que a la intriga rocambolesca que nos tiene acostumbrados últimamente. Su argumento no podía ser más simple a priori, trata sobre una chica de nombre Miyuki Umino que tiene que asumir una deuda millonaria que su hermano Ieyasu Umino ha contraído con la mafia japonesa, el problema es que Ieyasu ha desaparecido y a Miyuki la mafia le da dos opciones para pagar la deuda de su hermano: que abone ella la suma o que sea el seguro de vida de su hermano el que pague dicha cantidad con lo que ello conlleva.

Ante este problema y con ganas de dar facilidades los dos mafiosos encargados de cobrar la deuda le proponen trabajar en un Soap Land (club de intercambio sexual en el que las señoritas bañan a sus clientes y terminan haciéndole favores sexuales), Miyuki horrorizada ante la situación que se le plantea y mientras están haciendo zapping sus hermanos pequeños en televisión oye hablar de una famosa tenista que gana la misma suma al año que su hermano ha dejado a deber a la mafia. ¿Una quimera absurda? No tanto, Miyuki iba camino de promesa del tenis juvenil antes de tener que abandonar el deporte con la muerte de sus padres para encargarse de sus hermanos pequeños. De esta forma iniciará una carrera contrarreloj en la que de forma apresurada tendrá que recuperar el tiempo perdido, recuperar automatismos y volver a meterse en este mundo tan complejo especialmente cuando hablamos que el objetivo es convertirse en profesional, todo esto sin contar con conseguir un día más por parte de la mafia que le permita seguir avanzando hasta la difícil meta de los 250 millones de yenes.

Obviamente estando Urasawa de por medio las cosas no son tan simples a nivel de argumento, y aunque repito, su complejidad nada tiene que ver con sus obras más recientes sí que se ve claramente en este primer volumen sus ganas de contarnos algo más, de crear un argumento sólido y unos personajes con unas motivaciones bien definidas, quizás, si peca en exceso de algo es que en determinadas situaciones resulta excesivamente previsible como por ejemplo los motivos que tiene la dueña del club de tenis para no querer admitir a Miyuki, pero son detalles muy pequeños que para nada ensucian este arranque, además, ver a este Urasawa tratando el delicado mundo Yakuza siempre es un aliciente.

Respecto a la edición de Planeta DeAgostini, no experimentan con formatos y repiten el ya utilizado en Monster y más recientemente Master Keaton, tomo de 312 páginas con sobrecubiertas y papel vegetal delante de la primera portada, con las correspondientes páginas a color y un papel tan excelente como la reproducción del trazo del autor. Una edición cuidada que se antoja definitiva para el lector más exigente.

Volver al Índice General

 

Guión: Hiromu Arakawa
Dibujo: Hiromu Arakawa
Edición España: Norma Editorial (2013)
Contiene: Fullmetal Alchemist Kanzeban 1-2 JAP (Squarex Enix, 2010)
Formato: Tomo rústica con doble sobrecubierta. 266 y 258 páginas
Precio: 11,95€/u (Pack Especial Vol. 1 y 2 22,50€)
Valoración:

 

«Una lección sin dolor no tiene sentido. Eso es porque no se puede ganar sin sacrificar algo a cambio. Sin embargo, una vez hayas soportado el dolor y lo hayas superado ganarás un corazón más fuerte que todo lo demás. Así es, un corazón de acero.»

Full Metal Alchemist es uno de los mangas con el argumento más complejo que se han visto, sin tener la costumbre de andarse por las ramas, que se pueden encontrar. Así de claro, casi cualquier secundario es más profundo que los protagonistas de otros mangas de este tipo… Si es que lo podemos englobar dentro del género del shonen. Las peripecias del alquimista de acero y su hermano por el país de Amanestris distan de ser una mera sucesión de peleas y revelaciones.

Autora

Poco se sabe de Hiromu Arakawa, en parte porque ella misma lo quiere así, pues en lugar de fotografías se suele representar como el dibujo de una simpática vaca. Se crió en Hokkaido, metida de lleno en el mundo de la granja, que le dio esa visión del mundo que introdujo en Fullmetal Alchemist con la norma del intercambio equivalente. Pasando del mundo detectivesco de Shanghai Yomakikai al mundo de los alquimistas en el que estuvo durante casi diez años, a día de hoy sigue en Silver Spoon, un manga que se mueve en el entorno granjero.

Fullmetal y el parapsiquismo y la alquimia

«Somos sólo ‘uno’ dentro de ‘todo’. Pero sólo cuando esos ‘unos’ se reúnen, es cuando el ‘todo’ puede existir.»

La alquimia se mueve dentro de las reglas del intercambio equivalente. Esto es, no puedes crear nada sin dar nada a cambio, sin usarlo de tu alrededor. Que cada pequeño acto influencia a los demás. Parece una regla muy lógica, y relacionarla con el parapsiquismo que habla precisamente de eso puedo parecer forzado… Hasta que ves que uno de sus principales difusores durante la Edad Media fue el conocido como más grande alquimista de todos los tiempos, Paracelso, cuyo nombre real era Van Hohenheim… Justo como el padre de los hermanos Elric. Esta ley de la alquimia no deja de ser vertebradora de la historia en ningún momento, pues la diferencia moral entre buenos y malos se dará entre los que la respetan y los que no, el castigo al no aplicarla… Y muchas cosas que es mejor descubrir por uno mismo. Además, si alguien quiere entender las bases de la filosofía del parapsiquismo no se han explicado de manera más sencilla de la que lo hacen los hermanos Elric al entenderla.

El argumento

Edward Elric y su hermano pequeño Alphonse ven a su madre morir cuando son solamente dos niños, pero lejos de rendirse siguen estudiando alquimia para traerla de vuelta. Tras hallar el método descubren que las reglas del intercambio equivalente harán que Ed pierda su pierna y Al el cuerpo entero, perdiendo Ed el brazo para pagar el precio por poder sellar el alma de su hermano en una armadura. Ante esta demostración de poder (y sustituir los miembros perdidos de Ed por prótesis de acero llamados automails), el Estado se interesará en ellos y le otorgará a Ed el título de Alquimista Estatal de Acero, siendo el más joven de la historia en acceder al cargo, equivalente a un alto rango en el ejército. Con ese rango empezaran a buscar el método para crear la piedra filosofal que les ayude a recuperar sus cuerpos, pero durante esa búsqueda irán descubriendo cosas que nunca podrían haber imaginado y que engloban algo mucho más antiguo e importante de lo que ellos podrían haber esperado.

El alquimista de acero y otros singulares personajes

Uno de los puntos fuertes de este manga es su elenco de personajes, más allá de hacer protagonista a una pareja –los hermanos Elric- y a sus intereses románticos y a unos cuántos personajes secundarios, prácticamente todos los que se cruzan en su camino nos dejan con las ganas de saber que es de ellos.

Las gentes de ejército de Amanestris, en especial los hombres –la teniente Hawkeye incluida- de confianza de Roy Mustang bien podían protagonizar una serie, así como los príncipes de Xing, los isvalianos que sobrevivieron tras la guerra de exterminio, la familia Armstrong con Olivier y Alex a la cabeza y la tropas de la inexpugnable fortaleza de Briggs… Incluso las gentes de Reesebol, el pueblo donde se criaron los dos hermanos Elric, con la familia Rockebell que la acogió como su fueran de la suya, con la vieja Pinako y su nieta Winry, que además son las mecánicas de los automails de Edward. El elenco de los personajes se mueve con la misma complejidad que los elementos de un círculo alquímico, en el que no hay personaje cuyos actos no puedan alterar la historia por completo, aunque tan solo aparezcan en una ocasión o de modo aparentemente de fondo, pues como en la propia vida, cualquiera marca su propia impronta al conocer a los demás.

Por supuesto, como en toda epopeya debe de haber una serie de enemigos y rivales que sumen dificultades al ya de por sí duro camino de los hermanos Elric para conseguir recuperar el precio de su deseo, deseo que no les fue concedido, pero son las propias leyes de la alquimia que les niegan el deseo las que se saltan estos. El enemigo es más viejo, más fuerte y no respeta. Pero al enemigo hay que enfrentarlo, y no lo pondrá fácil… Y es que en la vida nuestros enemigos no están para ayudarnos, como parece en muchas otras obras, aunque nos acaben por hacer más fuertes si no logran hundirnos.

Crítica

He pasado bastante tiempo buscando un agujero en el argumento antes de ponerme a escribir, de intentar boicotearme a mi misma y a mi opinión sobre la obra. Pero no he podido, a pesar de haber hablado con gente que ya conociese a los hermanos, encontrar por donde atacar esta obra. Quizás que tenga un dibujo corriente y moliente, aunque nunca llega a molestar ni mucho menos que no tenga un aspecto gráfico impresionante, ya que lo compensa con unos diseños estupendos. Quizás alguien pueda quejarse de los momentos cómicos que van pegando cada vez menos en una trama que va ganando en seriedad a pasos agigantados, aunque en ningún momento quedan forzados, ni la más exagerado. Si tuviese que achacarle algo es que el ritmo es frenético, recreándose muy poco en ciertos personajes a los que vemos irse nada más aparecer, cuando se acababan de ganar nuestro cariño o interés; eso mismo lleva también al hecho de que muchas veces no captemos todo hasta una segunda lectura. La historia atrapa cada vez más, dejándonos un poco huérfanos al acabarse, aunque ya dicen que si lo bueno es breve, dos veces bueno.

Adaptaciones al anime

Para no hacerlo infinito diferenciaremos entra la primera adaptación como FMA (Fullmetal Alchemist, 2003) y FMAB (Fullmetal Alchemist Brotherhood). FMA fue la primera adaptación, y como tantas obras de manga “sufrió” el efecto de estar realizándose a la par que la obra original, por ello es mucho más lenta, tiene más relleno y a partir de determinado punto vemos como cambia. FMA es una serie entretenida, de buena calidad, pero a la que a partir de la divergencia de su obra madre empezamos a verla como algo que ya hemos visto muchas veces; buena factura, buenos personajes y buena historia. Podría haber pasado por una adaptación decente hasta cierto punto, arreglando el insatisfactorio final que tuvo con su posterior película, como parece casi obligatorio al terminar un anime. Aún así no llega a tener ese factor de enganche, aunque sea agradable. Ventaja para vagos: está doblada.

Entonces llegó FMAB en 2010, con toda la historia del manga acabada sobre la mesa. No tiene rellenos, no alarga tramas, simplemente cuenta en modo anime al manga de una manera sorprendentemente fiel, con una animación preciosista en la que podemos ver los cambios en el físico, tan sutiles y que tan poco a poco se dan, así como nos puede mostrar un estilo más caricaturesco en un momento y darnos imágenes más duras al siguiente. Aunque muchos prefieran las canciones de los openings y endings de FMA los juegos y el propio cambio de estilo que van teniendo los de FMAB es digno de ver, aun repasarlos cuando ya se ha terminado la serie y ver todo lo que nos decía.

La pregunta más frecuente suele ser si se tienen que ver los dos. No es necesario, si se hace es aconsejable ver primero FMA ya que si se ve después de FMAB sufre la comparación al no llegar al nivel de la otra, pues FMAB es uno de los mejores animes de todos los tiempos, y lo digo habiendo visto a los grandes clásicos. Además de los animes y la película de Conquistadores de Shambala que termina FMA, también ha tenido una serie de adaptaciones a novela ligera como precuela contando parte de los viajes en busca de la piedra filosofal, tres videojuegos con Square Enix para diversas plataformas y juegos de rol.

En resumen, el viaje de los hermanos Elric y de todos aquellos con los que se encuentran, merece la pena ser compartido.

Volver al Índice General

Retazos de mi vida a través de las series que me engancharon: A lo largo de la vida vas recopilando series que te marcaron de alguna forma u otra. Por el argumento, por los protagonistas, o simplemente porque la viste en el momento preciso de tu existencia. Series que en otro momento hubiesen pasado por nuestro lado sin enterarnos, pero que la providencia hizo que en ese instante, encendieras el televisor y ahí estuviese, aguardando tu atención. Este texto es un recopilatorio de las series que más me han marcado. Ahora es éste, quizá en otro momento aflorarían otros recuerdos. Hay muchas más, pero algunas las reservo para alguna reseña en el futuro (Harlock) o de las que ya se ha hablado en ZN (Slam Dunk). Lo que sí es cierto es que las tres primeras son básicas y permanecerán para siempre en el recuerdo. Pero como que no quería alimentar este TOP exclusivamente de anime viejuno, decidí incluir anime más “nuevo” pero que me había cautivado igualmente. Vamos allá!

DragonBall: Volver a hablar de DB con la de veces que se ha hecho es un poco complejo porque ya está dicho todo (o no). Por eso he preferido hacer memoria de unos cuantos momentos de mi vida ligados a esta serie. Sinceramente, ya no recuerdo si presencié el primer pase de la serie por TV3. No recuerdo que estaba haciendo ese 26 de Febrero de 1990, pero casi seguro que esperaba una nueva ración de Dr Slump. Y apareció ese niño raro con cola, viviendo solo, y que conoce una chica por primera vez. Posiblemente comenté que el dibujo parecía el de la Arale, porque un servidor ya rayaba los 15 años. El resto es historia, que se dice. Sí recuerdo la alucinada general que se montó con la gran pelea del pequeño Goku contra Piccolo Daimaoh, tomando conciencia que era su gran gran primer enemigo, que las cosas iban en serio a partir de entonces. El siguiente recuerdo que poseo, más allá de los grandes momentos de la serie, es el nerviosismo que pasé cuando estaban a punto de estrenarse los nuevos capítulos, con un misterioso personaje con el pelo lila atrayendo todas las miradas. En esa época iba a estudiar idiomas a la EOI, y recuerdo perfectamente los autobuses de Barcelona con la publicidad de TV3 (!) enseñando el careto de ese que luego sería Trunks, paseando por el Paseo Colón. La emoción era máxima. El día del estreno, volví como un rayo a casa y llegué justo cuando estaba empezando. Mi hermana, que estaba al tanto de la emisión, me gritó por la escalera que “la canción del principio ha cambiado, mola mucho!”. Nunca he subido las escaleras más rápido que en esa ocasión. Lo que presenciamos después, esa saga de los androides, fue muy emocionante y devolvió la fe en la serie. Años más tarde, cuando era consciente de que DBGT finalizaba y con eso todo DB, exclamé que se había acabado una época. Mi padre se rió. No acabó de entender que para mi, DB era como para él El Guerrero del Antifaz, algo que llevas dentro siempre. La serie aún me daría más alegrías: el anuncio de DB Kai me permitiría enseñarle a mi sobrina este tesoro que debería pasar de generación en generación. Le gustó mucho, convirtiendo la experiencia en esos placeres reservados a padres y tíos, comprobar como algo que te gusta es transmitido a una nueva generación. El último momentazo con el anime es bien reciente: el estreno de la nueva película DBZ: Battle of Gods en el pasado Festival de Cine de Sitges. Más allá de la calidad de la cinta, volver a ver a Son Goku, y encima en pantalla grande fue una gran experiencia.

El Rey Arturo: Esta serie conforma un doblete en mi memoria junto con Harlock. Siempre ha estado ahí, segundona detrás la gran capa roja del Capitán, pero también le tengo mucho cariño. La canción de cabecera es fantástica, pero me encandilaba aún más esa canción que cerraba el episodio. Tan lírica, colorista, distinta a los habituales y ortopédicos dibujos USA. Pero lo que más recuerdo es esa sensación de peligro constante. Una serie en la que cualquier personaje principal podía morir en cualquier momento. De hecho, me sorprendió el nivel sanguinario de algunos episodios, como ocurriría muchos años después con uno de los dos pases en catalán de Mazinger Z, con toda la serie ordenada y sin cortes. Nunca había visto caer desangrados a caballeros con armaduras, como tampoco había visto enfrentarse a muerte a facciones distintas de esbirros del Doctor Infierno a pies del coloso Mazinger…

Future Boy Conan: No todas las series favoritas se vieron de niño. Tuve la suerte de pillar una reposición de esta serie en la TV catalana y me dejó flipado. No en vano está codirigida por Hayao Miyazaki e Isao Takahata en algunos capítulos, entre otros. La lucha contra Industria (el centro del poder maléfico) en un futuro distópico creado por la locura humana de la carrera armamentística la recordaré siempre por la pasión y la fuerza que desprendía Conan. Una fuerza sobrehumana pero no superheroica o extraterrestre. Incluso teniendo aspectos irreales, el relato desprendía tal sentido de la aventura, la amistad y el amor de Conan por Lana (tan clásico de Ghibli), que era imposible no estar pendiente de ella. Contenía además otros elementos clásicos del shonen: peleas, aventura, malos malísimos, un gran enemigo (en este caso una organización), malos que cambian de bando, humor,… Aparte de unos opening y ending geniales y un doblaje aún mejor.

Yuyu Hakusho/One Piece: Dragon Ball marcó escuela. Y cuando algo marca escuela hay productos que intentan copiarlo. Algunos de estos productos llegan a nuestras manos. En el caso del anime, se presentó YuYu Hakusho como la heredera de DB. La verdad es que no está nada mal, sobretodo las tres primeras cuartas partes de la serie. El viaje por los infiernos monstruosos de torneos y combates fue muy divertido, apasionante, sanguinario y épico. Y tienen un archi enemigo que, aunque sea vencido en uno de los arcos, queda en la memoria de los espectadores. Pero sobretodo fue un canto a la amistad, sobretodo las duplas Urameshi-Kuwabara y Kurama-Hiei (uuuhhh). Entre estos cuatro se crean unos fuertes lazos que los unen sacrificándose varias veces unos por otros. Algunos momentos son imborrables. Me lo pasé de fábula. Otra vez, el doblaje es fantástico. Unos años después, descubriríamos One Piece, que está varios pasos por delante de YYH. OP es un shonen como la copa de un pino. Comprobar como todos los arcos están dirigidos hacia un mismo fin, dejando pistas y desvelando misterios a su tiempo y darte cuenta cómo lo tiene planteado el autor desde hace años es muy grande. Solo la serie de anime se merecería varios artículos, solo diré que actualmente es la única serie que sigo, a ritmo de TV catalana (o sea, lento), y ha conseguido llegar a unas cotas de afición comparables a las de DB. La serie ha ganado en intensidad a cada arco que transcurría, creando una situación de excepcionalidad de un grupo de piratas contra todo un Gobierno Mundial donde las tintas se van cargando a medida que pasan los capítulos, subiendo las revoluciones cosa bárbara.

PlanetES: Personalmente no soy consumidor de fansubs, por lo tanto no estoy al caso de lo que va saliendo en Japón. Siempre me he alimentado de lo que ha ido ofreciendo la TV nacional, mayoritariamente la TV catalana, con una larga tradición de emitir anime. Su último intento fue resucitar el Canal 3XL, con series de variado contenido como Nana o Death Note. Una de las grandes series que reemitió es PlanetES, basado en el manga homónimo de Makoto Yukimura. Las aventuras de unos recolectores de basura espacial, traumas del pasado, problemas burocráticos y de empresa, la sensación del vacío, la mirada del Hombre al espacio, amor a altas alturas,… Una gran historia costumbrista con tintes filosóficos y de gran atractivo, incluidos unos Opening y Ending distintos a los habituales en series más shonen (canciones más comerciales de jpop). Este respeto por el Espacio, el vacío, lo inhóspito para los humanos, lo reencontré hace poco en Gravity, la exitosa película de Alfonso Cuarón. Me hizo mucha gracia recordar PlanetES mientras veía a Sandra Bullock sufrir por el oxígeno restante y enfrentándose a la inmensa soledad del espacio.

Este es mi TOP10 ahora mismo. ¿Cuál notáis a faltar? ¿Habríais puesto otras? ¿Qué recuerdos ligados a una serie de TV conserváis? Exponedlo en los comentarios!

Volver al Índice General

Ya os lo pusimos en la guía des supervivencia pero los repetimos para que los tengáis más a mano:

– La web de Ficomic: donde podéis consultar todos los datos oficiales del Salón del manga.

– Zona Manga – Introducción a los tipos de manga: en el que ordenamos los mangas por tipos y clases, pero teniendo en cuenta también la manera de entender el cómic japonés por parte de los españoles. Si no sabéis cómo encontrar un manga que se adecúe a vosotros, este es vuestro artículo.

– Zona Manga – Radiografía de las editoriales japonesas: en el que os explicamos cómo funciona el sistema editorial japonés y cuáles son las editoriales más importantes, así como los títulos que éstas publican.

– Zona Manga – Las series más vendidas: en el que hacemos un recorrido por los mangas más vendidos, tanto en Japón como en España. Si queréis ir a lo seguro, cualquiera de los mangas aquí citados han hecho felices a millones de personas.

Volver al Índice General

– Alberto de Sosa: Presentándome como uno de los más jóvenes del equipo, empecé a colaborar en el proyecto Zona Negativa en octubre de 2011 gracias a una recomendación del propio Marc Bernabé. Actualmente cubro –o intento cubrir– todo lo que tiene que ver con el manga publicado en España, tratando tanto noticias como reseñas. Mis andanzas en el mundo del cómic nipón empezaron relativamente tarde, aproximadamente en septiembre de 2007. Sin embargo, rápidamente me desvinculé de lo que serían los gustos típicos de los aficionados al manga. Actualmente soy un apasionado del manga clásico y con cada lectura intento no sólo entretenerme, sino aprender un pedazo de la historia del cómic nipón en todas sus vertientes: autores trascendentes, obras padres de cada género, etc. Y, con más o menos éxito, estos conocimientos que adquiero son los que intento trasladar a mis textos.

– Jordi Querol: De Barcelona de cuando aún existía el régimen anterior, empecé a interesarme por Japón gracias a ordenadores como el MSX y compañías como Konami. Aunque incompleta, ese entretenimiento me transmitió una forma distinta de ver y hacer las cosas. Cuando jugabas un juego japonés se notaba. Otro aspecto que me interesó fueron los dibujos animados de la época (Harlock, etc), tan distintos a lo que provenía de otros países. Y de ahí al manga, con el boom de Dragon Ball y las primeras colecciones en comic book. Y desde entonces no lo he dejado. Ahora mismo me interesa más el seinen, aunque una buena historia lo es sin mirar las etiquetas. También me gusta el cómic español y algo de independiente americano o europeo. Empecé en ZN a principios de 2006 ya que en ese momento era muy activo en webs y foros. A años luz de la gente que realmente escribe bien.

– Jordi T. Pardo: Barcelona (Septiembre, 1980). Licenciado en Historia. Mi obsesión por las novelas de misterio y aventuras facilitó mi acercamiento al cómic con los Clásicos Ilustrados que adaptaban historias como El Escarabajo de Oro o La Isla Misteriosa. Luego llegarían Mortadelo y Filemón, Superlópez, Spider-man y Dragon Ball. Descubrí las posibilidades del medio con autores como Alan Moore, Neil Gaiman o Kurt Busiek desarrollando mi ecléctica pasión por la viñeta: cómic estadounidense, europeo, manga y webcómics. En la actualidad, colaboro como reseñista y articulista en mi segunda casa, Zona Negativa, hablando de cómics y cine.

– Julio C. Iglesias: De pequeño sufría mucho por Donald. ¿Qué había hecho aquél pobre patito para que todo le saliera tan mal? Estaba seguro de que había algún tipo de sentido perverso en sus desgracias pero… ¿cuál? Tantos años después sigo pensando en la lógica del cómic y aún creo que el mundo le debe a Donald una explicación. Vivo en Asturias -aunque quisiera estar en Japón- y paso el rato con fútbol, ciclismo, literatura, cine y mucho heavy metal. Historiador, por cierto. Sí, una carrera muy útil.

– Oriol Estrada Rangil: De Mataró de toda la vida, nacido al mismo tiempo que la década de los ochenta. Mi primer recuerdo comiquero es tener un Superman de Byrne en las manos (sin saber leerlo aún), después vino Bruguera, Marvel, y finalmente un chaval con cola de mono que me cambió la vida; le dediqué un documental llamado Songokumanía. Algunos me consideran un experto en manga y cultura japonesa, y puede que tengan parte de razón, pero como lector de cómics no me cierro a nada (sigo siendo un Marvel Zombie). Hablo de Todo Lo Que Mola en mi blog, en la radio, y desde 2013 en Zona Negativa.

– Raúl López: Nací en Sabadell (Barcelona) en 1978, mi afición por los cómics de superhéroes se comenzó a gestar en el momento en que mi profesor de EGB, Joan, me dejó algunos números de Clásicos Marvel que contenían las historias: La muerte del Capitán Stacy, La muerte de Gwen Stacy y La última cacería de Kraven. Desde ese momento me convertí en fan absoluto de Spiderman y por extensión de Marvel Comics. Con el paso de los años aprendí a paladear el buen cómic sea cual sea la editorial, el personaje o autor. En 1999 fundé Zona Negativa como el rincón donde hablar de aquello que me apasionaba, el resto es historia.